什么是构图
摄影师在明确了拍摄的目标后，对自身作品的评价同样重要。在这时你往往会自问：用摄影传达思想最有效的方式是什么？最有效的技术，往往会随着不同的场景、不同的摄影师而变，无法则可循。实际上，艺术是没有法则可言的。
而有一点可以明确：必须有好的构图。无论主题如何，都必须有好的构图才有意义。（这一法则可延伸到其他视觉和非视觉艺术）
什么是构图，我定义它为：“对艺术作品各个部分的布局，以形成统一和谐的整体。”这是一个完美的开头，其中“统一和谐”是关键。如果摄影是你表达自我的途径，那么构图就是用于清晰表达自我的工具。构图是把观者带入照片的途径，使他们保持足够的注意力，以读懂你要表达的内容，并明确自己的感受。
在学**构图之前，我们有必要知道眼睛是如何看到东西的眼睛不是一下看到所有景物的。它把世界分成小块看，然后把这些小块组合成完整的画面。这些狭窄视野的角度非常小，大概只有3°。为了亲身理解其中含义，你可以试着这样做：举起手臂，手臂向上弯曲，手指**（就像把手掌按在前面的墙上一样）。这样你会隔着一个胳膊的长度，看到你的手背。现在看着你的拇指指甲，这样，你会发现你的小指已处于聚焦范围之外！你需要转动眼睛才能清晰地看到自己的小指。然而，它离你的拇指并不远，实际上，你的其他手指都处于聚焦范围之外，这就说明了我们的视线到底有多窄。
由于眼睛只能清晰的看到很小的范围，它必须快速移动，以看到整个场景。它的运作方式不同于电视扫描，不是设定好的。相反，视线的投射是随机的，从上下左右把各处的小片段挑选出来，然后以极速传达到大脑。大脑把这些随机数据组合在一起，就像拼七巧板一样。在观察场景时，眼睛会在显著的物体上停留片刻，把它看清楚，而把其他东西留在模糊之中。因此，眼睛所观察的整个场景，其清晰程度和注意力是不统一的。
我们都是这样看东西的。这已经得到了学者的证明，你无法挑战。
记住这点，回到构图的讨论来，我们这样定义它：好的构图，就是艺术家消除随机性、有计划地安排读者视线的方式。一张照片有好的构图，读者首先会看到艺术家希望他们看得最明显、记忆最深刻的元素。然后，他们会注意到第二重要的元素，最后是次要元素。有了好的构图，艺术家可以引导读者以一种受控的方式解读照片。观看摄影作品是没有偶然性的。构图就是艺术家把秩序带到无序世界的方式。其实，这就是词典定义所需要的东西。
这个定义可以解释为什么雄伟的景观往往很难变为好的摄影作品。那可能因为场景太复杂了。眼睛接收到这一场景，然后投出目光，选择最重要的信息片段，然后再把其他片段组合进来。而照片或其他视觉艺术则必须把这些信息组织起来。如果组织不好，读者的视线就会漫无目的地游走，而不能抓住艺术家要表达的东西，因为这根本没有表达出任何东西。这样，场景并没有被构图，而只是被选择。摄影不同于美术，但单纯地记录场景会有一个严重的缺陷：缺乏现场感。
“观看”和“以摄影的方式观察”之间是有确切区别的。人们可能会认可和欣赏某个有趣的场景，但未必会把它组织成一幅有效的照片。只有那些可以从场景中创造出有价值照片的人，才算是“以摄影的方式观察”场景。理解构图、运用构图，这就是艺术家和快照拍摄者的区别。
好的构图有两个重要的方面：一是统一的思想，二是简单性。二者密切相关。
橡树，萨佩罗岛
这棵巨大的橡树显然是兴趣中心，而背景的树则形成合拍的对位旋律
照片中有一棵向外伸展的树，位于一片开阔土地的边缘。如果要通过摄影有效地表现这棵古老的巨树，我们应该把它放在天空的背景下，让它分离出来，而不是把它放在类似的树木中，即使放在树木中，它也应该很显著，能明显的抓住你的注意力，而背景的树则变得次要。这样的分离，可以把观者的注意力集中在树上。显然，这棵树就是拍摄者所考虑的主题，也就是兴趣中心。
雾中树，堪比里亚镇
这张照片的主题是雾，在画面左下角远处的树尖已经基本看不清了，它成为这幅影像的惊喜之处。没有它，雾中的树干仍然会有迷人的节奏，但树尖的惊喜为影像带来更多的趣味。
