宛与洛发现，当我们私下里练习时，如果完整演奏一首作品，只错了一两个音，或者只有一两处节奏不稳、不太正确的地方，其实没必要停下重来，直接往下继续演奏即可。
等到全曲都结束后，这时可以把刚才出错的地方，多重复几遍就行了。
为什么这个时候，错了也不停比较好呢？我认为至少有以下两点好处：
一、有利于形成完整的“肌肉记忆”
因为对于全曲而言，你的演奏只有一两处不太满意的地方，在整体的音乐效果上，基本已达到“无伤大雅”与“瑕不掩瑜”的程度了。
所以，这时候不停下练习，而是不断完整地“巩固”全曲，其实是更有利于形成完整的“肌肉记忆”。
“肌肉记忆”是学琴者身体上的“自动化”表现，基本上无需大脑的调动与支配。一旦开始，将有一种“连绵不绝”感。
所以练习过程中，对作品的完整性与流畅度的要求，就显得很重要了。
一句一句地重复，练好一句再练下一句，或背下来一乐段后，再去背另一乐段，除了较耗费时间之外，也不容易练出完整的音乐效果。
因为缺少了连贯，破坏了作品的美感与意境。
其实，无需各个乐段都能背下来时，再进行全曲的完整练习，而是像我今天所分享的这种情况，在看着乐谱演奏，全曲能做到只错一两处时，就可以整体性的重复了。
也根本不用担心，演奏错误的那一两处，会成为错误的“肌肉记忆”。
因为很好“改”。可以单拿出一天的练习时间，只对演奏错误的乐句，进行较慢速度的“改错”练习。
也可以不用单练这一处，直接在练习全曲时，把整体的速度都先放慢，或只把出错的那一乐段方面，在这个过程中尝试“改错”。
二、更容易产生“画面感”，便于进入演奏状态
在我这篇文章《练琴，要努力达到这种状态》中，我提到过演奏状态通过“开放性”的特点，可以使学琴者产生更好的“画面感”，由此使得完整的演奏，更有自己的表现力。
其实在演奏的过程中，出错一两点也没停，才得以有着更好的完整性与流畅度。也正是拥有了完整性与流畅度的作品，才能更好地产生“画面感”。
试想一下，一个演奏没一会儿便断断续续的作品，频繁出错，甚至还忘了谱，学琴者在这种状态下，是不可能再去想象作品所描绘的“画面感”的。
此时所考虑的，只有实际的乐谱内容，因为还在“纠错”阶段。
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