第一幅画作
巴勃罗·鲁伊斯·毕加索于1881年出生在西班牙南部的马拉加，出生时几乎没有呼吸，差一点就没命！辛亏做医生的叔叔萨尔瓦多冲他喷了几口雪茄烟，呛得他咳嗽了几声，才活了过来。另一个关于毕加索的故事，他说出的第一个词是“LAPIZ”，在西班牙语中的意思是“铅笔”。确实，毕加索的童年时光都用来坐在地上画画了，而不是和别的孩子玩耍。在毕加索八九岁的时候，他的父亲，一位绘画教师，把画笔和油画颜料交到儿子手里。毕加索迫不及待地创作了自己的第一幅画作——《身穿黄衣的骑马小斗牛士》。毕加索寥寥几笔勾勒出简单的造型，只用了5种颜色，就生动地描绘出了骑士和观众。画面简单，但基本的要素都有了，并构成一个完整的情景——骑马的斗牛士正在进入赛场。
更好的学校
毕加索觉得上学很无聊，所以他讨厌去学校。10岁时，毕加索举家迁往西班牙北部的拉科鲁尼亚，他父亲在那里的美术学校谋得一份教职。于是，毕加索就开始在父亲的绘画课上学习。在那里，他经常做的一个练习就是，临摹在任何一家美术学校里能看到的古代石膏雕塑。这些毕加索年少时的习作，如今收藏在巴塞罗那博物馆里。下面这幅素描作品就是毕加索根据梵蒂冈博物馆的著名雕塑——《景观庭的残躯》创作的。到他十一二岁的时候，毕加索就已经精湛的掌握了学院派绘画的技巧——采取仰视视角，令雕塑看起来蔚然可敬；肌肉线条清晰可见，令人感到躯干的力量之美。
迈向“伟大的毕加索”
1895年9月，毕加索再次举家搬迁，这一次搬到了巴塞罗那。当时不满14岁的毕加索，轻而易举便通过了隆哈美术学校的入学考试。天赋异禀的毕加索直接被招进了高级班，跟比他大5岁的学生们一起上课。1896年，毕加索的一副作品在美术及艺术产业展览上展出。这也是他的第一幅宗教题材的作品。画面中这个一身白袍的女孩是她的妹妹洛拉。这幅画画的无可挑剔。我们可以感觉到人物脸上的虔诚，衣服的纹理逼真，仿佛触手可及。第二年，毕加索又为同一展览创作了另一幅作品：《科学与慈善》，并获得了金奖。
忧郁的蓝色
毕加索一生中总共创作了六万多件作品，相当于每天创作两件作品！如此惊人的产量，在整个艺术史上也找不出第二个人了。当然了，毕加索的天赋也同样惊人，创作的速度之快，令人目不暇接。对此，毕加索解释说：“我思考的速度非常快，而我的手会配合思考的速度”。尤其是，毕加索还是个名副其实的工作狂。他总是在寻找新的风格，或是从未有人尝试过的新技法——这就是毕加索。瞧瞧这幅画中的毕加索，20岁的他留着络腮胡子和一头浓密的头发。那是1901年，这位满怀创作激情的加泰罗尼亚人，来到巴黎开拓自己的艺术之路。但在抵达法国首都之后，毕加索遭遇了一连串的挫折。更糟糕的是，他最好的朋友，画家卡洛斯·卡萨吉马斯，在一次失恋后结束了自己的生命。悲痛欲绝的毕加索陷入了情绪的低谷。在这段时期，他的作品风格阴郁，就像这幅《蓝色自画像》，画面中的毕加索看起来消沉憔悴。但在这段“蓝色时期”，毕加索发明了一种非常人性化的风格。此后，他创作了一系列这种风格的作品。
玩转方块
1905年，毕加索的画风发生了巨大的转变：忧郁的蓝色消失了。毕加索不再像之前那样郁郁寡欢，他想要更加快乐和明亮的色彩。画面充满了玫粉色和橘黄色。花衣小丑和杂技演员代替了之前的乞丐和面黄肌瘦的人。这就是“粉色时期”的街头卖艺者。但每当毕加索找到一种风格，就会立刻开始寻找另一种风格。这幅创作与1906年的《风景》就是最好的证明。毕加索终于卖出了几幅作品，第一次有了经济能力去度假。他的目的地是戈索尔，一个位于西班牙比利牛斯山区的美丽小村。然而，对于这个一刻也停不下来的创作者来说，决不能闲着什么也不做。看着这些朴素的小屋，毕加索想起了一位伟大的法国画家塞尚的教诲：“用圆柱体·球体·和椎体去描绘自然”。简化线条，用它们勾绘出最简单的形状。所以，这幅粉色的风景画中，毕加索只保留了最基本的线条：他像搭积木那样画满了小方块一样的房屋。一种前所未有的风格——立体主义，就要诞生了。