假设要表现的主题是雾。那么怎么表现雾天呢？或许，一种方法是找出一组隐没在雾中的树木或其他物体，这些树不能被表现为兴趣中心。树不是重要的，雾才是照片的统一思想。雾本身是不可见的，白色（或灰色）的，而且没有固定形态，但它可以使树隐没其中，从而让人明显注意到它的存在。如果你专注于统一的思想，你的照片就有凝聚力。注意不要让“统一思想的范围变得过于宽泛，把眼前的东西都拍下来再辩解说“统一思想是乡村景色”，这是很容易进入的误区
简单性
对于初学者，简单性十分必要。构图越简单，就越容易控制和指引读者的注意力。这对于中高阶摄影师同样如此。虽然经验和熟练性的增加让他们能更熟练地控制好复杂的情景。但简单仍是十分重要，这对于所有视觉艺术家都如此。许多摄影师失败都是因为过于复杂，他无法很清晰得阐明自己的想法，导致他的照片显得不确定、没有方向感。不妨拿出几张自己的作品分析一下，画面中的目标是什么。如果答案是不确定的，那么照片往往是含义不清的。如果你的答案是确定的，你是有意表现出暧昧和矛盾的图像？还是要创造出复杂或混乱的效果？如果是这样，你需要大幅改变自己的方法来达到目的。要明确自己的意图，再简明的表达出来。
斯图在水帘洞峡谷
表达你自己的观点
上述自省隐含一个更深刻的问题：你的观点可见吗？没有观点，图像是含糊的，这是靠简单性无法解决的。毕业照就是一个例子，拍摄者没有任何评论和观点，每个学生只是穿上学士服，摆好姿势，然后离开。摄影师对他们一无所知，拍出来的只是一张脸孔，它简单而统一，却没有艺术价值。
从更深层讲，除非摄影师和主角间有着友好关系，否则任何尝试都不能让你的肖像摄影增色。摄影师应该认识主角，对他感兴趣，对他有一定的看法，并努力把主角的个性以最强烈的方式表达出来。有时，摄影师必须强烈依赖于第一印象。因为往往他们并没有足够的时间完全了解主角。
时间不够，这对于每一个摄影领域都是一个问题。布列松不会耗上几个月来研究某条街道，然后再开始拍摄发生其中的事。尤素福·卡什（Yousuf Karsh）也不可能和丘吉尔一起待上几天，然后才拍出那张著名的肖像。亚当斯说他拍摄《月出赫尔南德兹》时特别匆忙。摄影师往往只对他的拍摄对象获得快速印象，因此他的感知和定性必须又快又准。
即使拍摄主体是风景等静物,第一印象也同样重要,因为光影和其他条件是变化的——有时这变化快得惊人！风景是不断变化的，摄影师往往很难分析它，却又必须分析。如果你可以快速判断自己的反应，决定如何传达这种反应，并以简单性和统一性原则进行构图，你就成功表达了自己的思想。
爱德华·韦斯顿把好的构图定义为“最强烈的观看方式”。这是一个了不起的定义，它清晰避免了构图的规则，并把构图和观看联系起来。他强调了“观看的强烈程度”，提到了创造强烈视觉语汇的艺术。
保护色
这是极具巴洛克画作风格的一幅照片，你可以解读它是什么吗？你可以马上看懂它吗？还是得花上一段时间？
简单性与复杂性
许多当代思潮宣城当今世界是复杂、不和谐、破碎无情的。而艺术是社会之镜，如果它为了**过时的简单性观点，而与上述这些因素完全隔绝，那就是荒谬的。
一种思潮认为，简单认为用简单表现简单，复杂表现复杂是懈怠的。生活中的消极元素，它们一直都在。文明经历过这些仇恨、残忍、战争、冲突，艺术亦如是。而且艺术可以通过合理的方式，把这些困惑和瑕疵隔离开来，从而照亮世界。简单性和统一性是最易于理解且最具冲击力的方式。但不必运用于所有创作中。一定的不和谐、混乱因素是有意义的，但如果不经削弱，它们无法用于启迪他人的意图。那么，艺术都是有启迪性的吗？对于这个问题，我认为艺术应该提供让人喜欢的、从真实或虚拟世界提取出来的视觉精华。
另一种思潮只关注简单性，并批判性的认为复杂性才是艺术品的必须要素。例如，贝多芬第九交响曲比《小星星》伟大得多，因为它更复杂。贝多芬这样的大师控制得了复杂性和动态性，而能力较弱的作曲家就无法控制。类似地，初学者要通过努力获取简单性，在起步阶段创作出有价值的照片，久而久之就可以创作出更有意义的影像。复杂性在伟大作品中是必要的，但必须控制好。
乞女
在墨西哥奥克萨卡的教堂里，一位乞丐坐在饱经风霜的玻璃板另一面的石头通道中。这幅作品虽然令人心痛，但它有一种构图上的统一性，这种统一性是由射进教堂的光线的强烈线条产生的。虽然乞丐是视觉中心，但你不会立刻就能发现她，她太小了，无法马上就看得到。但只要你发现了，影像的性质就完全改变了。
