精妙绝伦的艺术品被挂在墙上，放置在展厅中，我们隔着一米栏看它，用一种单向的视角。无论多么经典的作品，好像都只停留在了它完成的那个瞬间，与之后的历史，再之后的现在，都无法产生关联，更不要说是手里捏着入场券的我们。
艺术品与人，到底是怎样一种关系？只能是看与被看吗？
已经完成的艺术品还能不能被二次创作？
我们会成为艺术的一部分吗？
当我看到法国摄影师 Nicolas Krief 的系列作品时，这些问题的答案好像开始浮现。
▲ 本文所有配图均由 Nicolas 提供
2010 年 8 月，Nicolas 接到了法国《世界报》（《 Le Monde 》）的委托，参与了大皇宫的莫奈回顾展拍摄。由那次拍摄开始，他又接下了与卢森堡博物馆的合作，以及与奥赛博物馆的长期合作。
Nicolas 的特别之处在于他不只拍摄参观展览的人和艺术品，更是将镜头对准了布展、撤展、保护艺术品的工作人员。
博物馆不对外开放的时间里诞生的所有奇迹的瞬间，都被他捕捉到，成为了他摄影作品中最有代表性的一个系列。
我们看艺术品的方式，决定了艺术品回馈我们怎样的感受。
在 Nicolas 的镜头中，博物馆的工作人员与艺术品形成了一种新的互动，延伸甚至是创造了新的艺术故事，提供了一种新的观看视角。
除了艺术品的美感、力量感和历史感，Nicolas 的照片让人更鲜明地感受到了艺术与人的关系。
这些艺术品如此真实地成为了现代生活的一部分。
通过邮件，我们采访了 Nicolas，听听这位神奇的摄影师是如何拍摄下这些照片，又是如何看待自己的一系列创作的。
单：你还记得你为这个系列拍摄的第一张照片吗？
Nicolas：第一张照片我已经不记得了，但是我记得当时的感受。
在拍摄第一批照片的瞬间，我就理解了这个系列在我们与艺术的关系方面的重要性，而且我感觉到它会成为非常个人化的一个拍摄系列。
我开始拍摄的时候，第一印象就是工作人员的专业，他们对待艺术品的贴心、技巧性、精准度，使得当下那个场景变得极具戏剧感。
单：你会选择哪类场景进行拍摄？拍摄时的氛围是怎样的？
Nicolas：我的拍摄没有什么限制，只要是能激发我灵感的，无论是静物、神态、微妙的时刻、工作人员的一个动作，还是某个专注的场景，我都会拍摄下来。
当然，我也会拍摄那些看起来非常重要的场景，比如装置一件特别重要的艺术品、壮观的动作等。
我觉得最重要的是拍摄出那些超越语言所能描述的场景——过去几千年服务于宗教的艺术品，现在成为了人们崇拜的对象，这些艺术品“拥有”了庙宇、教堂、博物馆、美术馆等各种场合，还有了“粉丝”，也就是我们。
公众逃离日常生活中各种突发事件的冲动越来越强，而大型的艺术展成为了这种“逃离”的庆祝仪式。
我的作品就是展示这种现象的介质。
单：你是怎么捕捉到关键性的一瞬间的？
Nicolas：很简单：Being there。我在博物馆的工作就是这样，会一直在现场拍摄，和工作人员相处。他们慢慢会忘记我和相机镜头的存在，所以我可以捕捉到眼前发生的一切“真相”。
这其实就是一种发生在博物馆里的街头摄影。我把自己定义为街头摄影师，我的照片都是快照，没有安排好的表演，没有额外的照明，也没有后期加工。
单：作为一个观察者，你和这些艺术品的关系是怎样的？
Nicolas：很复杂。
作为个人，我经常在展览期间被艺术品打动，但作为一名摄影师，我看到的艺术品是拍摄作品整体的一部分，是人类历史舞台上的一部分。
我感兴趣的是艺术品与它周围工作人员的“对话”。
单：你希望通过这一系列的摄影作品传递什么信息？
Nicolas：作为摄影师，我并不是要传达什么信息，而是要邀请观看者反思我们与艺术以及艺术品之间的关系，并分享那些有趣的瞬间。
摄影，只有当它能帮助我们更好地理解现实时，才有意义。
不过，在形式上，我还是更喜欢让文学来表达史诗层面上最琐碎的情景。
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