摄影笔记

摄影笔记

一、 光线的重要性。

在过去这段时间的拍摄练习中，逐渐体会到光线对摄影画面的重要性，这几乎是起到决定性的程度。

光线的重要性，大师们都强调了很多遍。但是我自己真正认识到它的重要性的，最关键的转折点是有一次早晨拍的照片，后期处理的时候，发现必须谨慎细微的调节色彩，光线和色彩甚至好到基本不需要调节，可以原片流出。 任何一点点修改，都是多余的。

但有些时候，光线不是很好的情况下，后期找到技巧，也能产生很惊艳的效果。例如武汉秋天拍摄的照片，现实中，天空是白亮的，让人很不舒服。但是后期降低亮度，提升对比度之后，发现那是一个晴天，是一个蓝天白云的天气。但是不知道为什么，会那么亮，亮得刺眼。 武汉正常的自然天气，从我小时候开始，就已经开始渐渐消失了。一个证明就是读一年级的时候，冬天还会下雪，冻得手指通红，但是后来十几年，印象里下雪的次数寥寥无几，如果有的话，都是薄薄的一层。 这个经历让我开始对周围的环境有了一个新的认识。

然而是否说，就一定只有早晨或者傍晚的时候，晴天大太阳的时候，就是光线最好的时候，就是最适合拍照的时候呢？我觉得也许并不是这样的。任何时候都是好时候。晴天的时候有晴天的拍法，阴天的时候有阴天的拍法。类比于颜料，灰色不太讨喜，但并不意味着大红就是最高贵的颜色。 一切都看人怎么“造化”了。

再然后对不同的物体有不同的拍法。 

二、不同的物体不同的拍摄手法。 

在秋天之前，这一年的拍摄都是采用的自然光。前段时间看一个ins博主讲述自己的风格特点，大多时候采用自然光。因此更加坚定了这个看法。 但是前几天阴天小雨的时候，我对着刚开放的菊花犯愁了：这是一种暗红色的菊花，花瓣不太长，也没有长得很开，不像一些封面菊花那样热烈张扬，反倒像我一样，蔫儿吧唧的。它让我想起了在田埂中拍摄的那种细碎的带水珠的植物。但它的问题是，即使有水珠点高光，这一大团暗沉的红色也很难强调出来，恐怕是晴天也不太好拍。这就像是，拍人群中万众瞩目的人是容易的，但是如何去拍摄那些在灰尘中挣扎的人们呢？他们没有足够靓丽的外表，不够整齐体面，也不够突出鲜明。

我想到了看过的一个大师静物拍摄，野生植物，用了黑的有质感的背景，整体质感和远近都表达得非常好。 于是找来了黑色的海绵板子和医院拍的骨骼照片，没有摘花，直接用这些工具制作现场的拍摄环境。 最后的结果我自己是满意的，毕竟走出了过去常常拍摄的那个模式，找到了新的角度和方法。 因此结果和以前也不一样。 

夏天早晨的荷花，太阳刚出来那一刻是一个奇景，草丛中植物被露水点亮的那一刻是一个奇景，阴雨天暗沉花朵用背景板来拍摄，也是一个奇景。这些都是一些只有在那个时刻那个环境下才会拍摄到景象，都带着各自的特殊性，都是很难复制的。

有一次夜晚十二点我从雾霾的大街上走过，雾霾的程度已经到了十米内才能看见物体的程度。路上已经没有人了，只有一些汽车飞快的来来去去。但是有一个外国人在用三脚架拍摄这种场景，取景大概是公路在雾霾中逐渐消失的场景。雾霾是很多人厌恶的，脏兮兮的让人无法呼吸。远远没有山清水秀来得让人感动。但是即使是这样糟糕的事物，仍然有拍摄的方法和价值。

所以光是重要的，但并不是只有壮阔的自然场景中，清晨的第一缕光线和日落时分漫天的彩霞才能够拍摄出好的作品来。光是重要的，就好像盐对于人来说是重要的，但是同样的盐，百样的食物，千样的人物和故事。他们全都具有讲述的价值。不具备讲述价值的，是拍千万人拍过的照片，复制他人眼中的世界。 有个很恶心的比喻是，总吃他人嚼过的口中食物，有什么意思呢？虽然创作的最初，大部分人都是从临摹开始，但比较重要的一点是，需要赶快从临摹的状态中脱离出来。总模仿别人的，有什么意思呢？