构图的元素
如果构图是引导观看者浏览照片、并留住其视线直至读懂照片的手段，那一定会有一些构图方法可以最大程度地强化你的影像。这些方法确实有，如果可以识别和理解构图的各种元素，你就可以运用这些方法。
这里列出一系列构图元素，我们会对它们进行讨论，并研究它们如何提高摄影作品的质量。
•光线
•色彩
•反差和影调
•线条
•形状
•图案式样
•平衡性
•动态
•正/负空间
•质感
•相机位置
•焦距
•景深
•快门速度
今天我们主要探寻反差和影调，线条，形状，图案式样。
由于光线和色彩太过重要，需要特别注意，所以会在以后单独讨论。
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反差和影调
雕像和廊柱，杜伦大教堂
阴暗的影调表现了杜伦大教堂深沉的氛围，虽然辞典编纂者塞缪尔•约翰逊的雕像在沉思，但表现的栩栩如生，一种冥想而严肃的氛围占据着这幅作品
反差不是构图的实际元素，而是一种构图技巧，其重要性在于它是眼睛和大脑观看这个世界的方式。我们知道视线是从关键的区域随机地跳跃到其他区域中的，而次要元素以一种非常模糊的方式填充着其它空间。而视线一般会首先转移到高反差的场景中去。白色与深灰色或黑色的对比有着强烈的冲击力。而黑色与浅灰或白色也同样如此。而浅灰与稍深一点的灰色或中性灰在一起，则不会马上吸引人的目光，深灰与稍浅一点的灰色或中性灰在一起也同样不会吸引人的目光。聪明的艺术家会根据需要运用这些关系，用强烈的反差获取冲击力，或者用柔和的反差获取微妙性。
高反差会让照片显得“干脆”和刺激；低反差则往往会透露出柔和的氛围。两种反差的方式都有自己的定位，都对影像的最终调性有着重要的影响，无论拍摄的主题是什么。
反差受影调范围的影像并不大，起决定作用的是它们之间的关系。对于拥有深黑和亮白色的照片，传统的中性灰可以柔化其反差，使它成为反差适中的照片。如果作品中最深和最浅的灰度紧邻一起，而印相又使其中一端缺失，那么最终的印刷品会显得反差非常高。只要影像中的中间影调消失，高反差的效果就会被增强。
无名骑士墓，赫里福德大教堂
由于阳光透过左侧无法在照片上看到的窗户洒进教堂，这幅影像以中灰影调为主导。尽管前景是一位已逝骑士的墓，但这幅照片比杜伦大教堂的照片表现出更多的乐观情绪。更明亮的影调也许正是这个区别的原因
影像中的影调范围和反差之间并没有关系，这让人很吃惊，但事实如此。为了阐明这个看似矛盾的论点，你可以想象自己在放大机下用白光对相纸进行曝光（放大机中没有底片），不过首先你要用较重的黑色卡纸把相纸盖住。然后，慢慢把卡纸从相纸上移开，在相纸几乎被完全揭示出来前，关闭放大机。冲洗相纸的时候，它就会显示出从白色（在相纸的一端）到黑色（在另一端）的完整灰阶。
相反，如果我们在相纸首先揭开的一端放置一件小物品（例如硬币）那么我们就会看到黑色和极深灰中间有一个全白的圆形。虽然影调范围没有变，但相片却有极高的反差。如果硬币放在相纸中间，白色圆形的周边就是中性灰，相片的反差适中，而影调范围依然没有变，如果硬币放在相纸的另一端，圆形的周围将是极浅灰和白色，反差就会很低，但影调范围还是没变。所以影像的反差取决于影调的排布位置，而不是影调的范围。一幅具有全白到全黑影调的照片可以显得很“浑浊”。一些没有全白或全黑的相片，也可以显得很“干脆”，有反差。
阳光，萨克拉门托议会大厦公园
这张照片最暗的部分也只是中性灰。暗调在这里是不合适的，它们会抵消那种整个场景都充满光线的感觉，这种感觉是由于晨雾对阳光的散射而造成的。那道不成文的规则——照片中必须有纯黑和纯白——必须被舍弃，就像其他所有艺术和个人表达的规则一样
门房，莱纳科斯特修道院
这幅图像最明亮的部分是地平线上面的天空，它不仅不接近白色，甚至连浅灰都算不上。到了傍晚时分，在浓厚的乌云和毛毛细雨之下，门房和树木的细节已经很难看的清。明亮的影调是不合适的。照片中必须有纯黑和纯白的规则必须被舍弃
《门房，莱纳科斯特修道院》拍摄于英国。这幅照片没有白色，甚至连浅灰色也几乎没有，拍摄的时间是一个雨雾天的黄昏。光线正在消失，需要30秒的曝光。虽然是一个阴郁的时间，但照片没有表现出压抑的氛围。
