姑且称呼为白胖同学吧，首先非常感谢你的问题，都是很好的问题，也引发了许多我自己的思考。其次呢，为你能够有一段长时间的法国学习生活而感到羡慕。
接下来的回答，可能会扩充很多很多东西，包括大量的画作。如果有耐心的话可以漫漫看。
那直接进入正题，我先概括一下你的提问吧：
一、有哪些值得推荐的城市建筑速写大师。绘画的过程中如何令画面富有层次，如何对画面进行取舍。
二、怎么样叫做为自己的画注入灵魂？作为一个画者，前进的动力是什么？
三、当搞艺术的人在逛博物馆的时候他们在想什么？鉴赏一幅画作，应当听从直觉还是学习知识？
四、如何理解当下的抽象的艺术形态？
五、艺术在进步吗？如何进步的？
这里首先回答第一个问题，如果说专注于建筑速写这一块的大师的话，我确实不是很清楚，因为对于大多数画家来说速写是一种练习的手段，所以很少会把作品以速写的形式留存。但是我可以从我擅长的领域给你讲解一下对于建筑速写的一些理解。也会在其中向你推荐一些值得参考的作品。
首先无论是什么速写，是人物速写也好，风景速写也好，他首先是一张画。画面上永远存在着你需要最先考虑的两个东西：
构图、主次。
可能很多人并没有发现，世界艺术史上，直到19世纪30、40年代摄影术较为普及后，现代人们所熟知的构图模式才开始被画者们大范围的开始使用，简单举例便知：
《芭蕾舞教室》——埃德加·德加
《新奥尔良棉花事务所》——埃德加·德加
对于这样的画面你一定很熟悉，画面的边缘，物体被裁剪，被取舍。而在摄影发明之前，绘画是这样的。
《亨德里契娅在河中沐浴》——伦勃朗·哈尔曼松·凡·莱因
《以马忤斯的晚餐》——伦勃朗·哈尔曼松·凡·莱因
画面中，画家保持着严谨的构图准则，没有任何一个部分被裁剪。更不用说这幅著名的《最后的晚餐》
《最后的晚餐》——达·芬奇
说了这么多，就是顺带回答一下你对于艺术是否有进步的问题。艺术无论是从形态上，还是技术上，的确是一直在进步的。具体的我会在回答具体问题的时候更加详细的和你聊聊。
那回到第一个问题上，如何能够让画面的层次按更加丰富。首先在构图上，一个富有韵味的构图是经常被画家们所使用到的，具体可以参考很多摄影的构图法则。画面中通过透视关系，隐藏的线条，画面的上物体的形状来呈现构图的美感。这里推荐杨晓利老师的摄影公开课，会让你对构图有很多新的看法。为什么推荐摄影的构图课程呢？因为刚刚也说了，绘画发展到现在，实际上很多绘画构图是向摄影学习的，理解了这些现代摄影的构图技法，对你的画面构成更有帮助。
接下来我们聊到主次，这我可以再举一些印象派的例子来向你作答。
这里依然要举例到一个近三个世纪以来无法绕开的一位大师——莫奈。
额这里本来想贴图上来，但是不知道为什么好像传不上来，可能有版权的限制吧。我就写名字，然后你自己搜一下。反正谷歌比百度好用多啦。
《蒙特戈依的街道》以及《圣德尼大街》
这两幅画是1878年6月法国举行世博会时，莫奈为庆祝世博会而专门作的两幅画作。那么我举例这些油彩画作有什么意义呢？
仔细观察画作里的旗帜，莫奈通过色彩的纯度准确表达了旗帜在画面中的前后关系，通过透视将房屋的空间感明确的表达出来，这些都是非常值得学习的例子。
同样的还有很多，《Rue De La Bavolle》、《圣日耳曼·俄赛罗教堂》、《圣拉查尔火车站》（又译“圣拉扎尔”）、《卡普辛大街》。
以及毕沙罗的 《路上的阳光》、《蒙马特大街》
通过学习这些油彩作品，观察其中画面的组织关系，将这些东西表现为线条的轻重、疏密，相信你可以学到更多。因为无论我用多少语言去描述，不如给你一些作品去参考来得实在，所以我就不在这个问题下赘言了。
关于学习速写的技巧，我在知乎上有一位非常喜欢的钢笔画学习者，他在一个回答下已经讲得很详细，如果我讲的话也和他差不多，不如去为他点个赞。你可以参考他的路途。这里给出链接，记得点下感谢。
另外关于我认识的欧洲速写的大师……这里实在是爱莫能助，我认识的那几个艺术家都是做行为的。因为我本身也逐渐放弃走架上绘画这条路改做数字艺术，所以认识的人自然也不一样了。
接下来回答第二个问题：怎么样叫做为自己的画注入灵魂？作为一个画者，前进的动力是什么？
这里直接给出我之前的一个作答。如何理解绘画里的灵魂
首先我认为，例如钢笔画的那位李老三，他在绘画的过程里倾注了很多了心血，其中包括了很多学习的过程。绘画的灵魂这个东西，真的很虚。拿国内的艺术圈的一些环境举例吧，有时候你不能否认有人是出于功利的目的去作画的，有人是出于某些郑智因素去作画的。那画作没有灵魂了？我不这么认为，显然，肮脏的灵魂也是灵魂。
那作为一个画者，前进的动力是什么呢？
是进步。
只有当自己能不断回头看到自己的进步时候，才能有走下去的动力，也正是这样，当自己看不到自己进步的时候，常常会感到无助，进而想到放弃。
实际上这样的状况并不少见，至少在我绘画的人生中出现过五六次，但经历过一两次之后你就知道，这是你突破瓶颈的一段时间，正因为你的眼界变高了，你会觉得自己特么到底在画些什么垃圾，会变得很焦躁。希望你能熬过，一旦这样一个时间段坚持过来了，从所谓的Uncomfortable Zone走出来了，你又会充满了能量。
保存你的作品，让你时刻都能知道你在向前走，这一唯一的办法。另外，少比较，多学习，保持谦虚。一旦你认识了一些艺术上的朋友，你们会有很多艺术形态上的分歧，保持谦谨的心态多向别人学习，你会收获更多。
再回答第三个问题吧，当我们这种人在逛艺术馆的时候再逛什么？
现在的艺术馆展出很多东西实际上是很难理解的，但是无需担心。
如果你看得懂，那你还看个什么呢？
这是我对学习的一种态度，希望你也能够接受。尝试去接受那些不能理解的未知，无论是坏的，好的，我们都应该在充分了解后，再去做出评价。
实际上当代美学已经对艺术做下结论，认识到艺术是不可被定义的，正因为在当今时代下它与作品背后的故事结合的愈来愈紧密，他的可定义性会越来越低。艺术正作为一种每个人心中的哈姆雷特而存在着。所以我们去看艺术馆，除了结合自己所学的艺术知识，艺术历史，还要去想尽办法理解自己的所感兴趣的作品背后，到底发生了什么故事。
这里我向你推荐一部电影《这个男人来自地球》，去看看那些所谓的知识渊博的科学家，在面对未知、不能理解的事物时，所展现出的惊讶与弱小，以及人性中负面的东西。
我想作为一个混艺术的，说的有点难听哈，应该对事物有更多的包容心，与好奇心。这样的你的路途才会越来越远，不要被所谓的知识局限了思维。
今天暂答三问，剩下两个问题，我希望能再深入些向你作答。
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