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不管你是从事什么设计行业，审美与造型、艺术历史与设计规则都是基础中的基础，所以希望您能认真阅读并学习艺术知识与设计基础，这样才会设计出较为优秀的作品。
1..构图的平衡性
构图的平衡性指的是艺术元素(颜色、形状、线条、空间、质地和重量)之间的关系。当它们达到平衡时，构图看起来就会更稳定，视觉上令人更愉悦。
正如对称与审美偏好，也反映了“应该”出现的直观感觉，有助于外界对作品构图的整体平衡有了明确的判断。
创作一个和谐的构图平衡性涉及到整理元素，使得作品的任何一个部分都不会超过任何其他的部分，或者看起来比任何其他部分都要重。 三种最常见的成分平衡类型是：对称的，不对称的和放射状（径向平衡）的。
对称的平衡类型是最稳定的，在视觉上，通常传达了一种和谐或美观的比例。当平面或垂直轴上的一幅作品的两边都是由艺术元素的排列所创造的感觉的意义相同的时候，这个作品就会表现出这种平衡。对称的反义是不对称。
上图从结构上是对称的，从构图上是不对称的
不对称被定义为没有对称或者违反对称的原则。不对称的例子在建筑中很常见。尽管前现代建筑风格倾向于强调对称(除了极端的地点条件或历史发展以外)，现代和后现代建筑师经常使用不对称作为设计元素。
例如，大多数桥梁由于设计、分析、制造和节约材料的经济使用而采用了对称的形式，而许多现代桥梁则故意偏离这种形式，目的是为了满意特定需求或环境因素而考虑的，要么就是想创建一个引人注目的设计形式。
放射状型（径向平衡）指的是组成中的圆形元素。在古典几何中，圆或球的半径是任何线段从它的中心到它的周长。通过扩展，圆或球体的半径是任何这类线段的长度，这是直径的一半。半径可能是直径的一半以上，通常被定义为任意两点之间的最大距离。
几何图形的半径通常是它所包含的最大圆或球体的半径。 “半径”或“半径”这个名字来自拉丁半径，意思是“射线”，例如圆形发动机的涡轮。
2.节奏
视觉艺术的原理是艺术家用来组织艺术作品中的元素的规则、工具和指导方针。当这些原则和元素成功地结合在一起时，它们有助于创造一种美学上令人愉悦或有趣的艺术作品。虽然它们之间有一些变化，但运动、统一、和谐、多样性、平衡、节奏、强调、对比、比例和模式通常被认为是艺术的原则。
节奏(从希腊韵律，“任何有规律的循环运动”可以被定义为“由强弱元素或相反或不同条件组成的运动”。通常意义上的正则递归或模式在时间上可以应用于具有周期性或频率的各种周期性自然现象，从微秒到数百万年。在表演艺术中，节奏是一个人的尺度上的事件的时间，音乐的声音，舞蹈的步骤，口语和诗歌的韵律都是节奏。节奏也可以指视觉表现，即“穿越空间的定时运动”，而一种常见的模式语言将节奏与几何学结合在一起。
在视觉构成中，模式和节奏通常表现为与颜色或线条的一致性。例如，在左下方和右上方放置一个红色螺旋，会导致眼睛从一个螺旋上升到另一个螺旋，然后再到中间的空间。元素的重复创造了观察者的眼睛的运动，现代很多作品的造型与形式都相应的做出了节奏的视觉表现。
3.比例与尺寸
比例是一种测量元素的大小和数量的规则。层级比例是艺术中使用的一种技术，主要是在雕塑和绘画中，艺术家使用非自然的比例或比例来描述艺术品中人物的相对重要性。例如，在古埃及艺术中，神和重要的政治人物显得比普通人要大得多。从文艺复兴开始，艺术家们认识到比例与透视之间的联系，以及三维空间的错觉。
建筑经常使用比例系统来生成或限制被认为适合包含在建筑物中的窗体。 在几乎所有的建筑传统中，都有一个数学关系的体系，它支配着设计各方面之间的关系。这些比例系统通常很简单；用几何方法确定整数比或不可通约比率(如黄金比例)。
一般来说，比例系统的目标是在建筑物的元素之间产生一种连贯和和谐的感觉。
4.空间
空间可以被定义为任何两个可识别点之间的区域。
在每个媒介中，空间的构思是不同的。例如，绘画中的空间包括背景、前景和中间地带，而三维空间，如雕塑或装置，将涉及到作品的距离、周围和地点之间的距离。
空间被进一步归类为正面或负面。“正空间”可以定义为艺术品的主体，而“负空间”则可以定义为主体周围的空间。
在过去的年代里，空间以各种方式被构思出来。艺术家们花了大量的时间来尝试不同的角度和平面的平面度。
从视觉上看，它是一种幻觉主义的现象，非常适合现实主义和现实的描述。在花了几百年的时间发展线性视点之后，西方的艺术传统在20世纪初发生了根本性的转变。
