对这本书有很多爱。
首先，封面这种简洁朴素之美一下就让我的眼神挪不开了。夺目而不刺眼红色作为背景，像是边框，框住了一幅黑白画：两个小儿沉醉地骑在一只大鹅上。画的下面是标题，白色字体。
其次，作为美术绘画的小白，这本书是入门的很好读物。它对于中国绘画和西洋画的发展有比较系统的介绍，没有高端晦涩的专有名词，通俗易懂。特别是谈到西洋画时，作者会说，“在清朝嘉庆年间，法国乡下一个农夫家里出了一个大画家，他姓米勒......”，与中国的时间轴联系起来，一下就把距离拉近了。带读者了解绘画发展的同时，感受名画之美。正文前也印刷了精美的西洋画，供读者欣赏。（个人阅读习惯，如果放在篇章之间就更好了，谈及某幅画不必再往前翻。）
第三，书里一些篇章（写于二十世纪二三十年代），发表于给美术入门的读者或中学生的刊物，作者通过讲解名画，谈及基础的绘画知识和画法，如“凡是一幅画，必定要有一个主题”，“主题只有 一个，不能有两个”，“主题要放在画中最好的地方”，远近明暗，以及素描对于美术基本功的重要性。适合入门读者。起码在欣赏一幅画时，你知道该看什么。
第四，这本书带你发现寻常生活之美。“只要肯仔细地去看，无论什么东西都可以描成美丽的画”。
以上就是我对于这本书毫不吝啬的赞美之词，逛书店时也很兴奋地给朋友推荐过。
下面介绍一下内容。这本书总共分为六章：
1绘画美术是人生必修课
2中国美术的优雅
3写实主义的兴起
4印象派与后印象派
5子恺漫画
6生活中的美
第一章标题为“绘画美术是人生必修课”，这是作者对书名的回应。《无用之美》，食物能填饱肚子，衣服让我们感到冷暖，相比起来，绘画实在是太“无用”了。然而，它却非常重要，它的存在是为了满足眼睛的需求。
画图原不过是“看看”的。但因为眼睛是精神的嘴巴，美术是精神的粮食，图画是美术的本位，故“看看”这件事在人生中有了这般重大的意义。
作者将味觉与视觉进行了对比，“嘴巴的味觉，称为“下等感觉”。眼睛的视觉，称为“高等感觉”。”因为嘴巴对于滋味好坏的评价不必教，吃吃就能辨别了；而眼睛的美术的鉴赏力，则需要练习才能进步。生活中，我们吃东西，不仅会用到嘴巴，还有眼睛，菜烧得好，装盘得好看，就更有滋味了。
作者采用欲扬先抑的写法，得出结论，这些“无用”的东西，其实是人生的必修课。
第二章根据朝代，着重介绍了中国绘画发展的四个阶段。并讲解了中国画的特点。
（1）六朝以前的绘画-人物中心时代
中国绘画萌芽于黄帝时期。仓颉造字，那时候的象形字可说是绘画的萌芽。也有书画同源这一说。后来书画分离，最早的绘画还只是一种图案。根据夏商周出土的文物，古代图案主要有几何纹和动物纹。
到了汉代，由于汉代皇帝屡派使团出使西域，有了文化上的交流，植物纹（最多的是葡萄纹）出现了。这个时期，人物画（各种鬼神像）在皇宫和民间都非常发达。同时，汉代还设立了画官。
三国魏晋六朝这期间，天下纷争，没有宁日，但艺术创作在兵荒马乱的年代发展尤盛，绘画也是如此。画家辈出，最值得一提的要数顾恺之。这位东晋画家，画技画论都可称天才，当时的宰相谢安都对他的赞誉有加。他的作品与文字都流传至今，代表作有《女史箴图》（存于大英博物馆），《洛神赋图》。
此外，这个时期，佛教画从印度传来，这也是人物像。风景画的仅仅作为背景出现，也极少。
（2）唐代的绘画-山水画的独立
唐朝之前的山水画是比较死板的，没有远近之分，也有比例失调的情况。初唐较之前比，稍有进步，出现了铁线描和游丝描。这时候出现了一个厉害的人物：吴道子。他最开始也学习细描，后来他对线条进行了改良，根据对象特点和主观感受，笔法有粗细之分。人称“吴带当风”。吴道子引发了山水画独立的开端，接着，李思训和王维出场了。这二位是山水画独立的革命主将。李被后人称为北宗之祖，他的笔法细致有力，其着色山水画金碧辉煌，自成一家。而王维，用苏东坡那句“诗中有画，画中有诗”来介绍足矣，有才气，当过官，后隐居辋川别业，其画其诗都如其人：渲淡自然，被后人称为南宗之祖。
（3）宋代中国绘画的繁荣
