文/夜莺
从4月11日第一次开始画冥想画，至今刚刚好3个月多几天。这3个月里，确切地说，过去两周里，我画了很多幅作品，我走进了一个全新的创作大门，惶恐、亢奋、惊讶、敬畏......每次都带来不同的感受。看着自己的作品，清楚是有一个节点推动这一切发生的。那个节点记录在这篇文章里：《关于冥想画的开始》自从那个节点之后，我停了两周，两周之后重新启动，迎来了一波汹涌的创作热潮，我已完全沉浸在创作的美好之中。
冥想画，其实是线条画，由不同长度的，力求形态统一的线条组合起来形成一幅幅抽象的画面。如果线条画得规整，它会给人一种大道至简，少即是多的感觉，也会营造出各种各样的意境。它的视觉效果也往往让人沉静，因为作画的人必须是沉静的才能画出那样的画面来。画这种画，没有什么特别的技巧，唯一的要点就是让线条稳定，而作为没有学过画画的人来说，让线条稳定已经是一件非常不容易的事。
我刚开始画得不得法，我以为自己和这种画没什么缘分，我对它没有什么感觉。就是那一次，（在上述的那篇文章里有记录），我带课修改学员的文章非常疲惫，加上先生的哥哥突然离世，我需要释放。我想做一切不用动脑子的事，于是就胡乱画起了线条，而且那天是站着画的，所有的一切就从这一“站”开始了，它让我找到了掌握线条稳定性的“诀窍”。站着画和坐着画有什么区别呢？为什么站着画让我掌握了这种诀窍？
这和我的个人经历有关，未必每个人站着画会比坐着画要好。这需要从我学习古筝开始说起。我把弹古筝的方法移植到了画画上。它完美地契合了。
作画现场，纸张大到铺满整个饭桌
关于古筝，我之前也写过两篇文章的，在这里再絮叨一回了。
我从2007年开始学习古筝，那时工资才2500，我用仅有的一点积蓄买了一台不那么好的古筝，幸好公司提供宿舍，免去了房租。每月的工资除了伙食费、交通费和琴费，我真的一分不剩。当时觉得那是必须要做的一件事，因为那将会是永恒的东西。
我跟着同一位老师一直学到了2012年。随着学习的年数长了，审美也提高了，我发现自己弹得不好听，即使老师说我弹得很好，而且我驾驭不了高难度的曲子。于是，我停了下来，我希望能遇上一位更专业的老师。后来，我真的遇见一位专业的老师，我们当时是一起玩音乐会的，我们都叫她小悠。
小悠的教法让我知道以前学的都是不专业的，第一位老师从来没教过我如何发力，如何辨别音色，我只需要弹出一首完整的曲子就可以了。可是，真正的音乐远远超过这些。其实市场上有很多老师都是不专业的，他们本身都不会辨别音色，不懂得发力原理，也就无从教导学生了。现在很多家长都会给自己的孩子学一门乐器，很多都是跟风的。他们也就不会去辨别哪些是专业的老师，孩子学习这个的真正意义是什么。这些，我就不再这里累赘了。文末有关于这方面的两篇文章。如感兴趣，可以阅读。
说回我的第二位老师小悠，她师从著名演奏家吴莉，现任星海音乐学院民乐系副主任（未必准确，只听老师提过那么一次）。吴莉老师的演奏风格是沉稳，音色无可挑剔，圆润、醇厚、精准。更巧的是，小悠刚开始学的时候也受过不专业弹法的摧残，到了音乐学院从头来过，从最基本的手型开始练起，她经历过我走的路。
我需要忘掉过去5年的方法，从头再来。小悠把自己如何纠正手型的方法教给了我，那时候我才知道，原来一只手是要分解的，不同的部位发力作用到琴弦上产生了微妙的变化。这是一种非常抽象的描述。小悠当时说，我能给你说明的都说了，剩下的只能你自己去练，去悟了。我真的埋头苦练，去悟。现在，我非常感恩自己那段时间的刻苦。这段从零开始的苦学，不仅让我在音色上有了提升，现在它还无意中帮助我画了冥想画，真是让人感到无尽的喜悦。
这是如何进行的呢？
好，现在来说技术，这真的就是技术。
古筝演奏中，主旋律基本都是右手来弹奏，画冥想画也是右手。应该也有人用左手，原理都一样，反正都是手。一只手，从胳膊到手指尖，至少有四个部位可以单独发力——大臂、小臂、手掌、指尖。
什么叫单独发力呢？