三、 画面中的构图

常见的构图手法，一是井字格，重点放在左三分之一的位置，或者右三分之一的位置。有人说放左边一点更好，有人说右边一点更好，没什么定论。二是二分法。一个比较经典的是无印良品的品牌摄影，天空和雪地将长长的画面一分为二，中间有一个远去的人，人物比例很小。因此有了天地广阔，万物寂寥的干净和禅意。

还有一个是刚刚了解到的，模仿绘画作品中的三角形来安排画面物体。绘画中三角形方法比较经典的是静物，很多物体堆在一起，形成一个三角形的结构。对于这个想法，我目前不看好模仿这个是为了获得画面稳定的这个目标。绘画中使用这个方法，我想不是因为数学中三角形是最稳定的，所以造成画面稳定，而是因为三角形角的数量是面中最少的，各个边角元素之间关联相对于其他多边形更紧密一些。三角形构图让这些元素联系更紧密，关联性更大。用这个方法来解释风景照，我觉得比较牵强。 

最后一个是数学构图，最经典的是黄金分割点。这个方面我知晓一些理论知识，但是还没有在实践中尝试过。曾经用这个方法来切割现成的图片，但是这不是我认为的实践。 真正的实践，大概就是在拍摄之前，就确定了我想要用这个方法来拍摄吧。 

以上都是比较常见的。一个更深入一点的方面是，根据画面中各个元素的力来进行构图。这个没有现成的规则。拍摄茅草的时候，我感觉到了力的存在，看到大片大片没有经过人为破坏的茅草，他们细长的统一的线条，完美的描述了重力和风力的形态。 因此最后的作品中令我自己感到满足的，也是这个方面。

这些都主要是分割画面的方法。 

另外一个方面是画面的主次和远近关系。 在拍摄了大量荷花细节之后，我开始用荷叶作为素材来拍摄有前景后景的大场面。一通练习之后，才意识到之前那些拍摄，更多的是随心所欲的行为，全靠直觉和随机的场景。这个感觉很微妙，有种站在二楼看一楼的自己，才意识到之前的自己是在一楼的感觉。开始这个方面的练习之后，照片数量大大减少，同时也发觉之前的作品中实际成果很少，大多是对着一个物体狂拍。角度基本一样。也不知道为什么狂拍，就是拍了又拍…终于有一天早晨，找到了茅草和远处大树的这个角度，终于实现了前景后景的寻找。 但新的问题又出现了，因为卡片机自动对焦的效果，也没有三脚架，因此无法堆栈。所以目前处于知道怎么做堆栈，但是无法使用这个能力的状态。这个是遇到了器材上的限制，好的作品，也需要好器材。这个姑且不论。 

这个方面我想我自己也需要更多的思考和实践。就目前看到的别人的作品，有种逐渐雷同的趋势，拍风景照的时候，都是前面一颗大石头，然后远处是山水这样。 相对于主次和远近的关系，我更想做的是研究不同元素之间的关联性。

四、 实践带来突破和内容

在拍摄带来的作品中，为什么是那些别人嚼过的内容最恶心呢？因为已经没有内容/营养了。那些振奋人心的图像，有的是带来全新的视觉：少见的自然景象，从来有人注意过的看物角度，有的是带来故事：画面讲述了新的故事，有的是采用了全新的拍摄手法，有的是换了新的思考方式，从而有不同的结果，例如最近正在兴盛的微距拍摄，用不同的素材做出一个场景，然后拍摄出童话里才会有的场景。很多商业产品的拍摄就在使用着与旅游景点拍摄不一样的方法，不同的打光方法和环境，不同的物体呈现方式。

但所有的这些，都需要走出去，从舒适圈跳出来，去思考如何不一样而不是如何一样，去从从众性的惯性中挣脱出来。总之并不是很舒服的事情。

总的来说，第一步就是去做。去做了，真正的将作品产生出来了，才知道自己平庸在哪里，突破了哪些地方，即使这只是微不足道的一点突破，即使这平庸在别人那里也有。

首发公众号：平原野人