立体画
在他位于蒙马特的艺术家聚集地工作室里，毕加索专注于自己的新发现——作品中的画面不需要与真实相像！他打破了绘画的唯一视角——看他的新创作，就好像在看一面破碎的镜子。更令人不可思议的是：他把报纸粘贴在了画里。从哪以后，一切都可以进入画面了。忠于立体主义的毕加索令绘画的模式发生了彻底的改变。
古典，但恰到好处
随着立体主义在艺术界激起的阵阵波澜，毕加索终于为世人所知，人人都想求得一副他的大作。在1917年，毕加索成了俄罗斯芭蕾舞剧的服装和布景设计师。毕加索跟随这支四处演出的芭蕾舞团来到了罗马，在那里，他发现了令人心醉的古代雕塑。在经历了立体主义棱角分明的线条之后，毕加索想要重拾美丽的弧线。毕加索的风格变的柔和了，但这个绘画鬼才并没有止步。即便是在创作具有古典风格的作品时，他仍然会加入自己的奇幻色彩。就像这幅《奔跑》，人物白色的裙袍和庙堂般的不朽气质，令人想到了古希腊和古罗马的雕塑。但她们的造型却令人遐想。头部很小，双眼短粗，手臂或长或短——纯粹的毕加索风格。
回收的艺术
毕加索继续着他的艺术冒险。左边着尊雕塑实在惊人。一把漏勺为头颅，一两根弹簧做头发，再加上几段废金属，组装，焊接，就得到一个女人的头像。艺术家很喜欢鼓捣日常生活中的物品，他从不浪费任何东西——破旧的自行车坐垫、铁丝、纸团、垃圾桶里捡回来的废料，任何东西，在他的手中，都有可能变成一件艺术品。这种自1925年开始全面爆发的创造力，持续了毕加索的终生。
野蛮人
但在国家陷入危难的时刻，毕加索便收起了自己的这份随心所欲。1937年4月，与佛朗哥将军结盟的纳粹德国，用空投炸弹将巴斯克小村格尔尼卡淹没在了一篇火海之中，西班牙从此陷入了共和政府对抗法西斯独裁者佛朗哥的血腥内战。毕加索思索着该怎样去描绘战争的野蛮行径和格尔尼卡的悲剧。为了找到答案，他画了60来副哭泣的女人的素描和绘画，比如这幅《哭泣的女人》，人物线条因悲伤而变的扭曲。毕加索仅仅通过一副人像，就浓缩表现了战争的恐怖。
像孩子一样
毕加索是一个博爱的人吗？别的不说，毕加索对女人有着炽烈的爱。“二战”结束后，衣食无忧的毕加索在南方的阳光下，细细品味着失而复得的和平与爱意。他的画作成了欢唱家庭幸福的颂歌。在这幅画中，可以看到舐犊情深的佛朗索瓦斯。人物造型的线条异常简单，近乎孩童的笔触。可以这么说，毕加索一直都醉心于小孩子的绘画。他曾经说过;"每个孩子都是一位艺术家，问题是怎么能在成长的过程中保持这种艺术家的童真本色。”而毕加索终其一生，都在尝试寻回这种孩童的浑然天成和自由自在。
绘画的痴狂
一直到 临终那一刻，毕加索都在痴狂地不断改变着自己的风格。他一分钟都不愿意浪费，手拿画笔，如疾风骤雨一般在画布上涂抹。有时颜料溅得到处都是。“我得抓紧”他一边以惊人的速度在画布上肆意挥洒，一边喃喃自语道。他最后的几幅作品似乎是在匆匆之间完成的。颇有些令人费解。有人说那都是随便画的，但实际上，晚年的毕加索创造力爆棚。在这幅自画像中就可以看得出来，这是毕加索最后创作的作品之一。91岁时，毕加索的手法依然稳健、快如闪电。而且，他再次感觉到自己20岁时那种冲劲，于是，他把自己描绘成了一个年轻的画家，生命的终点，毕加索始终是一个年轻人，因生命和创造而敬请昂扬。
这不是一副古典画作
