以前想拍张照片是件很困难的事情，拥有一张照片更是一件很珍贵的事情。
那时不像现在，拍照片需要到专门的照相馆里拍，相片还是黑白的，既无法美颜，也无法修图，甚至无法在拍完就立刻看到自己的样子，几天后才能洗出来。
而现在呢，各种数码相机，一键成像，不满意可以再多拍几张。随着技术的发展，甚至可以随手拿起手机抓拍，可以直接修图、调滤镜、甚至修复身材。
在这个全民都是摄影师的时代，真的每个人都称得上一个合格的摄影师么？也许你需要了解的更多一些，才能在全民摄影中更突出一些。
摄影不只是按快门的工作
十九世纪的伟大摄影师并没有先进的摄影器材，但他们依旧可以创作出伟大的摄影作品，靠的就是摄影师本身强大的艺术创造力。
身为摄影师光会使用机器是不够的，相机只是一个工具，就像一支钢笔，或是油漆刷，它不能自己创造有效的想法。
作为艺术家最大的礼物就是做自己
身为摄影师，你所拍摄的照片，眼中所看到的事物，心里所感知到的情感，想要传达和表现的照片，都取决于你自己。
有时照片对于他人来说毫无意义，但对于每一个摄影师来说，一张照片便是所有。这张照片，拍摄时不一定是最理想的状态，也不一定是最心满意足的作品，但它却在之后的变幻中，影响了摄影师的职业生涯，甚至也影响到了摄影师的心态。
《同卵双胞胎》 Diane Arbus
《畸形人》 Diane Arbus
《公园中拿着手榴弹玩具的男孩》 Diane Arbus
摄影师必须要了解和使用照片的视觉语言
大家在赏析摄影作品的时候，会发现照片有很深的情感和故事性。但其实所有的一切感受以及故事的结果都是观众的理解和解释。照片本身是没有内在的叙事性的，它们也不讲故事，但它们有自己隐喻的视觉语言和符号。
摄影师必须要了解照片的语言，知道怎样使用这种视觉语言，去构建画面，诠释意义，从而表达自己的内心。
或许，明白一些规则 ，能让你更好的表现自己的才能。
摄影师拍摄前所作的五项决定
1. 细节：考虑把相机对准什么？
摄影师应该充分融入眼前所发生的事件之中，并且以全局的观念，在头脑、眼睛以及身体高度配合的状态之下，作出精妙判断。在拍摄前，不管看到什么，都要做一个选择，你想让相机对准谁，你想要拍摄什么主题都需要你去考虑。
《Nude》 Edward Weston
2.框架：考虑取景框中包含的内容以及排除的内容。
哪些内容是你想要表现的，就出现在取景框中，哪些是不需要表现的，就排除出取景框。作为一个用视觉语言讲述故事的人，你应该对取景框内所有的元素负有责任。如果某样事物出现在取景框内，那是你选择让它入镜了；如果它不在取景框内，那是因为你没让它入镜，或者是忽略了它。
《伊戈尔·斯特拉文斯基》 Arnold Newman
3.透视：从什么角度，以及如何接近。
好的摄影师都知道自己应该站在哪里，摄影师每一个小或大的选择都可能创造出一个新的作品。好的照片常常依赖于恰当的拍摄视角，也许有时只需要将相机移动几厘米，也许有时只需要你移动一下脚步，就能显著地改变画面的构图，带来不一样的视觉感受。
《The Thinker》 Hiromu Kira
《Arabesque》 Rutger Ten Broeke
4.时间：我们记录的那一刻（瞬间）。
绘画可以一遍一遍的修改，雕刻可以一遍一遍的凿刻，但摄影按下快门的那一刻就是完成作品了。对于每一个摄影师来说，一个时刻便是所有。这个时刻，是赫拉克利特口中无法踏入两次的河流，转瞬即逝；而在这一个时刻，摄影师当下的心态以及思考，亦决定着这张照片是否能够被刚好捕捉，以及通过什么样的构图，什么样的角度，什么样的焦点捕捉。
《圣拉扎尔车站背后》 Henri Cartier-Bresson
5.事物本身：理解现实与照片之间的区别，这是我们对现实的诠释所产生的。
客观来讲，现实中人观察到的是连续影像，经过人大脑的抽象加工，形成一定的理解认识。而照片记录的是其中一个瞬间，大脑是没有机会进行抽象加工的，所以拍出来的照片与现实中会有一定的区别。
摄影师需要自己来决定想要的是靠近现实还是远离现实，要明白你拍的照片与现实的区别。
在动手前多思考一些，也许能得到更多。
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