第一次扩印出这幅作品时，我很介意白色的缺失。所以我试图用不同的方式来印相。我首先实验班叫高的反差，在保持暗调的前提下获得比较明亮的灰阶。然后，我再扩印出一幅整体影调更明亮的相片。两个版本都没有表现出我内心的感受。然后，我看回最初的版本，发现这才是我需要表达的氛围：宁静，安详而思辨，白色和灰色没有必要出现。
一幅构思完善的高调作品通常会表现出一种充满阳光、清爽轻快的感觉，或者是一种乐观精神。然而，有创造力的摄影师可以用相同的影调表现出忧郁感。
线条
它或许是对构图最有影响的元素。线条可以拖住视线，这是文艺复兴时期艺术家们在研究透视的时候首先发现的。视线会随着透视线条指向远方，好像没有别的选择似的。实际上，确实没有选择！除非线条过于复杂，否则视线必然会随着线条从开始通往末端。
斜线具有强烈的构图效果，因为它们有着内在的不稳定性。它们可以制造出张力。它们在站立（竖直）方向和横放（水平）方向都不稳定。在效果上看，斜线是下落的过程，这让它们具有强烈的动态。竖直和水平线条都会在动态方面有所削弱，而在持久性和稳定性上有所增强（甚至是静态感，如果用于平凡的风格）。而曲线则可以非常动感，也可以非常放松。紧张的曲线可以比宽松的曲线承载更多的戏剧性。
当然，这些紧张感必须与其他构图元素相结合。显著的斜线被印制成低反差的照片，其动态可能会低于横线或竖线印制成高反差照片。
回旋裂口，羚羊峡谷
这是我的第一幅裂谷照片。我并没有把它当作一座由砂岩侵蚀而成的峡谷来看待，而是把它当成悬浮在时空中的天体，周边被宇宙引力所包围。中间黑色的形状（或许是个黑洞）被明亮的紧张曲线环绕，这些曲线随着向外的延伸而变暗。读者的视线会立即被拉到中间区域，因为那里有着很高的反差，而且螺旋线是从那里发散出来的
《回旋裂口，羚羊峡谷》把视线引向图像的中心，也是反差最大的地方；最深的黑色与最亮的白色紧接在一起，同时曲线也是最紧张的。在那里，视线迅速地向外旋转，从高反差的内部弧线通向低反差的外部弧线。高反差和曲线的结合使这幅图像充满动感。
倒下的杉树
倒下的巨树产生了一种从左下角到右上角的强烈动态，而右下角的树枝反**相同的角度。把倒下的杉树搬开的话，场景会变得稳定庄严，而不会有动感。照片中最明亮的部分只有很少的影调细节，它揭示了场景中的雾；最暗的部分就跟《回旋裂口》中最深的黑色一样，然而这幅影像的反差并不大，因为极端的两种影调并没有靠在一起。图像的大部分都是由中灰占据。反差并不是由影调范围决定的，而是由影调的并置决定的
《倒下的杉树》则被倒下树木强烈的斜线所占据，右下角的树枝重复着相同的角度，与后面树立的杉树形成对比。在这幅图像中，竖线与斜线的标准关系非常到位。去掉倾斜的树木，照片会变成一片雾中的原始森林，强盛而恒久，但肯定不会有动态。
直线和斜线与带有尖角的折现带有相同的情感吗？当然没有。宽松的弧线与一系列竖线带有相同的情感吗？也没有。让不同的主题与刚才提到的抽象线条相吻合吧，看看你预想中的线条结构是如何与主题产生关系的（当然你的主题可以同时包含曲线和直线）。
任何一种线条的情感内涵都没有固定的准则。当线条与主题以及其他构图元素（反差、影调）相结合，它们会有助于确立摄影作品的总体氛围。在人像作品中，稍微倾侧的头部会让竖直、刻板的面部线条变得更柔和、更圆润——反之亦然。小心地布置和控制光线，无论它是强烈的还是柔和的，都可以**地增强效果。所以，精明的人像摄影师会用心控制头部和相机的角度、双手的摆放位置和方式、衣服的穿着方式、光源的位置以及类型（自然光或人造光），以传达他对主角的感受。
要小心强烈的线条把视线拖到照片之外。尤其是透视线，它们往往是这种现象的主犯，因为视线会跟着线条一直通向照片的边缘以及更远的地方。如果你不知道这一点，就会失去你的观者。你当然希望留住观者的注意力，所有必须小心控制好强烈的线条。
另一方面，当照片的线条太微弱，或者根本不存在，你就要注意隐藏这些线条。如果摄影师高估了线条的连续性，照片往往会显得很差劲，尤其是当线条同时穿过几个物体，例如，植物和它的影子。照片中隐含着微弱的线条，就像隐含着不存在的氛围一样：它不会起到任何作用。