单独也可以理解为“聚焦”。当一个注意力分散了，它的力度就会减少；当你把它聚焦起来，它的力度就会增大。单独发力，就是不需要发力的部位肌肉放松，需要发力的部位肌肉要处于工作的状态，意识集中在需要发力的部位，让力度聚焦在那里，这样才能做到精准和有力。（这个只能自己去感觉，文字再怎么具体也说不清楚。）
在旋律里，有些乐段是欢快的，有时候也叫快板，节奏快，它的音色是短促的、聚焦的、颗粒性的。这种乐段需要用指尖发力，它需要的是爆发力，也就是把所有的力度凝聚在指尖上，然后突然爆发，精准地触弦，达到一种明亮、聚焦、爽朗的音色。
在旋律里，有一些是延绵的，似断非断的，有时候也叫慢板，节奏慢，特别能营造出意境。这种乐段就需要用大臂来发力，让弹奏出来的音色有残响，像余音绕梁一样，一个音才能又长、又延绵、又饱满。
画冥想画，要稳定线条，特别是长线条，用的就是上述弹古筝里第二种发力方式——大臂发力。
那天，我批改作业坐了一整天，我就懒得再坐了，站着画，这么一站，让我无意中运用到了大臂的拉力，我一下子好像被什么东西点化了一样——我感觉自己当时在弹着古筝里延绵的长音。这突然的发现让我亢奋。我又以同样的方式继续感受，确实，以这样的方式画出来的线规整了许多。
为什么站着就能有如此明显的变化呢？
站着不是直立，要想在纸上作画，肯定得弯一下腰，因为纸是放在桌子上的。站着的时候，
第一：可以鸟瞰纸张，对线条的形态和间隔有明显的视觉判断；
第二：重心往下，更加容易让力度倾注在纸上，
第三：身体比坐着的时候自由了很多，手臂用力的时候更加自如，而且还可以运用腰部、腿部的力量来协助稳定线条，特别是画大幅度的长线条的时候。
桌子的高度有没有影响呢？
应该是有的。比例要和自己的身高匹配，能让自己的手自如地运转，因为画的时候手一定是要贴着纸张的，但是到了创作的时候，有些地方也需要悬腕，这就更加考验如何让线条稳定了。我的画作里很多地方都是悬腕画的。
也就是说，站着画，人更加自由，从生理上给人带来一种无畏的创作准备，让人更加果断和勇敢。当我发现这一点不同之后，我一直站着画。刚开始我先不创作，乖乖地练线条，像下面这样：
大家看到我画的线基本就是直的，也没什么形态。我是为了增强肌肉的记忆。
什么叫肌肉的记忆？
这个还是要说回古筝。在练习古筝的时候（其实其他很多乐器也一样），练得多，手自然会产生记忆，当你一上琴，手就会很快找到某一根琴弦。学习乐器，这是最基本的方式，手的肌肉必须要形成记忆，它才能够在无意识的时候自主运动。我把这个原理放到冥想画里。我必须要让我的手生成如何稳定线条的记忆，这是要攻克的第一关，创作只是个灵感问题以及当时的一种心流状态，线条形态的规整是第一步。
这种下拉的直线，不去理会它的形态，能够很好地练习如何使用大臂发力，而且特别能练习自信和果断。画这种画必须要自信和果断，线条才会均匀平衡。这么练习多了，你也会越来越相信自己的直觉，人也会变得更加自信。当我练习了几天，我已经感觉到肌肉形成记忆了，再去画有形态的线。
后来，因为有人鼓励我用大的纸张来画，于是我从A4纸一下子升上到了二开：76X53cm，后来又上升到了全开：109x78cm。在停了两周之后重启，我的创作越来越无畏。我每画完一张都会看着它，研究它，它们每一张都是我的老师，它们教会我如何去改善自己的画面。
下面来分享这些画是如何教导我的，我也给每一幅取了一个名字：
第一幅：缠绕
规格：半开76X53cm
这一幅是我停了两周，重启后画的第一幅。这一幅是没有设计的，随意画的。这一幅不算满足，左下角的部分太多皱褶，显得复杂。其他部分的线条舒展流畅，我非常喜欢，如果整幅画都是这么舒展的该有多好啊。于是，我告诉自己，下次不要画那么多皱褶了，尽量让线条舒展。我研究舒展的部分自己是如何运笔的，记住了，于是就有了第二幅。
第二幅：凝视
规格：半开76X53cm
第二幅，吸取了第一幅的经验，我一上来就直拉76厘米的长线，有点天不怕地不怕的感觉，心里想着，先画大间隔的，舒展的线，真的不喜欢那么多皱褶了。最终画面中间的部分出现了不仅对称，还完美结合在一起了。这是我没想到的。
