丹尼斯·维伦纽瓦是个天才，他获得的奖项不计其数，他拍的电影每一部都被评为精品。他的影片中的画面令人着迷，他镜头下构建的世界令人向往。然而，他能够拍出如此高口碑高质量的影片的秘诀何在呢？
上一篇文章中，我们分析了丹尼斯·维伦纽瓦的摄像技巧，镜头运用与光影的对比，今天我们来讨论一下他对于色彩、剪辑、声音配乐方面的高超运用手法。
一、色彩
敌我的颜色和服装，用对比创造冲突
丹尼斯·维伦纽瓦的电影有超现实的元素，但你不能称他为超现实主义者。他在电影中表达的总是超出我们的认知，例如《宿敌》。我们以前见过很多关于小说《双面人》的故事，但《宿敌》却能够独自在一个类别中。（《宿敌》改编自《双面人》）
杰克·吉伦哈尔一个人扮演两个角色：亚当和安东尼。两个男人外表相同但生活却截然不同。像许多关于《双面人》的其他电影一样，亚当和安东尼代表了同一枚硬币的两面。
他们的形象相似，但个性是完全不同的。如果是你来主导拍摄将如何表现？有没有办法在视觉和主题上把它们更好的区分？《宿敌》给出了完美的答案。
例如，在下面这个场景中，两个男人都有相同的发型和面部毛发。他们的服装是视觉上区分它们的唯一方式。亚当是两人中更健康的人，他的服装颜色很浅。安东尼更具侵略性和粗鲁，所以他的配色方案更暗。
我们可以直截了当地说，好人穿白色而坏人穿黑色。但这只是电影中使用服装的开始，角色周围的布景提供了更多的信息和意义。
我认为电影是探索阴影的工具。
—— 丹尼斯·维伦纽瓦
在这个场景中，安东尼在他的公寓里面对亚当。二人之间的对立是明显的，但丹尼斯·维伦纽瓦更进了一步，他用服装和场景设计突出了这种状况。
在这两个镜头中，注意颜色和背景的对比。在亚当的镜头中，他的白衬衫与身后的橱柜完美融合。他融入了房间，使他看起来气势很弱。
另一方面，安东尼身穿黑色皮夹克，将他与光线充足的背景分开。黑色衣服与后边的鲜明对比让他看起来更具有压迫性，更强壮，更有气势。
杰克·吉伦哈尔出色的演技使两个人的差异显而易见。但是角色穿着，打光使这样的差异在无形中变得更加明显。
色彩与光影对比是这个过程的重要组成部分。或许，在你的电影中也可以考虑如何将服装与布景相结合，运用色彩与光影进一步推动象征主义。
以这种方式调整画面效果是一个微妙的选择，观众甚至注意不到这些细节。但它会在潜意识层面上起作用，能够提升电影的观感。
二、剪辑
在《囚徒》中“制造”同谋，激活观众想象力
剪辑就是一种关于操纵的艺术。它操纵声音和图像，用来产生故事故事，感觉或主题。剪辑能够为脚本中可能没有的场景提供意义。
剪辑还可以激活想象力并将观众带入故事中。丹尼斯·维伦纽瓦在惊悚剧情片《囚徒》的场景中做到了这一点。
电影中没有直接向我们展示绑架的可怕图像，相反，他引导我们自己想象。两个小女孩失踪了，警方终于抓住了一名嫌犯。这名嫌犯艾利斯正在被警探罗基质问。
罗基替艾利斯陈述了他可能犯罪的动机与过程。审讯的同时，画面与法医调查员对艾利斯房车进行测试的镜头交互穿插。
在这些镜头中，审讯在画外音中继续进行。罗基的问题试图构建事件的时间表。“你有没有让他们进入房车然后带走他们？” “你绑他们了吗？”
艾利斯否认与失踪女孩有任何关系。但是这个场景的构建是为了让观众相信他是有罪的。当观众看到所谓的犯罪现场的图像时，观众可以想象为自己被绑架。在这样的场景中，艾利斯有充足的动机与时间带走女孩。
于是，观众在脑海里“确认”艾利斯有罪，观众“看到”他这样做了。这一判断至关重要，因为艾利斯的清白在整部影片中受到了质疑。其中一个女孩的父亲凯勒确信艾利斯有罪并竭尽全力证明这一点。凯勒在暴力寻找真相的过程中，如同在道德的边缘试探。
因为观众也已经在脑海中构建了艾利斯犯罪的场景，所以观众在观看过程中也跟着凯勒一起反复检查自己的道德领域。
矛盾和悖论，帮你找到真相。
——丹尼斯·维伦纽瓦
通过剪辑，丹尼斯·维伦纽瓦使观众观看电影的体验变得复杂。观众不再是被动的旁观者; 观众通过猜测与想象加入了故事之中。
剪辑此类场景时，请牢记观众体验。通过他们的想象力，他们将进一步深入到故事中。那就是你知道你抓住了观众的心的时候。
在《焦土之城》中根据音乐剪辑：图像+音乐=主题
在《焦土之城》中，丹尼斯·维伦纽瓦将火灾作为电影开幕式的场景，就像MV一样。图像和音乐之间的关系以非常神奇的方式相互补充。剪辑是围绕音乐设计的，但这不是没有目的的正式练习。
这个场景比我们意识到的更有意义。当你第一次观看这场大火时，缺少此场景的上下文，被吸引了好奇心，而一直到了最后才能这场大火有着怎样的意义。也只有这样，它的真正力量才能显现出来。
音乐播放是Radiohead的一首名为“You and Whose Army?”的歌。它起初是一首没有打击乐的安静民谣，而在电影中成为一个包含了柔和的声乐和一个混响吉他的曲子。
画面加上柔和的平移相机，与慢动作相辅相成。画面展示出这可能是一个破旧而空旷的混凝土房间，位于中东的某个地方，一群年轻男孩正在剃光头。
他们的表情显示这可能违背他们的意愿。携带自动武器的成年男性士兵证实了这一点。Radiohead的歌词提到了密友、军队和神圣罗马帝国。“It is a challenge: Bring your army and let's do battle.”
