一、表演的分类

斯坦尼斯拉夫斯基的体验派

精髓在于体现人的天性要求，演员应真实存在于舞台，遵循生活逻辑和有机规律。

演员需感同身受地进入角色，如角色是民工，演员应了解民工的生活状态。

体验派是国内外许多表演艺术家遵循的表演体系。

布莱希特的表现派

核心是陌生化效果和建立的方法，演员要高于、驾驭角色，与观众若即若离。

要求演员有自己的思维，去表现角色，做出戏剧动作，例如看向镜头以提醒观众演员在表演。

梅兰芳的表演体系

主张写意手法和适当程式化的表现方式，类似于体验派和表现派的综合。

强调以演员为中心，使用固定或程式化的表现模式，如戏曲中的经典人物形象。

二、表演的元素与导演的指导

行动是表演艺术的首位元素。

导演在确定人物关系和小传后，需寻找行动线，符合人物性格的艺术判断和选择。

导演应让演员理解角色重要性，相信角色，并给予形体指导，而非直接模仿导演的想法。

假使让演员从动作上升到创作。

导演在现场可提供多种思路或规定情境，让演员尝试不同状态来诠释角色。

如给演员ABC三种规定情境（如下水道、舒适卧室、雷雨交加的室外），观察其不同表演状态。

规定情境是假使的延伸。

在不同规定情境下给演员提表演意见，有助于找到灵感和创作状态。

三、人称的分类与对白的节奏

人称分类：旁白、独白、对白。

旁白：第三人称叙事，介绍故事背景、社会环境等。

独白：演员以自己口吻阐述故事，表达心理状态。

对白：演员间的对话，推进剧情、揭示人物性格。

对白的节奏至关重要。

好的剧本中每个对白都有其作用，无废话。

对白应准确传达信息，表现人物思想感情和关系。

例子：《鬼子来了》中的对白节奏紧凑，无废话，推动故事发展。

四、导演与演员的关系及创作过程

导演应引导而非指导演员。

让演员解放天性，感受角色，而非模仿或停留在表面状态。

导演与演员应共同创作、选择，相互碰撞产生灵感。

避免单向输出。

演员应给予导演新的灵感和创作可能性。

导演要鼓励演员在表演中找到新的表现方式。

五、实践建议与课堂作业

实践建议：在拍摄前让演员充分理解角色和行动线，观察其预表演是否符合创作要求。

课堂作业：选择喜欢的电影片段，分析其中的对话戏和对白节奏，记录不同对话语境下产生的效果差异。这将有助于未来创作时更好地把握对白设计和演员指导。