画完之后，我纳闷，怎么就这么完美地“缝合”上了呢？而且我找不到自己起笔的那根线了，到底是怎么画出来的啊？
这幅画，缝合的地方所营造出来的皱褶，它所处的位置非常巧妙，这个不是刻意设计的，它要是再往下或者再往上一点，比例都没有现在的这么好。真是意外的收获啊！这是我在创作中经常出现的情况，多数都是埋头画线，专注在每一根线上，整体效果往往非常惊人。这和我画线条曼陀罗是一样的。
后来，我研究了半天，才搞清楚自己是如何画出来的。这种感觉是最棒的，纯粹是无意识的显现，自己研究自己。那时非常亢奋，像发现了新大陆，知道了线条的走向可以营造出这样一种效果来。
当时为了突出中间这么完美的对称，我用了密集的线条环抱周围，这样就有了一疏一密的对比，中间部分就凸显出来了，这是有意识这么做的，只是密集部分的线条有欠规整。这就是在作画过程中画面本身会告诉我们如何去创作。这和平时的审美，对抽象画面的印迹有关。这一幅教会了我，原来还可以对称着画咧。
你看出了什么画面呢？有一位朋友说，这是一个扎着辫子的小姑娘的背影，凝视着一片森林。这个意象很美，于是我就取名为“凝视”了。
学会了对称应该高兴才对，可是有时候啊，当你把无意识转为有意识又会是一种束缚。第三幅就被自己束缚了。
第三幅：孕育
规格：半开76X53cm
由于产生了“对称”的意识，画第三幅的时候就直接设计着画对称了。画得很累，因为画出来的对称部分真的很美，害怕下一笔就破坏了它的美，所以每一个部分都小心翼翼，最后画到最中间的部分傻了，不知道怎么画了，愣了半小时还不敢下笔。
最后不管三七二十一了，这种画法太累人了，剩下的就一股脑不再对称了，赶紧画完了事。谁知，这一放开，恩典就来了。
最后的成品竟然呈现了一个腹中的胎儿，还有一只诡异的小眼睛。当我画出眼睛里的黑色实心点的时候，有一种归一的感觉，所有的东西归结到一个点上，我一下子起了鸡皮疙瘩。这真的很诡异。这个胎儿非常形象，我画的时候可是一点都预想过它会是个胎儿啊。第三幅教会了我：不要预先设计，设计会带来束缚。同时，我也品尝到和线条曼陀罗一样的神幻感，也让我产生了一种敬畏感。它真的有自己的生命力。
画完第三幅其实头脑是浑浊的、沉重的，我需要把这些东西释放掉，于是我又以无意识的状态乱画一通。第四幅，彻底把自己震撼了。
第四幅：窥见
规格：半开76X53cm
这一幅，画到右上角那条鱼的眼睛的时候，我又被吓住了，活生生一条鱼啊！怎么就画出一条鱼来了呢？后来又以同样的画法在其他两个部位画眼睛，出来的画面不像鱼，也不知道像什么。后来，我拍照发给先生看，他说：“大象！我的天，一头诡异的大象！”
我说：“哪里有大象啊？一条鱼啊！”
他说：“你往左转45度看看，一头好诡异的大象！”
我转换角度看看，确实是。呃，真的有点不可思议。不过画完这一幅我浑身舒畅，我的头脑终于清空了。这一幅教会我：豁出去画，是最自然，最舒服，最震撼的。至于呈现出什么画面，那只能交给上帝处理。
画这种随意的、长线条的有一段时间了，我想尝试一点别的，也就是那种能营造大道至简，少即是多的画面，于是开始画密集型的，就有了第五幅。
第五幅：戈壁
规格：半开76X53cm
这一幅，你会看到上半部分都是规整的密集型线条，后半部分又变回稀疏的线条，原因是——耐力不够了，画着画着胳膊和脖子都僵硬了，后面就草草了事。这一幅挑战失败，没能营造出想要的效果。不过，看着上半部分的线条，还是能感受到一点规整的形态出来了。又隔了一天，仍不死心，仍想挑战，于是出动“昂贵的”银色高光笔和黑卡纸，画了第六幅。
第六幅：青丝
规格：半开76X53cm （加了滤镜）
画这一幅用完了两支笔都还没画完一页纸，不过线条的密集度、规整度比之前一幅好了很多，大喜！终于有点突破密集型线条了。大家看着像不像白头发呢？
后来又尝试了两幅密集型的，第七、八幅：
第七幅：涌动
规格：半开76X53cm
这一幅可能是线太密了，怎么拍都拍得不够清晰，密集到影响聚焦。线条大部分能趋于规整，只是构图不太理想，也罢，反正也没有预先设计的，之后就知道如何避免了。
第八幅：延绵
截取图
全图