这时候的歌词也与画面的场景一致，这些拿枪的人正试图把男孩们变成士兵。剃掉他们的头发降低他们的个性，让他们更具有集体属性。
这首歌从挽歌变成了更有力的合唱。鼓声和钢琴声响起，歌声突然响起。打击乐一落下，画面就发生了戏剧性的变化。画面中是一个小男孩，他正盯着摄像机。在慢镜头中，镜头移向他的脸，而他的眼神表示他正在忍受强制理发。
他瞪着我们，音乐节奏的跳跃表明了他的重要性。就在这之前，我们还看到他脚后跟上有一个由三个点组成的小纹身。直到后面我们才能明白纹身的意义。
歌词和意象在主题上是相通的。这是将电影剪辑与音乐完美结合的一个典型例子。使用已经存在的歌曲可能是一个冒险的决定。
如果这首歌很受欢迎，大多数观众都有自己的联想，这可能会影响你想要的效果。所以在拍摄之前仔细检查你的剧本，考虑哪些歌曲会产生最大的影响。
《降临》中的声音威胁：用音乐制造恐惧
《降临》是关于两个世界的会晤，人类与外星人。为了建立这种外星人的分离感，视觉效果必须是独一无二的，代表这些世界的配乐也应该是特别的。
丹尼斯·维伦纽瓦如何利用音乐来传达这些外星人的“特别”？在我们看到这些生物之前，音乐如何能够让我们对这些生物有所想象？《降临》中的场景回答了这些问题。
我们在电影中听到的第一首音乐是在序幕中。露易丝·班克斯在画外音中说话似乎是闪回片段。这是一个浪漫的镜头和剪辑序列，带有悲剧性的结论。
音乐是一种忧郁的弦乐编曲，我们以前从未听过这种特别的音乐，但我们知道这是属于我们人类的的音乐。
然而，接下来我们再听到音乐时，班克斯博士在一个漫长而华丽的空中拍摄中接近外星飞船。这一次，音乐不再是我们熟悉的。这是一种嗡嗡作响的声音，其旋律听起来几乎像艰难的发声练习。
旋律接近我们在鲸鱼歌曲中所听到的，但比那更为陌生。这可能是外星人唱的一首歌吗？我们不确定，这种不确定会造成紧张局势。这些访客是什么，他们想要什么？
到此处，观众已经进入了一个新的现实，一个存在外星人的现实，并且在看到外星人之前就“听”出了陌生感。
然后，班克斯博士和团队进入航天器。配乐的威胁和陌生的语调增加。当他们走近时，可以听到一阵不祥的低沉的嗡嗡声。
当载着队伍的升降机停了下来，他们在平台上短暂地漂浮着，异族的旋律又回来了。
当他们走向主室时，作为迎接的是多层次的谐波爆炸，这听起来像是来自船本身的警告或警报。
几秒钟之后，我们看到镜头中团队显然是在天花板上行走，观众在这里可以意识到这是第二次警告。在外星飞船上团队颠倒了，这个场景的恐惧是响亮而清晰的。
丹尼斯·维伦纽瓦的电影与视觉效果一样有趣。即使电影是一种视觉媒介，声音和音乐选择一个机会，让观众“听到”看不见的信息。
《降临》中的外星人发声：未必用舌头说话
当终于听到外星人“说话”时，之前的怀疑得到了证实。我们之前想知道音乐中的呻吟旋律是否可能是外星人的发声，而他们的咆哮和嗡嗡声正好符合音乐所建立的领域。当“七肢桶”出现时，他们的语言与音乐融为一体，显然他们是同一个世界的画风。
阿伯特(Abbott)和科斯特洛(Costello)是七项人格的昵称，他们“说话”的声音既陌生又熟悉。它们的咔哒声、喇叭声和喉音可能是地球上发现的动物的混合体。但即使是这些联系也因失真和混响而变得复杂。
七肢桶在它们的环境中移动，就像在水下一样，这使得它们的“鲸歌式”讲话更加熟悉。无论他们的语言多么陌生，似乎都是基于我们以前听到的声音。
这给了七肢桶的存在一个合法性，一种让他们更加可怕的“真实”。在这个场景中，人类是无能为力的，而且有另一种声音可以清楚地说明这一点。与艾伯特和科斯特洛巨大的叫声相比，这只关在笼子里的小鸟的鸣叫声具有象征意义。
这给观众一种感觉，人类就是那只鸟，弱小而且被笼子困住，在这些庞然大物面前显得微不足道。在后面的场景里，外星人很少再展现出像他们到达时那样的压迫力，由于缺乏了声音与配乐带来的“陌生感”。
而这种陌生感，主要是由于声音和音乐的设计与画面剪辑之间的相辅相成。
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