罗马现代美术馆

今天已经是在罗马的第7天了，时间过得好快啊。我有一种时间特别不够用的感觉。在这个城市待得没多久，已经开始越来越喜欢这里。

昨天，去了罗马现代艺术博物馆。感觉已经升级为馆控了。主要还是因为下周要陪庄同学到处走，所以先把平常的景点略过，反正还有时间。先从非热门景点开始。

罗马国家现代美术馆是意大利收藏现代美术作品最丰富的美术馆。这里收藏有19-20世纪的新古典主义、马基亚伊奥利派、未来主义、形而上画派、抽象主义等的绘画作品。另外还藏有M.罗索、M.马里尼的雕刻及其他国家的美术作品。印象派开始各个时期的作品都有，意大利画家作品较多，如巴拉，博丘尼，基里柯，丰塔那。

馆门票10欧，讲解器租用5欧。没有安检，其实也没有人检票，随便进出，全凭自觉咯。来现代馆，有几幅很喜欢的及必看的作品~比如Klimt的《女人的三个阶段》，梵高的《GARDENER》、模仿高更的《基诺夫人》，莫奈的《睡莲》，塞尚的《房屋》，杜尚的《泉》。还有些其他的没来得及细品。

three ages of woman by klimt

1、《女人的三个阶段》by klimt

古斯塔夫·克林姆特，又译古斯塔夫·克里姆，生於维也纳，是一位奥地利知名象征主义画家。他创办了维也纳分离派，也是所谓维也纳文化圈代表人物。克林姆特画作另一特色为画中主角大部分都是女人，主题则为「爱」、「性」、「生」、「死」的轮回宿命。在《女人的三个阶段》中，画家运用象征的手法将女人的一生——幼年、青年和老年三个阶段浓缩在一幅画中,这是一首不可逆转的人生三部曲，表现出画家对命运的感伤。在繁花点缀的地毯的衬托下，左侧的老女人显得十分衰老，她的身体轮廓清晰，从手臂上的血管、干瘪下垂的胸脯、以及鼓起的腹部看出岁月的痕迹不留余地的停在人的身上，偏偏她又滑稽地模仿孕妇，似乎想延续女人生育的能力，如此更显示出无情的岁月。在老女人旁边是一位年轻的母亲，看上去像个姑娘，她的身躯和老女人一样都被拉长。她的头发缀满了花朵，一条透明的蓝色薄纱缠绕着腿部和臀部。她看似半睡，又像沈浸在母爱的冥想中，将神态可亲的婴儿抱在胸前。

2、《银盘》、《瓶子》by Giorgio Morandi

乔治·莫兰迪（Giorgio Morandi，1890-1964）生于意大利波洛尼亚，是意大利著名的版画家、油画家。青年时考入波伦亚艺术学院，曾经长期在这所学院担任美术教师，教授版画课程。莫兰迪既推崇早期文艺复兴大师的作品，也对此后各种流派的大胆探索有着强烈共鸣。他一生没有娶妻，可以说没有爱情，唯一有的就是他把一生都献给了他挚爱的艺术。他是一个画僧，也是一个苦行僧。艺术是他的亲人，也是他的妻子、情人。他孤寂一生，几乎没有离开过他的家乡波洛尼亚，过着简朴的生活，淡泊名利。他以其高度个人化的特点脱颖而出，以娴熟的笔触和精妙的色彩阐释了事物的简约美。莫兰迪选择极其有限而简单的生活用具，以杯子、盘子、瓶子、盒子、罐子以及普通的生活场景作为自己的创作对象。把瓶子置入极其单纯的素描之中，以单纯、简洁的方式营造最和谐的气氛。平中见奇，以小见大。通过捕捉那些简单事物的精髓，捕捉那些熟悉的风景，使自己的作品流溢出一种单纯高雅、清新美妙、令人感到亲近的真诚。在立体派和印象派之间，他以形和色的巧妙妥协，找到了自己独特的画风。一个画了一辈子瓶瓶罐罐的人，我喜欢他的静物，有点禅意的静。