规格：半开76X53cm （加了滤镜）
这一幅，线条的规整度满意了。但是构图还是不太理想。继续画，又有了第九幅：
第九幅：契合
规格：半开76X53cm（加了滤镜）
这一幅由于用的高光笔品牌不同，出现的效果也不同，颜色略显逊色，需要用滤镜才显示出效果。画这种画，有两种呈现方式：一种是天然的，也就是我上面画的那种长而宽线条的，那种基本上可以没有任何瑕疵，另一种是这种密集型的，更难掌握它的规整和形态，就需要靠拍照的技巧营造出不同的效果，有点小作弊啦。
作画的过程中也知道了哪些笔，哪些纸比较好用，创作到了一定程度，对作画工具是有要求的了。
密集型的又画腻了，又转画稀疏型的，这次用了更大的纸了，全开109x78cm。这一幅又让我发现了新玩法。
第十幅：仰望
规格：全开109x78cm
大家能看到有一只鸟儿吗？这一幅也是没有设计，随意画的，画着画着，在鸟儿的地方我不小心蹭到未干的笔水，可以说整幅画都被破坏掉了。怎么办呢？看着那个地方，竟然看出一只鸟儿的轮廓来，于是就有了灵感——何不把这只鸟儿的轮廓填充，既能掩盖墨水的瑕疵，又有鸟儿的形态出来呢？于是就尝试了用不规则的网状来填充，效果还挺好。
后来看整体图，如果这只鸟儿的体格再大些，这幅画的比例就更好了。可是，我压根没想过要画鸟儿啊，它自然出现的，就不要再强求它的比例了。不过，这一幅又教会了我：有些地方有瑕疵，是可以用办法把它“变废为宝”的。也就是说，在作画的过程中永远没有错误，只有要去画，哪一种呈现都是正确的。
第二天又继续画，这一幅更加自由。画完体会到那种彻底的释放，把内在所有的能量也好，压力也好，都释放出来了，回归平静。一个字：爽。
第十一幅：自由
规格：全开109x78cm
最后一幅，学习了第十幅的方法，做了一些变化，效果还不错。
第十二幅：珊瑚与珍珠
规格：全开109x78cm
这一幅你看到什么了呢？有人看出了河流，而我看到了两个大大的贝壳。这种不规则网状的陪衬，产生了一点不一样的韵味。抽象的画就是每人看出每人心中的景象，这一点是最为有趣的。
这一幅我挑战了一口气长拉1米的线，因为太长，我的呼吸也不由自主要随着手的节奏而产生一吸一呼，变得缓慢而延长。呼吸一旦快于某个频率，线就会出现不均匀。我发现越长的线条，需要用到的呼吸就越慢，呼吸的速度也要随着手的滑动进行。吸进一口气，随着手的滑动慢慢吐出，再吸一口，再吐出，像极了游泳。这一点也像极了打坐冥想时进入平静的状态，那种缓慢的呼吸。而作画的时候，身体是在动的，而呼吸是平稳、平静的，这是非常美妙的体验。这真的算是名符其实的“冥想画”了。
家里满地都是画
以上就是我过去两周以来的尝试，我每天都在创作中度过。这种画给我带来非常多的震撼和体悟。它和线条曼陀罗一样，体悟到的东西也是一样的。具体大家可以阅读这篇文章：《4年曼陀罗绘画给我的禅悟》
我由衷地感谢自己学习古筝的经历，虽然自从开始写作后，我已经没有再练琴了，能弹的曲子都还给了老师，可它不仅让我在写小说上找到一种律动感，现在还帮助我画冥想画，它真的是我的底蕴，所有的学习、质变都好像从它那里出发一样。这也让我意识到——当我们真的用心去做一件事，它所储存在我们体内的能量，会在我们人生的某个节点助我们一臂之力。
它也让我意识到，世间的万事万物，都是各自的老师，当我们与每一件事同在，万物就归一了。
莺之巢社群有很多小伙伴在画这种画，那天我问了大家一个问题：我们画这种画的最终目的是什么呢？我们为什么要画画？
其实，当我发出这个问题才意识到自己问的是个傻问题。哪有为什么画呢？不为什么啊。就是想画啊。如果真的要说出个原因来，那就是在画的过程中，和深处的自己相遇、相处，从而得到某种驱使，让我们去探索，去尝试，去突破，去接纳。如果说，它真的有目的，那就是让我们达到无我的状态，对上苍心存敬畏和感恩。
用一句话来总结：
真正的创作，没有标准，也毫无目的。
真正的创作，让我们产生敬畏和臣服。
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