另外，我们还有注意线条结构的另一个微妙之处：线条不一定都需要连贯着，就像《倒下的杉树》里竖直的树干或倾斜的原木或者《回旋裂口，羚羊峡谷》里的大弧线。有些线条可以包含一系列紧接在一起的形状。在这种情况下，视线会创造出一种看不见的线条，就像我们让小孩玩的“连点绘画”一样。例如，场景中的有一系列形状，由于颜色不同，它们马上就明显地相互联系起来了，在一些情况下，线条会对构图有明显的改善作用，但在另一些情况下，线条会严重影响读者理解摄影师的意图。
形状
简单的几何形状（三角形、圆形、长方形等）可以产生强烈的设计感。反复应用和变换这些形状，可以增强构图的强度，尤其是变换它们的大小、影调、颜色、质地和方向。当然，当形状反复出现时，它们的几何结构并非一定要很简单才能吸引眼球。这些形状可以是很奇特的，但只要重复出现，它们就会有视觉上的吸引力，甚至可以成为图像中最引人瞩目的元素。
有些摄影师喜欢把他们的构图布置成一系列形状，就像马赛克或拼图一样，杜萨德就喜欢用这样的方式安排他的图像空间。他经常用一些小块的形状组成复杂的形式。其他的一些摄影师可能会用大一些的拼图块。我经常觉得用形状来构图很困难，所以我的作品通常都以强烈的线条来主导构图，虽然也有例外的情况。
所有的照片都有线条和形状（任何东西的边缘都是线条，而它自身就是形状），但有些摄影师更偏好线条，而另一些更偏好形状。这种明显的区别让他们有不同的评判标准。那么其中一种风格本质上会比另一种强吗？答案当然只能是个人的见解。我觉得线条主导的图像比形状主导的图像更果断。线条是一种动态的视觉诱饵，可以迫使视线跟随它移动，而形状则会让视线在观看的时候停下来。此外，形状主导的图像会让视线跳跃，从一个形状跳到另一个，然后再把图像组合起来，而线条主导的图像会让视线移动得更流畅、更快速。我没有任何科学证据来证明这些观察结果，但是它们对于我的观察和思考方式来说是正确的。你对我这一结论的感受，或许可以表明你对上面两种构图风格的偏好
黄昏的卢浮宫
这幅照片的主导形状是金字塔（博物馆门口）干净利落的三角形，以及由人行道形成的形状。这些形状与古老宫殿上的华丽建筑形成一种视觉上的对位。这幅照片带有轻微的褐色，以强化黄昏的感觉（从金字塔透过来的落日余晖）
图案式样
线条和形状的反复使用是形成图案的起点。白杨林的垂直树干可以构成一组视觉图案，而它们的影子形成了一道横线，这又是另一组图案，与第一组互相呼应。这组白杨和影子是一个很好的实例，它是由“统一的思想”组织而成的照片，而不是由一个兴趣中心发展出来的。读者的眼睛不会被某一棵树（或者某个树影）吸引住。如果去掉其中一棵树，图案依然存在，什么都不会改变。而垂直线和水平线的变化让图像更具趣味（树的间隔以及它们与相机的距离，造成了垂直线的变化，而地面阴影的不规则形状造成了水平线的变化）。
在英国教堂作品中，有很多是以看似无穷尽的廊柱和拱门排列为特征的，这些排列从远到近，构成一种形状和质地的式样，让读者可以从最靠近的廊柱的特征（例如质地）推断出远方廊柱的特征。廊柱、拱门和阴影的影调变化在这些图案之间产生了有趣的互动。
这种变化是构成图案趣味性的关键。重复虽然可以起到很强的效果，但它也很容易变得沉闷。室内静物摄影可以轻而易举创作出有趣的图案和变化，因为摄影师可以按照自己的需要布置拍摄的物品。而风景摄影的随机性则更大，你无法重新排布景物，但可以用合理的相机位置和镜头焦距，把风景组织成好看的图案。
著名的航空摄影家威廉•加内特（William
Garnett）曾经发现一个很理想的场景，其自身形成不断反复的式样，他说“那是最强烈的视觉方式”。在洛杉矶附近，他拍摄了一个居住区在建设前、建设中和建设后的系列航空照片。照片的形式非常单一，或许和居住区本身一样单调，它们看上去有点像以前的大富翁游戏。单调性恰恰是这些照片的优点所在，它完美地表现了20世纪中期美国郊区的呆板。这个系列不仅拍摄了所研究的居民区，还从东南面拍下了整个洛杉矶市区的布局。单调性无止境地扩散开去，这是一种令人震撼的呆板。
冲击，威斯特加山口