3、《基诺夫人》、《园丁》by梵高

这两幅画是梵高入院后所作，已经1889,1890年，色彩柔和，没有先前的浓烈。梵高画的笔触很特别，近看原作更有这种感觉。《基诺夫人》是梵高与高更分手后，模仿高更画作而作。同样也是一个雍容华贵的夫人坐在桌旁，桌上放着两本书，一本是《汤姆叔叔的小屋》，一本是啥忘了，借以表达画家的某种情感。英文讲解听得我一知半解，然有胜于无。

4、《房屋》by塞尚

不知道是不是这么翻译的。塞尚的这幅作品大概是他生前最后一幅或最后几幅画了，他很喜欢他生前最后待的这个小屋。整体画面很柔和，虽是印象派大片大片的色彩，轮廓却很清晰，很安静的感觉。

5、《泉》by杜尚

前两周刚听陈丹青说起这个著名的作品，没想到居然在这里不期而遇。以下引用我理解中的“泉”。转自https://wapiknow.baidu.com/question/100897820.html?rn=5&pn=0&lm=null&from=&ssid=&uid=B639B35A6FCE9B0B2D1A636AEE261379&pu=&step=2

杜尚的《泉》意在质疑人们关于何为艺术品的观念：很少会有什么东西去让人们思考艺术实际上是什么，或它是如何被表达的问题；他们只是假定了艺术要么是绘画，要么就是雕塑。所以才会很少有人会将《泉》视为一件艺术作品。“这个小便器可能是件艺术品吗？”在小便器摇身一变成为艺术品的过程当中，名字的变化原来是如此的重要。正是这个名字的变化，变得不同寻常，使得人们审视物体的角度也发生改变。不等大雅之堂的小便器，也就随之被视为格调高雅的艺术。1917年，杜尚把一件现成品磁小便器，送到纽约独立艺术家协会举办的展览上，作品题为《泉》。它被展览布置委员会愤怒地拒绝了。它引起了持久的解释学喧闹。实际上，它成为了现代艺术编年史上的里程碑。

《泉》表现出的是对一切传统艺术观念彻底的否定与批判。 此前的任何艺术流派，哪怕再激进，起码承认艺术品必须要有艺术家的创作过程，而且一般来说，艺术起码要表现美。而《泉》的出现，则连这最“起码”的艺术观念也被否定了。

《泉》做为西方美术史中第一件完全利用现成品的“装置”作品，开创了所谓“装置艺术”的先河。自此，现成品进入艺术的领域，改变了以往只能透过画笔和手工制造的移情投射观念，转向客观视觉背后的精神活动。整个西方艺术的思潮便迈入了另一个艺术观点的里程碑。

他曾表示他评价最高的不是艺术，而是生活本身；不是杰作的创造，而是自由的智慧游戏。由此，我们可以理解他使用现成品时所持的反传统，反艺术的嘲讽态度。　众所周知，安格尔的名作《泉》，几乎是唯美主义的典范。而杜尚却把同样的命名赋予了“不堪入目”的小便器，从而彻底粉碎了传统意义的“美”。而且他还宣称，这件作品的外缘曲线和三角形构图与达·芬奇的《蒙娜丽莎》别无二致，而它那柔润、光洁的肌理效果和明暗转换与古希腊的雕刻大师普拉克西特列斯的大理石雕刻完全一样。 通过这件玩世不恭的作品，杜尚向传统艺术概念发起了极为尖酸刻薄的挑战。

杜尚的艺术非艺术化主张在这里遭到了误解，但误解却给艺术带来了一种新的可能。劳申伯从现成品中发现美是将杜尚的主张颠倒了过来，即非艺术的艺术化。正如杜尚本人所言：“当我发现现成品的时候，我心里想的是要否定美，对现在的新达达而言，他们拿我的现成品是要发现其中的美。我把瓶架子，小便池摔到他们脸上作为一个挑战，而现在他们为了美却赞扬起这些东西来。”

以杜尚及其作品《泉》为代表的“达达派”在西方美术发展史中具有举足轻重的，承上启下的意义。他们不仅仅创造了一种流派，一种画风，重要的是他们那种近于极端的批判精神摧毁了一切传统观念，从而为纷至闼来的新观念、新流派解除了精神枷锁，开拓了无限广阔的发展空间。