齐帆齐微课

来回答这个问题诚惶诚恐，就是自己的一种直观的感受吧，简单说说。

名画之所以成为名画，有一定的道理，绝对不是猎奇或者随便就画出来的，它一定有它的历史背景和其创新的意义，虽丑，但开创一个全新的视角，打破一种常规，创作者有敢为人先的勇气。就拿达芬奇的名画《蒙娜丽莎》来说：

“你在用现代主流审美标准评判这副画作，在你的眼里，蒙娜丽莎没有现代女性的动人和娇媚，是因为你已经看惯了色彩更加生动鲜明、人物刻画更动感的广告、漫画和其他摄影作品。

而现代社会中纯熟的绘画技巧和主流审美体系，是在包括了达·芬奇、拉斐尔、提香、卡拉瓦乔等等大师的努力下形成的。在此之前的人类，根本没能有幸体会这种美。换句话说，用现代审美的标准站在上帝视角评判这些名画，是不公平的。”（引用，很赞同）

而诸如《蒙娜丽莎》被永载史册更重要的原因是，它们是人类文明的见证：从文艺复兴开始，人们不再完全被笼罩在神权之下，人性的美丽和光辉在画作中得以显现。

我们欣赏一幅画，了解画家，画家所处的时代 至关重要，要不始终是看个热闹，亮的就是亮的，色彩艳丽的就是艳丽的 ，符合自己的审美就是美的，不符合自己审美的就是丑的，一直只是个门外汉而已。《蒙娜丽莎》之所以成为名画，是它挣脱了神权的笼罩，闪现着伟大的人性光彩。

《哭泣的女人》

没有一幅画单纯因为“美”而有名，每一幅名画的诞生都需要画家精湛的技艺。

文艺复兴画坛三杰是列奥纳多·迪·皮耶罗·达·芬奇、米开朗基罗·博那罗蒂和拉斐尔。

文艺复兴三杰的作品还能用他们精湛的技术说服你。

可毕加索《哭泣的女人》在许多人眼里简直一无是处：可怕的用色、粗犷的笔触、支离破碎的脸孔——这样的搭配可能会瞬间摧毁一个决心膜拜学院派大师们的人对于绘画的信仰。

然而，这些都不妨碍《哭泣的女人》成为一幅旷世名作。

确切地说，正是这些让《哭泣的女人》永载史册——粗犷的线条和猎奇的用色让“立体主义”这个名词被艺术史铭记，而在那个年代，任何一个新诞生的名词都代表着美术的一种新的可能性——原来肖像画还能是这样的。

在质疑《哭泣的女人》太丑或没有技术含量时，你可曾想过是否真的像你说的那样，随便谁都能画出这样的作品？模仿也许不难，难的是创新并在创新的道路一直走下去，开创一个画派，并吸引一众追随者。

艺术的绘画需要的是创意的革新。

在你眼中作品有些丑的画家们，都是走在这条路上的开拓者。这比如我们看那些众人说好的人，他很大程度上是满足了绝大多数人的审美，就他个人而言只是一个追随者，在很多事情上在约定成俗的标准里演绎自己的人生，而一个有特殊癖好的人常被人们疏离，但他却活出自己的真实，勇敢向权威挑战，他被人们的目光扭曲成丑，变形，但你绝对不能忽视他的存在和他的光彩。

你当然可以吐槽《哭泣的女人》形态与颜色的丑，但试问在此之前，有谁能想到可以用这样的方式表现人物呢？

另一幅普遍被觉得“不怎么好看”的作品，马蒂斯的《带绿色的女人肖像》。大胆的线条和用色充分体现了马蒂斯“不按规则用色”的理念，让昙花一现的野兽派被艺术史铭记。

这就是其丑的价值！

觉得名画丑无非两个原因：第一，将主流审美模式带入了艺术欣赏；第二，局限于美术作品表面的美学意义，而忽略了更深层次的历史价值。

自始至终都没有人强迫你认为名画是美的，博物馆里陈列这些画作并不是为了重塑你的美学观，而是为了告诉你这些画作有何历史意义、连接着怎样的变革、隐喻着怎样的事件、表现了哪些人类文明的成就。

觉得名画丑和会不会欣赏其实没有关系，却和有没有文化有关系，哈哈，大家不要吐槽啊，绝对是这样的，门外汉就是门外汉，识得画的美丑，需要进去看看，透过画布，钻到里头，扎进去，仔细玩味。其实任何一门艺术学问都是如此。

齐帆齐商学院13期新媒体写作特训营，(5)篇，(1536）字，累计(6893)字