在西方绘画史中有一个划时代的流派，叫作印象派。早在19世纪的七八十年代，它就已经风靡全欧洲，并开始传播至世界各地。
在印象派之前，正统的绘画要求“高贵的题材”、“平衡的构图”和“正确的素描”。但是印象派把这些统统抛弃。它脱离了沉重的历史，也不存在文化障碍。印象派追求的，是用太阳的七色光谱呈现自然的瞬间印象，并达到光影与色彩的美的极致。
在印象派的发源地法国，有一位画家被后人誉为“光影的魔术师”，他就是克劳德·莫奈。就连“现代绘画之父”塞尚，都不得不感慨莫奈的“画家之眼”：莫奈只不过是一只眼睛罢了，可是上帝啊，那是只何等神奇的眼睛！
莫奈总是善于在光影与色彩的关系中，找到不易察觉的细微之处，并用别人无法企及的绘画技巧，把它表现出来。所以，有人说莫奈作画，就是直接从眼睛到画笔的过程。
作家莫泊桑几次与莫奈在埃特勒塔的海边相遇。莫泊桑回忆说，“他几笔就勾勒出一缕光线和飘过的云彩，我还亲眼目睹他抓住了一簇落在白色悬崖上的落日余晖，他把它锁定在一片金黄色调中，使这难以捕捉的耀眼光芒，产生了令人惊讶的效果”。
无疑，莫奈是创造美的大师，但是在他心中，真正的美却是无需理解的，只要学会去爱惜就已经足够了。
01.“印象派”的命名，原本是对莫奈画作的嘲讽
在19世纪的法国，一名画家想出人头地，就需要入选一年一度的大型画展沙龙。如果落选，他就失去了受到公众认可的机会。但是沙龙的审查委员会，经常选取古典风格的作品，排挤其他非主流的风格。
古典风格，是指以古希腊、古罗马的雕塑和文艺复兴时期的绘画大师们作为典范，在题材上多以神话、宗教为主，宣扬某种哲理观念或者崇高境界。画家们在室内作画，以精确的笔法、庄重的风格，描绘着雕塑般的绘画形象。
1863年，随着落选者的不满越来越高涨，拿破仑三世只得另辟场地，举办了一场“落选展”。于是，莫奈带着被沙龙拒之门外的《日出·印象》投向了“落选展”。
除了莫奈，还有很多坚定自己创作原则的画家也加入其中，比如马奈、雷诺阿、毕沙罗、塞尚，这些人都是日后“印象派”的灵魂人物。
有一位评论家在观看了“落选展”后，在文章中写到：“这幅画想表达什么？请看说明。哦，叫《日出·印象》，那这画总该有些什么印象吧，就像粉刷墙壁般在画面上留下斑点？可是就连墙纸设计的草稿都比这幅图要完整。”
在这些评论家看来，“落选展”上的画作都是毫无章法、画风潦草，于是称呼这些画家为“印象派”。人们以讹传讹，最终“印象派”就此定名。
事实上，《日出·印象》这幅画是莫奈在家乡勒阿弗尔港口的油画速写。它描绘了日出时海面上的晨雾和朦胧中船只的剪影，一轮旭日在浓雾中散发着橘红色温暖的光，光线在海面左右晃动。
如果你仔细看，就会发现橘红色的太阳和水面的反光，应该是在画面干燥后，重新在偏白色的颜料上再次添笔。
莫奈不仅依据脑海中的印象进行二次创作，也凭借对光线效果的回忆，补全了对朦胧大气的铺陈。
莫奈的这幅作品，大胆地冲撞了“作品”与“速写”的界限。他用锐利的双眼和快速的笔触，提取出现实景色中的精华，把某一时刻的瞬间光影和色彩效果留在了画布上。并以细小的笔点，和织缀成空间的灵巧技法，使画面展现出更真实、生动的感觉。
《日出·印象》自然不是那些评论家眼中的随意之作。
02.刻意练习，使莫奈走上大师之路
莫奈从小生活在诺曼底的海边，那里的海面波涛和天光云影曾吸引无数画家前往。
在启蒙老师布丹的带领下，莫奈开始走向户外，观察海面与天空的光线变化。布丹认为，户外写生直接画下的东西，往往有一种不可能再在画室里找到的力量和生动。莫奈也由此走进了大自然。
不久，莫奈前往巴黎深造，结识了同一个画室的雷诺阿、巴齐耶和西斯莱等人。这群在巴黎沙龙受挫的年轻人，决定远离巴黎的尘嚣，跟随巴比松画派的足迹，前往枫丹白露进行风景画创作。
在这片森林中，莫奈画着眼中的大自然、领略着巴比松画派对于写生的心得，更是在精神上受到了鼓舞。正是从这里起步，莫奈开始进入他的风景画家的生涯。
除了风景题材，在时代的影响下，莫奈还将目光聚焦在“当代题材”。彼时，正值19世纪下半叶，拿破仑三世第二帝国的辉煌时期，巴黎理所当然地成为西欧最有规格和现代化的典范都市。从这里延伸出的火车轨道，可以通达法国全境。
