作者：赵阿萌
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在上世纪70年代之前，彩色摄影始终被艺术殿堂拒之门外，黑白摄影作品占据着制高点。
你没看错，“上世纪70年代”——虽然彩色摄影1907年就被发明出来，柯达公司在1935年就将彩色胶卷商业化了，但它一直仅仅被用于广告宣传等商业领域，而不是用于创作“作品”。一位我个人非常尊敬的摄影大师罗伯特‧弗兰克（Robert Frank）甚至曾有些武断地表示：“黑白就是摄影的色彩”。
这一切的转折点在1976年，传说中的纽约 MoMA 美术馆举办了那场传说中的展览：威廉‧埃格尔斯顿（William Eggleston）个展。这是历史上第一个彩色摄影个展，其中最著名的一张照片是这样的：
（用摄影师自己的话说：“就像是鲜红的血溅湿了墙壁”。）
展览引发的冲击就像这幅照片一样强烈，而展览中的其它照片也同样令主流摄影界困惑，因为它们看起来太“平凡”：
这种对于“平凡”的轻视其实刚好解释了为何彩色摄影迟迟未能进入艺术领域——因为它看起来太“日常”。并且，由于彩色冲印的高成本、个人难控制等技术问题（但埃格尔斯顿刚好是个富二代，这个问题对他来说不存在，这些就是题外话了⋯⋯），使它一直被局限在广告招贴等场景中，这更让人们对彩色摄影作品带有了一种“俗气”的刻板印象。
在以往的概念中，艺术作品往往被要求“高于生活”，至少是跟日常生活有距离的。黑白照片因为过滤掉了大部分生活中“不重要”的色彩，将画面从我们肉眼看到的场景中提纯出来，所以依旧是保有这种距离感的。而彩色摄影——尤其是威廉‧埃格尔斯顿的彩色摄影则不然，它们看起来似乎就是日常生活本身。
威廉‧埃格尔斯顿对此是这样回应的：我认为没有什么是“更重要”的或者“不重要”的，所有的细节都有意义。
此次展览的策展人沙考夫斯基（Szarkowski，MoMA摄影部主任，现代摄影史上最重要的策展人之一）显然是埃格尔斯顿的伯乐兼知己。是他一眼发现了埃格尔斯顿作品的价值。他在此次展览的策展前言中称：埃格尔斯顿的作品与此前的一些彩色摄影实践最重要的区别在于，他不是对色彩本身有兴趣，他是对“有色彩的世界”有兴趣。
而埃格尔斯顿不断拍摄的这个“有色彩的世界”正是六七十年代的美国，经历着那段战后的物质空前繁荣、精神躁动的消费时代，那么还有什么比彩色更适合展现当时那个时代的呢？
这些作品在今天看来，似乎跟 Flickr 和 Instagram 里那些年轻人发布的照片没什么不同，实际上也确实如此。但在70年代的美国，摄影还不真正属于大众——这也是为什么埃格尔斯顿将自己的行为称为 “民主”（"I had this notion of what I called a democratic way of looking around"）。这种“民主”在当时只被少数人拥有，而在人人都是手机摄影师的今天，已经是属于每个人的创作权力。就像任悦*曾经写过的：“埃格尔斯顿之后再无埃格尔斯顿”，如今这个时代再去学习或者膜拜他已经没有意义，因为“相机的民主化进程至此已经完成”。
* 诚意推荐任悦的网站1416 教室 | 摄影如奇遇非常有信息量，帮助了我和我身边的很多朋友。
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