是什么让中国很多东西看起来很low或者没有美感和质感？

是什么让什么让中国很多东西看起来很low或者没有美感和质感？但就设计方面来说，其实何有挺多可讲的。

作为一个设计师，我经常听到很多抱怨，"中国的这个设计好土啊！""还是英伦范儿的设计更好看""国内这么丑的设计我肯定不买"。

在相当长的一段时间里，“中国制造”代表着质低价廉，由于产品与设计的强关联性，大家对"中国设计"的定位也是低质且丑陋。

比如审美堪忧的儿童玩具，

比如红黄配色加大加粗的广告牌，

比如奇葩的Logo创意设计，

比如亮瞎眼睛的配色方案，

还有一言难尽的打折广告。

这些糟糕的设计充斥着我们的日常生活，让我们无处可逃。

所以，每当看到优雅的欧洲设计，简洁的北欧设计，禅意的日本设计，前卫的美国设计，热情的南美设计，大概真的只能遗憾地给中国设计打上"丑"的标签。

欧洲设计，穆夏（1860-1939），插画艺术家

北欧家具设计风格
日本MUJI广告设计

中国设计是真的一直这么丑吗？

如果我们倒回100年前，就会发现我们当年的设计相当厉害，随便拿一位不“知名”非专业设计师——鲁迅先生的作品来看，都可以感受到当时的设计眼光是有多么不错。

完成于 1917 年 8 月 7 日的北大校徽是鲁迅早期作品。鲁迅先生设计的标志采用了“北大”二字的篆书，但他巧妙地将“北”字与“大”字的篆书进行了些许变化，使得两字的构成元素几乎完全一致，“北大”两字有如一人背负二人，构成了“三人成众”的意象，给人以“北大人肩负着开启民智的重任”的想象。“北大”二字还有“脊梁”的象征意义，鲁迅借此希望北京大学毕业生成为国家民主与进步的脊梁。而这一设计也被延用至今。

鲁迅先生设计的北大校徽

而鲁迅先生除了设计了北大校徽外也曾为自己的著作绘制了很多精美的封面和扉页，对近代中国的书籍设计有极大的影响力。

除了大文豪鲁迅先生，民国时期的其他设计也是精彩得要命。

民国正处于中国传统文化被西方文化打开大门的时期，中西方文化交融碰撞，同时也导致中西方设计碰撞出大量的火花。大量的人物元素作为主体出现在包装/广告/海报之中，不同的设计风格与技巧也在这时产生了变化，形成了独特的"民国风"的设计。

民国美女海报
民国时期可口可乐广告
民国时期药品广告

时间轴再往前推一推，来到清朝，来自关外的女真族人带着他们的铁骑与审美来到中原。

长期寒冷的气候坚韧了他们的性格，林海雪原的白雪苍茫也造就了他们对多彩的向往。色彩繁复的设计与器型，比起同时期的巴洛克洛可可风格也不遑多让。

岫岩满族民间刺绣 vs 乾隆粉彩瓷器

这种发源自中国东北的审美形式现在仍影响着那片土地。也许有人会说这种花纹土的掉渣，但是我认为只是用错了了地方，如果想大牌这样使用，是否就有了时尚潮品的既视感？

Gucci印花 vs 东北印花

但是数千年来汉族儒文化的同化能力仍然不可小觑，除了繁复，明朝的简洁风格也影响着大清皇室的审美，比如四郎雍正的审美和他爸爸以及他儿子就有着明显不同。

雍正单色釉彩 vs 乾隆粉彩

在古代中国，明代设计绝对是简洁设计的代表。小到瓷器家具，服饰绘画，大到宫殿建筑，国防设施，都体现出了流畅的线条设计，明亮的颜色对比，高级的审美趣味，到现在还在影响着世界。

中国明朝圈椅 vs 丹麦椅子大师Hans Wegner作品

这些优秀的设计中还不包括受中国传统版画影响多年的日本浮世绘，想象力惊人的敦煌石窟，优美的秦砖汉瓦甚至夸张的三星堆文化。还有历代统治者都为止醉心的中国画与书法艺术。

中国版画 vs 日本浮世绘
敦煌壁画

从以上例子可以看出，中国的艺术设计不仅不落后于世界，反而还拥有自己鲜明的文化特征。但是近代的那些"丑"设计是如何在市面上广为传播的呢？这时候就要结合设计的功能以及时代特征来进行阐述了。