加州东部的玄武岩柱组成了一种没有明显参考比例的视觉节奏。金属般的光辉形成了自然界少有的丰富影调调色板
相机位置
相机位置对构图的效果至关重要。有时候，相机位置稍微改变几厘米，就可以让普通的照片变成伟大的摄影作品。认真地设置相机的位置，可以让我们展现出其他方式无法表现的图案，或者可以让前景和背景物体形成更有趣的关系。有时候，如果我们巧妙地摆放相机，不需要的背景物体可以被隐藏在重要的前景物体之后。精确的摆放位置也可以创作出一系列连续的线条和形状，这是其他方式做不到的。
树枝和悬壁，无名峡谷
我觉得爬到这根夹在裂谷壁之间的白杨树枝下面，可以拍摄出具有动感的照片。在10分钟的曝光期间，我意识到自己错过了真正的动态；低机位的做法是错误的
悬壁之间的木块，无名峡谷
我把相机移动到眼睛的高度，并向树枝走近一步，然后创造出了更强的动态。这正是我的目标。木块正对着读者，直接冲击着读者。两幅照片唯一的区别是相机位置
研究英国教堂，不断地用精确的相机位置来拍摄前景拱门的曲线和背景穹顶的复杂曲线，表现两者之间最诗意的相互关系。相机摆位要避开教堂内干扰画面的物体，例如挂在柱子上的电子扩音器，或者游客指引标志。很多时候，要花很多时间来研究相机位置，以最有效地表现出前景的岩石雕饰和中、后景的拱门和雕饰之间的和谐关系。
在处理三维空间的障碍物体时，相机位置尤其重要。把相机放置在空间的特殊位置，可以揭示（或创造）出尤其惹人喜爱、令人惊讶或富有诗意的前后景关系。特定的相机位置可以创造出其他位置不存在的有趣图案和图形（或线条）关系。当这些现象发生，你就找到了最正确的位置，而不是仅仅是接近它。有太多的人，他们往往只从眼睛的水平高度拍摄，因为这是他们观看世界的位置。他们很少从腰部或膝盖的高度、或者他们的路线的左右两侧，又或者其他不同寻常的位置来研究风景，而这些位置可能会新奇刺激得多。
当遇到一个震慑你的场景，你必须马上对这种冲动做出本能的反应。这不是说你要马上拍摄，而是要马上对它进行研究。然后慢慢提炼你所见到的内容，改善拍摄构图。不要急于观看和抓拍，相反，要好好研究和拍摄。花上几秒钟或几分钟来提炼你的所见，这不会削弱你的自发冲动，却一定会改善你的作品。试验一下，如果你从一侧走去另一侧，线条、形状和图案是不是更吸引。你不需要通过镜头来考察，放下相机，用双眼来观看。毕竟，你首先发现这片场景的时候，也是直接用眼看到的，向左或向右移动几步，蹲下来或踮高双脚，走前或推后一点，哪里的构图是最好的？当你找到最佳位置，把相机放在那，然后开始曝光。
当然，如果你使用的是胶片或数码单反相机，那就别犹豫，马上拍摄！然后，假如你还有时间，那就调整一下相机位置，最好再拍一张。如果你是手持小型相机，而不是用三脚架支撑大相机，你往往会依随自己的即时反应，而不是寻找“最佳”构图。有了自动对焦镜头和数码相机，你可以快速地抓拍一系列照片，然后慢慢挑选最好的一张。如果你拍摄的是瞬息即逝的事情，没有调整构图的机会，那么这种拍摄方式会有极大的价值。即使使用自动对焦镜头和数码相机，你也可以在这一系列拍摄中通过轻微的移动来改善构图。
对于室内摄影的构图，拍摄主体和相机都可以移动。在最初的分析和布置时，应该仔细地放置拍摄物和照相机，然后继续调整场景和光源的位置。移动相机，直到找到最佳的构图。离拍摄物体越近，相机位置越重要。
在全景风景摄影中，无论相机往哪个方向移一两步，往往都是不必要的。然而，这样的移动对建筑和人像摄影确是相当关键的，而对桌面摄影或其他微距摄影，或许几厘米距离就是成败的关键。
镜头焦距和裁剪
相机位置必须与镜头的焦距一起考虑，两者共同决定了图像的透视
长焦距的镜头（望远镜或类似镜头）会压缩空间，把实际上距离很远的东西挤在一起。短焦距的镜头（广角镜头）会夸大空间，把实际上靠的很近的东西分开。聪明的摄影师可以利用这种现象，创造出多数人都没有在现实中看到过的动人照片。选择适当的镜头和光源，可以戏剧性地改变场景的特性。