立体派和随后的现代主义运动的创新，代表着西方艺术在使用空间方面的一个重要转变，其影响仍在显现。
5.二维空间
二维或二维空间是我们生活的物理宇宙平面投影的几何模型。这两个维度通常被称为长度和宽度。两个方向都在同一平面上。在物理学中，我们的二维空间被看作是我们移动的空间的平面表示。
在艺术创作中，绘画是一种视觉艺术形式，它利用任意数量的绘画工具来标记二维介质(即物体没有深度)。作为一种最简单、最有效的视觉传达手段，媒介在人类历史上一直是一种流行的、基本的公共表达手段。此外，基本绘画工具的相对可用性使绘画比其他大多数媒体更具普遍性。
在绘画中，测量主体的尺寸是一个重要的步骤，这是再现一个真实主题的重要一步。诸如圆规这样的绘图工具可以用来测量不同侧面的角度。这些角度可以在绘图表面重现，然后重新检查以确保它们是准确的。
另一种测量形式是比较主体不同部分的相对大小。放置在绘图工具上的一个点上的手指可用于将该尺寸与图像的其他部分进行比较。一个尺子可以被用作一个直尺和一个计算比例的装置。当试图画一个复杂的形状，例如一个人的图形时，用一组原始形状来表示形式是很有帮助的。
几乎任何维度的形式都可以由立方体、球体、圆柱体和圆锥的组合来表示。一旦这些基本形状被组装成相似的形状，那么绘画就可以被提炼成更精确、更优美的形状。一个更精致的人物绘画艺术依赖于艺术家对解剖学和人类比例的深刻理解。
一位受过训练的艺术家对骨骼结构、关节位置、肌肉位置、肌腱运动以及不同部位在运动过程中如何协同工作都很熟悉。这使得艺术家能够呈现出更自然的姿势，而不是人为地僵硬。尤其在画肖像的时候，艺术家也很熟悉这个比例如何随着主题的年龄而变化。
6.线性透视与三维空间
在艺术中，透视是在一个平面上的一个近似表示，它是由眼睛看到的，通过假设一个特定的消失点来计算的。系统地试图发展一种观点系统通常被认为始于公元前5世纪的古希腊艺术。在古代，艺术家——尤其是那些不那么受欢迎的传统艺术家——都清楚地意识到，远处的物体可以比那些接近于手边的更小的幻体更小。但这项公约是否真的在工作中使用取决于许多因素。
最早的艺术绘画和绘画通常根据其精神或主题的重要性而定的，而不是他们与观众的距离来分层次地塑造物体和人物。 最重要的人物往往被视为一个作品中的最高层次，也来自于神圣的动机，古埃及艺术中常见的“垂直视角”就是这种表现形式，在象形文字下面显示了一组“较大”的人物/神画像）。
早期的中世纪艺术，在从古典模型中重新学习传统的过程中缓慢而不致，后来到了中世纪，欧洲的艺术家们才意识到，根据距离来改变元素相对大小的原理，在这段时间内，试图传达距离的尝试的使用和复杂程度都在稳步上升，但没有一个系统的理论基础。
然而，在文艺复兴时期，意大利几乎所有的艺术家都采用了几何视角作画。使用透视法不仅是一种描绘深度的方法，而且也是一种创作绘画的新方法。渐渐地，通过艺术学院的运动，意大利的技术成为了欧洲和世界其他地方的艺术家培训的一部分。
地平线上只有一个消失点时，图形才有一点透视。这种类型的透视图通常用于道路、铁路轨道、走廊或建筑物的图像中，以便正面直接面对观众。任何由直线平行于观众视线或直接垂直的物体都可以用一个点透视来表示。这些平行线要相交于消失点才能表示一点透视。
两点透视法可以把同样的物体画成一个点的角度，比如看着房子的一角，或者看着两辆叉开的道路就会缩小到远处。
例如，在从拐角处看空间上的图形时，外边缘会向一个消失点退去，而另一另一边的外边缘会向相反的消失点退去。
三分透视法经常用于从上面(或下面)看到的建筑物。除了前面的两个消失点之外，每个外边缘都有一个点。对于从上面看到的物体，第三个消失点在地面以下（如下图）。从下面看到的一个物体，当观众抬头看一幢高楼时，第三个消失点在空中。
四点透视是两点透视的曲线变体。由此产生的细长框架可以横向和纵向使用。就像所有其他透视的透视变一样，四分透视从地平线开始，接着是四个等距的消失点，勾勒出四条垂线。因为只有当平行线出现在场景中，才会存在消失点，如果观察者观察到一个非直线的场景，就会出现一个没有消失点(“零点”)的视角。非线性场景最常见的例子是自然场景，经常不包含任何平行线。另外一个没有消失点的视角仍然可以创造一种深度感。
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