在1906-1907年间，毕加索把自己关在工作室整整9个月，谁也不能打扰他闭关修炼。最后，毕加索终于打开了工作室的大门，拿出了一副令人惊诧的画作。画面中是五个裸体女子，直勾勾地看着我们，这就是《亚威农少女》。她们个个都有棱有角，方形，三角形，如同斧凿一般；而她们的脑袋有很吓人。这是毕加索新的艺术探险，他尝试寻找一种新的艺术表现方式，灵感来自他当时的所思所想，还有安格尔、塞尚、高更，以及非洲的面具和古伊比利亚的雕塑。结果成就了一副支离破碎的画作，一副令艺术改头换面的画作。在创作这幅画时，毕加索显然抛弃了此前所有在绘画时要注意的元素——对自然的模仿、古典美、协调的比例、透视法。继承了这种创作新手法的后世艺术家难以其数，毕加索就这样推动了现代艺术的诞生。
是一幅画，还是一件拼贴作品？
毕加索沿着这条道路继续前行，并和乔治·布拉克一起创造了立体主义。两个人画了一副又一副，就好像透过万花筒在作画：他们想要在同一时间，透过几个不同的视角去观察对象！结果，两个人的风景画和肖像画就好像无数细小的碎片。从那以后，人们得学着以不同的方式去欣赏绘画作品了。毕加索的尝试遭到了猛烈的抨击，却激发了巴黎年轻的艺术家们。他们把毕加索当作指路的明灯，但毕加索本人却拒绝担当他们的引路人。杜尚、胡安·格里斯等都开始模仿毕加索的这种风格，并替他把这种风格理论化了。立体主义因此成了一种让人无法回避的风格。而毕加索的拼贴作品，很快就引起了达达派的注意，然后是超现实主义派，而且每天都在吸引着新的追随者。
这不是一辆自行车
毕加索用手中的一切进行创作：纸板、绳子、人造花、、、毕加索把这些物品收集起来，堆在一起，然后从中翻找出可用于创作的素材。这件《公牛头》是用一个自行车车座和一个自行车车把，这两件废品组装在一起，就具有了全新的意义。一伸手就完成了一件雕塑，台容易了吧？恰恰相反，在毕加索之前，有谁能够从自行车里看出公牛头来？这是一种全新的思维方式。唯一能够营造出这种奇幻效果的人，就是毕加索的同乡——胡安·米罗。后来，这种新的创作方式在新现实艺术家里发扬光大。
3D毕加索
毕加索的作品超越了绘画的界限，这尊1905年创作的《痴汉》雕塑就足以证明。在那段时期，毕加索每天晚上都会去梅得拉诺马戏团。那里的卖艺人和杂耍演员让他如痴如醉。毕加索在自己的作品中把他们画了又画。这些人物成了他“粉色时期”的标志。与马克斯·雅各布从马戏团回来之后，毕加索以这位朋友为模特进行了创作。第二天，毕加索对作品做了些修改，加上了帽饰，并突出了线条轮廓，令这位痴汉具有了国王的人格。雕塑贯穿了毕加索的整个艺术生涯，并见证了他的艺术演变：具有起伏感的立体主义作品1金属作品、、、
山羊
1950年，雕塑作品《山羊》诞生了，从此，艺术家彻底告别了传统的雕塑技法。毕加索把很可能被其他人扔进垃圾箱里的物品收集起来，为了能够以另一种方式去看待这些零散的物品，从而创造出新的东西。用来创作这只山羊的材料有：棕榈叶、木块、废铁块、纸板、罐头盒、陶罐等。用石膏把这些材料黏结在一起，然后用青铜进行熔铸。这些奇奇怪怪的材料此后启发了很多艺术家。
柔情蜜意的芭蕾舞剧
1917年，毕加索在意大利，为即将上演的俄罗斯芭蕾舞剧《巡演》进行创作。他为这部芭蕾舞剧设计了服装，还有一块巨大的舞台幕布。这是他第一次创作尺寸这么大的画作。1917年5月18日，《巡演》在巴黎的夏特莱剧院举行首演，结果震动全场。观众们迷惑不解——他们等待的是一件立体主义之王的巨作，而眼前却是一群身穿着古典服饰的杂耍艺人。一个花艺小丑走在最前面，左边，一个仙女驯马师踮着脚站在一匹长着翅膀的骏马背上，她正要去够一只蹲在梯子上的猴子。那不勒斯风景的背景前，悬挂着色彩柔和的幕布。毕加索营造出一派宁静的梦幻气氛。
幕布拉开后，杂耍艺人们依次登场，变戏法的中国人身穿艳丽的服饰，上面的花纹如波浪般起伏，而其他人物就好像流动的立体主义雕像、、、毕加索混合了不同的艺术类型，让人应接不暇。
从画笔到文笔