莫奈在巴黎圣拉扎尔火车站架起画布，开始捉摸火车冒烟时那浓厚的团块和逐渐消散的烟雾。画面中，烟雾不再是单纯的白色，它在阳光下带着金黄的色调、在阴影中又蓝紫色的团块。烟雾在高大的棚顶之内，时而飘散、时而凝聚，以不同色彩展示着变幻莫测的形状。
从《圣拉扎尔火车站》的主题“烟雾”开始，莫奈将创作主题，由“实物”正式转向“不易捕捉的事物”。
他沿着塞纳河，追寻天空下水面闪烁的光影，将水波的晃动扼要准确地留在画布上。为了更贴近水面，从水中央的角度来观察，莫奈还改造了一艘“画艇”。他醉心地捕捉着光线，如何在飘动的水面分解成零散的波光，并发展出了“分离笔触”：用不经调和的纯色调，直接涂抹在画布上，流畅生动地记录下“会动”的风景。
为了将光影的刻画做到极致，莫奈开始了一套完整的实验。他把主题简化为造型朴素、单一色调的干草堆。阳光下，干草堆显得非常中性，最有利于观察光影的细微变化和色彩的转换。
莫奈不仅记录着一天之内的不同时刻，时光在干草堆上移动的痕迹，更是在不同季节坚持记录：夏日骄阳下，干草堆的剪影鲜明而真实；冬日积雪下的干草堆，恍惚间变了一个模样，剪影模糊。
1895年，莫奈的《干草堆》系列在莫斯科展出。康定斯基感慨道，“我忽然觉得这是生平第一次看绘画，之前我以为物体是画中不可或缺的元素，但现在不这么想了”。他觉察到这些干草堆已经超越了本身的意义，并受到启发，最终成为抽象派的先驱。
在干草堆之后，莫奈再次以白杨树为主题，重点描绘微微弯曲的垂直树干周围，光线是如何变化的。他又用了两个春天的时间，在鲁昂大教堂对面租了一个房间，从同一角度观察不同时间的光线下，教堂表面的光和影的跳动。
在每个系列中，莫奈都以相同的角度、相同的尺寸作画，“永恒的时间”被引入画面。每一幅作品，都代表某一瞬间，但是当把系列中的所有作品集合，就展现了整个光阴变化流转的过程。
03.用余生完成一件史诗级作品：《大睡莲》
步入晚年的莫奈，已经在画坛名声斐然，也具备了充裕的经济条件。他在定居的吉维尼，买下了一块带有池塘的土地，并迷上了园艺，开始精心打理自己的吉维尼花园。他说，自己最美丽的经典之作正是这个花园。
莫奈花了很多时间去了解花园中的睡莲，起初并不是为了画它们。但直到某一天，莫奈在池塘中发现了一个如梦似幻的美景。于是，他拿起调色盘，从此再也没办法去画别的东西。
莫奈把整个画面都留给池塘，天空需得通过倒映在水中，才得以表现。横跨池塘的日本桥、池边垂柳的倒影和池中的缤纷色彩，这一切都在莫奈眼中浑然一体。他要把水面的波纹、水的深度、阳光在水中的折射，以及景物在水中的倒影，都真实地描绘下来。
《四季·睡莲》系列，倾注了莫奈逾20年的心血。睡莲池上的光影与色彩，最终把莫奈引向了一部史诗级作品：《大睡莲》。
1917年，莫奈的好友克里孟梭，以法国总统的身份，向莫奈提议绘制一组《大睡莲》赠送给国家。莫奈也希望创作一幅巨作，向人们展示一个无边无际的水中幻境。他请人修建了一个天顶透光的画室，准备沿着四周墙壁作画。他期待每一个站在这个房间的人，都会感受到美景围绕、色彩缤纷，仿佛一个让人平静冥想的庇护所。
《大睡莲》的巨作，始于莫奈74岁高龄，一直持续到他86岁去世。这部作品是一部宏伟的史诗，也是莫奈一生中最辉煌灿烂的“第九交响曲”。
那时的莫奈除了坚持站在画架前完成作品，身心也在饱受煎熬。
40年的户外写生，莫奈长期贴近水面或冬季白茫茫的雪地观察，导致眼睛受到强烈的紫外线刺激，视力不断减退，几近失明。他对色彩的辨识度已经发生变化，视野也逐渐模糊。
另一面，他的至交好友马拉美、毕沙罗和雷诺阿，纷纷离世，妻子和长子也相继离世。莫奈痛苦地说，“他们把我一部分的生命都带走了。就剩我一个人，真是很痛苦的事。但我的时间也不多了，我每天都能感到自己的衰老”。他常常陷入忧郁的低潮。
莫奈想要认真地再次观察、感受这个难以告别的世界。他用笔触表达着自己的感受。画面中，细节变得脱略，造型也被削弱，色彩却混融成浑厚的空气感，大色块和大光芒让力量更加强烈了。莫奈用《大睡莲》总结了一生的光影之旅。
1926年5月，在莫奈过世5个月之后，《大睡莲》在法国橘园正式揭幕。人们站在由天光调节的两个椭圆形大展厅中，仿佛周围正环绕着莫奈最美丽的吉维尼花园。
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