在封建时期艺术设计一直是服务于王公贵族商业巨贾的文化类产品，普通老百姓是没有什么时间和金钱去享受设计的。无论是巴洛克洛可可，还是天青窑景泰蓝，无一例外服务于宫廷。但是这一现象在西方被工业革命所打破。

由于工业革命机械化大生产的出现，"效率"成为产品生产的关键，之前那些繁复的雕花装饰等明显不符合工业化生产的需求。并且随着新艺术运动的深入和工业革命的进一步深入人心，人们对浮夸多余的装饰渐渐厌倦，转而越来越崇尚朴实无华、简单实用的设计，德意志工业同盟的兴起正是源于这一背景。

同时德国包豪斯设计风格的崛起，倡导"把工艺技术提高到与视觉艺术平等的位置"，大量的简洁的设计应运而生。

而对比到同时期的中国，缺少了工业革命这一重要的历史进程，导致中国人的审美标准从遵从皇室的设计风格直接跨越到了现代设计的门口，中间缺少了过度。

此时受到西方文化冲击的不仅仅是中国的文化，审美观也被各种风格冲击得支离破碎。洛可可风格的宫廷设计，包豪斯风格的工业设计，瑞士的极简主义，美国的波普运动，日本的浮世绘和宅寂等概念，几乎同时出现在中国人民眼前。

并且由于中国的传统设计大多是师徒传承，没有相应的科学研究体系，这导致了中国传统的设计观念与西方现代的设计观念的冲突。

举个最简单的例子，在颜色中波长最长的红色，在中西方不同的设计语境中就有完全不同的含义。红色在中国的审美标准中是吉祥的颜色，从皇室到平民都有大量的红色应用于生活当中，如红墙，红喜字，红婚服，红对联等等。红色代表着中国人所有好运的集合。

可是在西方，红色通常代表着血腥与暴力，危险与野蛮，以及严格的宗教含义，这导致在西方的设计语境中，极少有大面积的红色的使用。

同理也在我国象征着死亡的白色，却在西方有着纯洁美好的含义。

然而，即使在不同文化背景下，设计元素的内涵有不同的解读，但在全球化的发展状况下，设计表达的方法却越来越趋同。

当我们企图用同样理念的设计方法，学习着同样风格的设计结构，做着同样的设计传达，就会出现中西文化和视觉传达的不匹配。在西方文化主导话语权的今天，用东方的内容元素去硬套西方的设计方法，一定会出现驴唇不对马嘴的情况，这也是为什么大家普遍觉得中国设计“丑”。

虽然有种种问题，但是中国的设计就没有办法了吗？

我并不觉得是这样。

看看日本设计，就走出了一条具有日本特色的发展道路，并形成了固定统一的风格。在保留自身文化传统的同时，日本设计师刻意挑选了一些符合他们传统设计样式的西方设计理念来完善自身，从而形成鲜明的特点。

比如日式设计风格的代表品牌——MUJI和三宅一生。

前者代表着属于日本的简约美学，尽管和北欧的简约风在形式上有些相似，但是日本的简约美学更注重人情的发散以及空间的整合。相比较于北欧的单纯的“冷淡”，MUJI在设计上无疑多了更多的实用性。这也帮助日本在北欧简约风盛行的当下成功突破出来，并收割了一波死忠粉。

而后者则算是日本时装设计的代表，在时装设计被西方设计师垄断甚至决定的时候，三宅一生的出现，一定程度帮助亚洲设计在时装领域占据了一部分位置。三宅一生 偏爱稻草编织的日本式纹染、起绉织物和无纺布，独爱黑色、灰色、暗色调和印第安的扎染色。三宅一生所运用的晦涩色调充满着浓郁的东方情愫。他喜欢用大色块的拼接面料来改变造型效果，格外加强了作为穿着者个人的整体性，使他的设计醒目而与众不同。

这些年来，越来越多的中国设计师也在努力通过作品逐渐完善中国设计体系，树立中国设计风格。

比如中国银行行徽设计者靳埭强先生，他在平面设计界是当之无愧的大师级人物，也是首位华人名列世界平面设计师名人录的设计师。他认为漂亮的设计并不一定是好的设计，最好的设计是那些适合企业、适合产品的设计，所以他格外强调设计师的专业精神。

靳埭强先生作品 靳埭强先生作品
韩家英海报设计
韩美林作品

越来越多像韩美林、韩家英一样的大师正在国际上播种着属于中国设计的种子，我们完全有理由去相信，中国设计的明天会更加美好！