到巴黎之后，毕加索结交了很多作家和诗人朋友，他一直都被线条和文字所吸引，甚至说，“如果我是中国人的话，我就不会成为画家了。我会当一名作家。”1935年，毕加索开始写作，在整整8个月里，他成了诗人。他尽情挥洒着自己的想象，对逻辑和标点不做过多考虑。出于本性的驱使，毕加索的很多诗歌都配上了炽烈的五彩纷呈的涂鸦。这幅《在巨大而炽烈的柠檬片背后》，满是蓝色、红色、绿色、黄色。线条和符号代替了逗号和大写字母。后来，毕加索的文学作品中又加进了两部戏剧：1941年《被捉住的欲望》和1052年的《四个小女孩》。
满手泥土的艺术家
1946年，毕加索动身前往瓦洛里，蓝色海岸的陶器之乡。他在那里认识了主持玛都拉工作室的拉米耶夫妇。毕加索用黏土捏了几件小雕像，但艺术效果直到第二年才呈现出来。毕加索被陶艺征服了，于是跟拉米耶夫妇开始了硕果累累合作，他在玛都拉工作室里创作了近4000件作品。应该说，毕加索对陶瓷艺术并不陌生，在西班牙每户人家的厨房里都能看到陶瓷器具。在1902至1906年间，毕加索最早的几件雕塑作品就是用黏土做的。早在1929年，他就已经制作了一些彩画花瓶。
但对陶艺的顿悟，还是来自瓦洛里的那段时光。毕加索像个孩子一样玩的兴起，用一种几乎令人震惊的方式肆意地对待黏土。多亏了陶艺，毕加索得以一边画画，一边做雕塑。陶瓷制作是一种要求极高的技术，因为陶器的颜色会在烧制过程中发生变化，但随心所欲的制作方式，却激发了毕加索无穷的想象。颜色的运用，也是他画法的一种延伸。毕加索在20世纪20年代就在作品中表现过的古代艺术，如今再次出现在红色或黑色的陶瓷花瓶上。于是，就像古希腊人那样，我们得绕着这个花瓶看，才能欣赏到完整的欢腾场面。斗牛，也是一个让人无法回避的主题。毕加索把盘子的边缘画成了阶梯状的观众席，而斗牛场则在凹陷的盘心里。
巴黎之夜
1900年，世界博览会将全世界的人都吸引到了巴黎，年轻的毕加索也不例外。抵达法国首都后，毕加索来到了蒙马特高地。这里是离经叛道的艺术家门经常聚会的地方，也是印象派及其追随者们的摇篮。就像前辈莫奈和雷诺阿那样，毕加索也画了煎饼磨坊——当时巴黎城中最著名的舞厅，描绘了夜晚的煎饼磨坊。毕加索观察着那些挤在舞池女郎，又或是那些里的中产阶级男士和轻佻的女郎，又或是那些在近景中边喝酒边聊天的人。他想要的不是对人物面部的细致描绘，他更感兴趣的是令人眼花缭乱的鲜艳色彩，这样可以让人置身于节日般欢腾的气氛中。通过对这个标志性场所的诠释，毕加索在前卫艺术领域迈进了一大步。
美人
毕加索，新古典主义画家安格尔的粉丝？听起来令人难以置信，。因为这位19世纪画家精雕细琢的肖像画，跟毕加索的肖像画实在是相去甚远。但是，接受过古典绘画训练，而且对一切都抱有好奇心的毕加索，确实对安格尔很着迷。他甚至收集了不少安格尔作品的复制品。对于安格尔这位法国艺术大师而言，绘画，首先是构图和极为细腻的线条。我们可以在这幅奥尔佳的肖像作品中看到这一点。画面中的奥尔佳坐在椅子上，一只手臂搭在椅背上，在精美绸布的衬托下摆出一副优雅的姿态。虽然这幅画最终没有完成，但它依然是毕加索最具古典风范的作品之一。后来，毕加索改进了这种绘画方式，但他在一生中都把安格尔当作自己创作的灵感源泉。
两幅面孔
另一位大师——小克拉纳赫，代表了另一个时代，追随这位文艺复兴时期德国画家的脚步，毕加索体会到了另一种绘画技法的乐趣。1950年，毕加索开始尝试亚麻油毡版画。他用不同的亚麻油毡块剪出构图的细节，然后把它们拼在一起，在纸上拓出彩画。在这件仿照小克拉纳赫的肖像画作品的画中，毕加索使用了5块亚麻油毡：4块用于彩色部分，一块用于黑色部分。路易斯·莱里斯画廊将这件作品印制了50幅，每一幅都有签名和编号。毕加索非常欣赏小克拉纳赫的大作，还有他的视觉游戏：描绘的少女，在画面背景中还有一个二重身——她的影子。在他自己的版本中，毕加索保留了一副肖像画从腰部一分为二的构思，人物身着那个年代的服饰，有着一张被解构了的面孔，以及非常立体主义风格的简化线条。现在，画面中的少女真的有了两幅面孔！
