就是你的演奏，一定要做到“真实”。
所谓的“真实”，宛与洛认为就是不娇柔，不做作，不刻意表现什么。自己对作品是什么样的理解，然后便做出什么样的演奏效果。
而不是大量地、“刻意”地模仿他人的演奏，或为了迎合作曲家的创作意图，大量查阅相关资料。
并不是说以上的这些做法，在学习乐器中不可取，而是要控制好“量”，要适度。
“过头”了之后，你的演奏一定会受到别人的影响，而非自己的真实所感。
为什么说，“真实”的演奏，却有着强大的感染力呢？因为这是你自己“独特一面”的体现。
比如，在一些乐器比赛中，我经常发现很多选手的演奏，虽然也有着扎实的演奏技术，高超的的演奏技巧，但总感觉缺了点什么。
现在明白了，缺的是自己的特点，是自身对于作品的理解与处理。
这就会造成评委的“听觉疲劳”、“审美疲劳”，因为演奏千篇一律，都像一个“模子”中出来的。
也就是他们的演奏，都在“一点不落”地按照乐谱上的内容，极力遵循着作曲家的创作意图，同时又在积极模仿演奏家们的“示范”。
唯独忘记了，自己对于作品的理解与思考。
其实这才是自己学习乐器中，最宝贵的“财富”，这是之后形成个人演奏风格、积累音乐修养、提高审美能力的基础。
自己对作品、对音乐的直观感受，是“感性”意识；自己对作品的理解与思考，是“理性”意识。
不论“感性”还是“理性”，都是自己最“真实”的体现。
用在处理作品上，就会对原本乐谱上没有的内容，进行全新的“演绎”。
比如在合适的位置，你可以加入一些演奏技巧，使乐句听起来更生动些；又如在一些快结束的位置处，你认为做出“渐慢”的效果，能够增加作品的“层次感”。
你对作品的理解，而后转变成的演奏特点、演奏习惯，就是你练琴中最“真实”的一面。
怎么想的，就怎么演奏，只要不违背作品的基本的要求与规定即可。因为真实，就是一切风格的“基石”。
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