宋代治世三百多年，并不太平，但艺术成就高度发达，许多耳熟能详的大画家都在这个时期诞生。前段时间出现了宋朝热，三联周刊出了“我们为什么爱宋朝”的封面。那时候人们的生活，文人的志趣都是令人向往的。宋朝的不少皇帝都擅长丹青，还设立了画院，以画取士，全国上下可不都文艺范。画院考试的形式也好玩儿：给出诗句，画家根据巧思，描绘诗意。
宋代有三大家：李成、范宽和董源。在这里也要提一下米氏父子，米友仁在杭州做官，得以目击江南烟雨景色，在董源水墨渲染的基础上，出现独特的米点山水，极具特色。
（4）元明清-中国画的集大成
这个时期的绘画，主要是对前人的继承，发展方向也更丰富。绘画中向人物、花卉、翎毛各方面拓展，不局限于山水。元代有四大家，分别是黄公望、吴镇、倪瓒和王蒙。明代有唐寅、仇英、沈周、文征明、董其昌等。他们分属南宗北宗，也影响着后来的人。
总体来说，中国绘画的特点是，诗与画内面结合，主要表现文人所幻想和追求的梦境。这与西洋画的侧重写实颇不同。
第三四章是对西洋画的介绍。
首先，对西洋画的派别做了介绍，自然主义画家细分为写实派和印象派，这二者思想共通，都是走到大自然中，打破传统绘画主题，只是表现的技法不同。写实派有两个代表人物，米勒和库尔贝。米勒的作品对象主要是田园生活、农业的神圣和农民的辛劳，充满宗教的虔诚情感，如《拾穗者》、《晚钟》。他将个人感情融入自然，但并不能表达对社会和时代的积极观察。库尔贝则是客观的写实派，作品融入了对时代的观察，充满表现力，如《碎石工》、《筛麦的妇女》等。
作者认为真正冲破现实表层，直击现实要害的是印象派以后的运动。叙述中包含不少关于画家有趣的小故事，我们也从中看到，绘画作品的伟大，除了基本功扎实，画家本人的品质和精神也十分重要。
通过作者的叙述，我将印象派简单分为三个阶段。
第一阶段是外光派，代表人物是印象派始祖马奈。当时的画家提倡“走出人工光线的画室，到明快的日光中描画”。（现在这么普遍的户外写生在十九世纪六七十年代还是新鲜事物呢！）马奈追求受光影响的物体，他对于光有了一种冷静的科学者态度。但他描绘的内容大都是资产阶级生活的速写，如歌剧院、咖啡厅等，对客观的理解和时代的感受没有太大价值，是印象派的过渡者。代表作《草地上的午餐》，《奥林匹亚》。
第二阶段是刹那印象主义，代表人物有莫奈、雷诺阿等人。和前一阶段不同之处在于，莫奈专注描写光。他描写大量的风景，不是因为对风景有多大的趣味，而是便于研究光的变化。他曾就同一主题的景物画了十几幅作品，如有名的干草堆和睡莲。莫奈用科学的方法研究光，把太阳光与空气的色用三棱镜分解得到原色，用强烈的原色做出绘画效果。可以说，这一阶段追求的是刹那的印象，不在于所画对象的细节描写。他们忠于客观与科学。读过关于莫奈的书，有空细写一下。他是画家当中比较顺遂和幸运的，在有生之年看到了自己作品出名和能享受作品带来的生活富足（本身家庭条件也好），而且也很长寿。
第三个阶段是后印象主义，也就是我们熟知的梵高和高更等人了。这个时候的作品，不像以前的绘画：像照相一样“复制”实物，而是看上去有点奇形怪状----因为融入了画者的个性和对物象的理解，更有表现力。也称这些画家为“表现派”。这在西洋画坛发生了根本性的动摇，而这些画家（塞尚、梵高、高更和亨利·卢梭）也是西洋画坛的重要改革者。（梵高的故事虽然耳熟能详，但每每读完，对他的感受是既心疼又可惜。他狂暴的外表下有着真挚的情感，他给弟弟的信件令人动容。）
作者提高一个有意思的现象：东洋画虽然也有各个宗派，但都大同小异，各有所长。而西洋画则不同，新画派往往是打到旧派而建的，有种夺江山的感觉。
另外，日本画对于莫奈和梵高等人有很大影响。
对于西洋画派知之甚浅，读完《无用之美》后，对其发展脉络有了一些了解。
第五章，作者谈了自己的漫画（四个阶段：诗歌、儿童、社会和自然），画漫画的一些趣事，如画了一幅有误的画而印刷了出去，以及自己制作速写本的经历。
第六章，作者从儿时的记忆（泥人、自己制作彩伞）说起，谈了生活中美（照相与绘画的区别，扇子的艺术，在西湖边所见的自然之景与颜色搭配）。
这本书朴实真挚，我愿意不时拿出来翻看。
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