如果所有镜头的分辨率都是无限高的，而所有胶片都是极端细腻的，又或者如果相机传感器有无限个像素，那么我们只需要用一个广角镜头拍摄，然后再按我们的需要进行裁剪就可以了！那样我可以慢慢选择如何裁剪每幅图像。遗憾的是，这个世界上没有那么豪华的装备，我们必须背着沉重的器材，在拍摄现场进行决定。关键的问题是：什么东西应该包含在图像内，什么东西不应该？一旦作出决定，那就可以使用可以包含你所需内容的镜头，如果可以的话，稍微超出一点。
为什么要超出？如果你觉得裁掉任何一部分可以改善照片，你就可以毫不犹豫地裁剪。有时候最佳的图像范围位于两个镜头的焦距之间，选择更短的焦距，因为这样不但可以包含所有相关的摄影内容，还会有一定的超出，然后再把超出部分去掉。而更长的焦距则可能无法包含图像中的重要元素。
玉米百合的卷叶
我被这颗玉米百合吸引住了，把它们当成宝贝一般。它的形状与裂谷的墙壁很相似。我让背景柔和的回应并对抗着前景的形状，由于它们大部分都位于焦外，使得照片变成了这颗植物的成功的肖像作品
有些摄影师总是觉得必须创作全幅作品。如果你可以创作出像布列松那样有感染力的全幅作品，那就拍摄吧！但我并不建议那么做。举个例子，假如你发现某个相机位置可以产生魔法般的前后景关系，但它会把一些分散注意力的物体（甚至是无用、多余的信息）拍摄到画框的边缘。如果印制全幅照片，你会获得绝妙的关系，但这种关系的吸引力会受到削弱。那你应该怎么办？我建议还是在最佳位置拍摄，然后进行裁剪，而不是作出妥协要么把多余的东西拍进来，要么失去引人注目的关系，记住爱德华·韦斯顿的一句话：“好的构图是最强烈的观看方式。”坚持拍摄全幅影像有可能会削弱这种强度。
伦德尔风上的云
日出的时候，云彩飞速的飘过伦德尔风的西坡，而其他云正在东面的峭壁上形成。小光圈和三挡中灰密度镜让我可以使用15s曝光。创造出了我的眼睛没有见过的影像
景深
景深和快门速度是摄影独有的两个构图元素（相机位置相当于画家选择的“观察位置”）。摄影师可以选择用镜头的最小光圈（例如f/22、f/32、f/45等）把所有东西都清晰地拍摄下来，也可以通过全开光圈（例如f/2、f/2.8、f/4、f/5.6等）把聚焦范围限制在一个平面上。我很少使用小景深，虽然也曾用过几次（见图3-15）。通常，我会选择让读者可以细读场景，获取其中任何位置的信息，但我不会把它当成规则，因为恰当地运用小景深也可以有极佳的效果。
镜头在一个固定的距离把图像聚焦下来，这个距离介于最短焦平面和无限远之间。通过缩小光圈，你可以把焦平面之外的东西拍摄清晰（当光圈开到最大，焦平面前后的清晰地会大幅下降）。如果你想整幅图像都清晰锐利，而场景中又同时含义距离相机很近和很远的物体，你最好聚焦在最近物体到最远物体的1/3距离左右。这个距离被称为超焦距。然后，当光圈缩到最小。当光圈缩到最小，焦平面前后的清晰度都会增加，但程度相同。景深（即焦平面前后两个清晰端点的距离）从焦平面朝向镜头增大的速度，大概是背向镜头的一半。这就是选择1/3距离对焦的原因。
如果你对焦在最远的物体上，然后缩小光圈，你不会因为它后面的锐度增加而获得什么好处，因为那后面已经没有东西了！如果你对焦在最近的物体上，然后缩小光圈，你也不会因为它前面的锐度增加而获得什么好处，因为前面已经没有东西了！对焦在二者之间距离大概1/3的平面上，当你把光圈调到最小，就可以让所有的物体都清晰聚焦。
把光圈缩小来增加锐度也会有坏处，当光圈逐渐缩小，就会发生衍射，衍射是小光圈造成的光波弯曲现象，让原本锐利的聚焦范围（甚至焦平面）随着光圈的缩小而变得不清晰。在光圈很小的时候，虽然景深增加了，而图像中却没有一处是真正锐利的。或者换句话说，所有东西都是“接近锐利”而不是真正锐利。这对数码相机来说，是一个非常让人头痛的问题。衍射与数字传感器相互作用，会让这个锐度下降的很厉害，所有东西在小光圈之下都会变得很不清晰，了解器材在小光圈设置下如何运作（以及每个镜头都有什么反应）是很重要的。
如果使用带有可动组件的大画幅相机，你可以把平行于相机和镜头平面的焦平面（它在固定组件相机上是平行的）调节成与相机、镜头平面形成一定的角度。例如，通过倾斜和摇摆，你可以聚焦在向后倾斜的平面上，如延伸至地平线的道路，并在最大光圈的条件下，使最近的一点到地平线上都保持完整的清晰度。通过这些相机操作，你可以取得双赢，你无须缩小光圈，同时景深的增加方向变成与聚焦的平面垂直，即位于焦平面的上方和下方：焦平面以上1/3，焦平面以下2/3。采用大画幅相机，你往往可以在其他方法无能为力的情况下，获得全图的锐利清晰。数不清的书已经对这些操作进行了介绍，但是大画幅摄影老手的指导才是最佳的学**途径。
