这是在网上看到的一个问题，我觉得还挺有意思，也挺具有普遍性。虽才疏学浅，还是斗胆聊聊，多少对大家会有点帮助吧，也欢迎大家来聊，补充指正。
要搞清楚这个问题，我觉得先的知道摄影作品是如何成为了艺术作品，然后再看商业的拍摄和艺术创作的区别。
现在我们知道摄影是艺术，但是在摄影之初大约19世纪30年代前摄影不是不被承认为艺术创作的的，仅仅只是照片而已。因为在当时认为的艺术是绘画、雕塑....是需要选择和提炼元素后得到的画面，只有这种作品被认为是艺术作品！有些摄影师为了体现专业，与大众照片区分开来出现了“画意派”，模仿绘画作品效果拍摄普遍有着朦胧美（我觉得这可能是现在糖水人像写真的鼻祖，大光圈，虚化朦胧美～～），摄影到了19世纪30年代后“现代主义”的出现，认为摄影有自己独特的语言，其中一点就是对细节极致的呈现，相对于绘画被认为“没法选择的缺陷”（释：比如一幅风景，绘画可以按自己的需要的提炼要素创作画面，而摄影必须客观的照下来，没发选择剔除掉某些元素，除非去把树砍了，把哪个房子推了～哈哈）却是摄影最强大而独有的艺术语言特征，于是把事物拍的极致的清晰，这可是绘画干不了的事哦～～！这是划时代意义的，是思想的转变，是一种觉醒，一直影响到现在。于是出现了一批摄影大师：韦斯顿《青椒》
弗兰克-《美国人》：
安塞尔亚当斯，
罗伯特亚当斯......等等，
在1830-1930年基本在遵循现代主义的规则，1930年后摄影开始走进美术馆、博物馆，这也就意味着摄影终于被承认是艺术品了。
由此看，一些图被定义为艺术作品，必定是这里包含了思想的深度，思想的觉悟，比如：罗伯特亚当斯之前风景是那些漂亮的大山大水的自然景观，而到罗伯特亚当斯却将摄影的风景直接对准了当下的公路，电线杆，一个路边的破房子，一颗野草。。。改变了风景的概念，让世人觉醒摄影是可以拍任何东西的，眼下的这些人造之物正是我们的风景，怎能视而不见哈，由此诞生了“新地形摄影”。
再比如《美国人》
画面是：妹子在挂着圣诞老人标示的超市，如同老头说快乐消费吧，而妹子却如僵尸般的面孔没有了灵魂。弗兰克在当时敏锐的察觉到消费时代的问题，在一味追寻消费大潮下美国人是没法自我救赎的，人性完全被剥离，在这样的时代越接近这些消费标示着人格越来越受损，带着这样的观点拍下了美国人系列，是对美国消费时代的批判。
聊到这应该能看出点艺术摄影的眉目了吧，艺术摄影并不是去简单的营造通常认为的漂亮风景、漂亮的妹子，但是画面有观点，有力量、也很美——“漂亮不等于美，美也不等与漂亮”。
另外，还有当下的艺术摄影就不多说了，再说打字也挺累滴~~
最后，再引用一下当年艺术摄影课上老师描述的一句话吧：“艺术摄影即对身边的世界投以深切且原创的凝视，从而引领我们去思考自己是如何观看与体验周遭事物”。
商业摄影：首要的是漂亮，要有用，通俗易懂，快速传达商品品牌信息，商业摄影是不同的摄影领域属于实用美术范畴，这也也很复杂的，技术难度很高，很多是超出艺术摄影的技术难度，好的商业摄影画面当然是具有很高好的审美，是要符合美学需要要强大的艺术修养的。所以从表面上看，这样就很容易让大众疑惑，这么“漂亮”的摄影怎么就不是艺术作品呢？殊不知它内在始终的目的是刺激消费层面，是极具诱惑性的、极其漂亮的可视化产品说明书类型，是不是这么一说感觉商业有点low了，其实不然，相对而言也是要思想的，要想当的智力去创意策划的，但创意不等于艺术，艺术也不是搞创意，不同的领域还是各行其道好。
当然这不包括特例比如：Herb Ritts之列，在这我讨论的还是普遍现象～！
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