永恒的母亲
一个被毕加索反复描绘的主题，就是母亲。自文艺复兴开始，很多画家都描绘过这个主题，我们称之为寓意画：一个人物就是一种象征。我们在《母亲》这幅画中可以找到所有表现这个主题的元素：母亲和怀中裸着身体的天真孩童。要不是有一张靠背椅，母亲身上的裙子简直就像古罗马人穿的长袍。不过，毕加索再一次用自己的风格重新描绘了主题：粗大的造型，不成比例的面孔，不禁让人想到了他的《沐浴的女人》，沉闷的色调让人想起了《亚威农少女》。油画、蚀刻画、素描、来自欧洲各地的艺术大师和穿越了历史长河的主题：一句话，你可以在毕加索的作品中看到所有的艺术形式。
活着的奇迹
“我是一个传奇”，毕加索有资格这么说。他在世的时候，已经是一个超级巨星了。这位大师登上过的法国和其他国家的杂志封面，数都数不过来。他的作品千金难求。100美元，这是20世纪70年代购买一副毕加索立体主义作品的价码。毕加索因此成为当时在世的画家中，作品售价最高的一位！还有更了不得的，他的一些作品已经被符号化，四海皆知。如他在1950年为世界和平大会画的那只衔着橄榄枝的白鸽。白鸽成了世界和平的象征。
毕加索想要亲手塑造自己的成功，并为此而全力以赴。就像那些电影明星，毕加索知道如何展现自己并对自己的形象善加利用。在面对崇拜者时，毕加索表现得一点都不拘束，在摄影师的镜头前也落落大方。他的私生活里，一生俘获了无数女性的芳心，这种极具魅力的狂放性格，越发令毕加索披上了神话色彩。
一副作品道尽毕加索
造型与色彩
无论你钟爱毕加索哪个时期的作品，这幅《阿尔及尔女人》 ,画家带着我们进入到画面中女人们的私密空间里。一位蓝皮肤的女巨人正盯着我们看。她的脑袋看起来小的可笑，跟她那巨大的身躯比起来，显得太过娇弱。这是20世纪20年代，毕加索在一段很短的时期内描绘的泰坦女人，画中依然可以看出立体主义特点：胸部、臀部、双腿、脚、、、处处可见。她们的身体就像房间的拐角那样轮廓分明。网格和直线令画面变得越发让人费解。这种图案和色彩的混杂，让人想到马蒂斯的作品，马蒂斯也喜欢花哨的背景和土耳其宫女。马蒂斯1954年11月去世，毕加索的这幅是对他的致敬，一如对其他大师的致敬。
爱情与 风格
“说到底，什么是画家？画家是一个收藏家，一个想要把自己喜欢的他人之作画出来，构成自己收藏品的收藏家。我就是这么开始的，然后就形成了自己特有的风格。”这就是为什么，在毕加索的整个艺术生涯中，他审视艺术的历史，模仿它，并加以重新创作。毕加索一次又一次地把德拉克洛瓦的作品揉碎、重塑，就像这幅《阿尔及尔女人》，还有委拉斯凯兹、莫奈和其他画家的作品。毕加索画了数十幅、数百幅不同的版本和习作。应该说，毕加索很久以前就对卢浮宫博物馆里德拉克洛瓦的《阿尔及尔女人》欣赏有加。后来，毕加索邂逅了自己的新爱侣，雅克琳娜。她有着一头乌黑浓密的秀发和一双水灵灵的眼睛，跟画中的一位阿尔及尔女人颇为神似。毕加索每一段新的恋情，就是一种新的绘画风格。
再见，奢华、宁静和愉悦
但让毕加索就这一主题进行描绘的，是历史事件。实际上，当毕加索在1954年开始创作《阿尔及尔女人》系列画时，阿尔及利亚解放战争刚刚爆发。当时的阿尔及利亚还是法国的殖民地，但名族解放阵线想要摆脱法国人的控制。这场战争持续 8年。那么，画中的这些女人是谁呢？是来自美好古代的幽灵，还是当代的受害者？她们藏在五彩缤纷的裙袍背后，是为了躲避战乱的纷争吗？通过这样一幅画，毕加索带着我们走进了《一千零一夜》，让我们感受到他那个年代的种种痛楚。
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