有时候，你可能想让某些物体隐没于模糊中，也许你想让一朵离镜头最近的花保持清晰，而其他远处的物体显得模糊。那么，对焦在花上，然后选择适当的光圈，让花的每个部分刚好都保持清晰，而其他物体则被模糊掉，甚至因为完全脱焦而变得无法分辨。
我曾经听到一些画家懊恼自己无法画出柔焦摄影中柔软边缘和影调，颜色渐变，柔焦摄影确实可以有惊人的效果，当它们被恰当使用的时候。但我们必须极其小心地使用，并要了解清楚它的独特效果。很不幸，摄影独有的柔焦特性很少被运用得好，尽管它的使用频率很高。往往，浅景深被用来掩盖不需要的背景干扰，而不是被当作一种构图的手法，用于营造形状与影调的统一性。这在35MM摄影尤其普遍。而在中、大画幅则少一些。显然，很多摄影师觉得被模糊掉的干扰物比清晰的容易接受。其实这都是干扰物，都不可接受。
快门速度
我们可以通过快门速度的选择创造出各种不同的效果。拍摄运动的物体，例如流动的河流，会由于快门速度的不同选择而产生不同的视觉和情感影响。1/500秒的高速快门可以清晰地表现出瀑布的水滴，而在1/2秒的快门下，这些水滴都消失了，取而代之的是柔和平滑的线条，顺着瀑布一级一级地向下延伸。
在1/500秒的快门下，水和岩石的影调、甚至质地可能会混合在一起，而快门速度为1/2秒的时候，流水产生的平滑线条可以把水和岩石区分开。或许，还有其他的情况，只有快门速度的改变才可以把不同的物体分开。
几年前，温·布洛克（Wynn Bullock）在太平洋海岸创作了一系列拍摄潮水涨退的作品。曝光的时间有几分钟长，足以让潮水来回进退很多次。作品的效果很超现实，原本被覆盖的物体被显露出来了，原本显露在外的东西却被覆盖了，它们各自分开，仿佛被干冰的烟雾笼罩着。在观看这些摄影作品的时候，我被带入对自然的真实性的哲学沉思。快门速度为1/500秒时的景色才是真实的吗？那1秒快门拍摄到的景色又是真实的吗？又或者布洛克所展现的，是不同时间长度的真实版本。无论我心中的真实是哪一种，研究布洛克的作品时产生的疑问扩大了我的世界和我的思想。他的作品拓展了我的地平线。对我来说，这就是创意摄影的本质。他的方法是使用超越常规的慢速快门。这很简单，但需要很强的洞察力。
任何在图像区域内物体的运动，都可以通过长时间曝光而变得不一样（例如，流水、云、路上的车辆、广场上的人等）。我吸收了布洛克拍摄流水的理念，并试图把这一理念应用于云上。在图3-16中，我把一块三挡中灰密度镜装在相机上以免过曝，然后进行了15秒的曝光，记录下加拿大洛杉矶山脉一个特别的山峰上快速移动、不断变幻的流云。长时间曝光让人觉得大气在剧烈地移动，这正是我拍摄这幅作品的意图。
大多数时候，摄影师关心的都是如何减少影像中的运动。风景摄影师可能等待很长的时间，为的是等风静下来，树叶、小草和枝条停止摆动。人像摄影师要确保他的拍摄对象不会因为眨眼和晃动破坏图像。当然，在这些时候，避免运动都是恰当的，但是我们对曝光期间的运动其实还可以有更大宽容。我们都见过这样的照片，移动的汽车变成了模糊的条纹，或者一些把运动融合到影像中的实验性作品。如果我们用的是胶片相机，我们必须等到胶片被冲洗出来之后才能看到影像效果。如果我们用的是数码相机，拍摄的效果马上可以看到。快门试验是很有价值的，放胆去做这些只能利用摄影来实现、无法用眼睛看到的视觉试验吧，就像布洛克延长海浪的曝光时间一样。
有时候，运动可以创造出与我们所见现实大不一样的意外效果。在刮风的日子里，试着对一棵树进行1秒以上的曝光吧。它的枝条和树叶可能会变成一系列回旋的曲线，而下面的树干则依然保持锐利和稳定。这样的尝试往往是其他创意思维的开始。
好的构图是最强烈的观看方式
看上去最严格的“规则”，也往往会有例外。
唯一值得遵守的规则
就是打破规则！
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