丹纳（Hippolyte Adolphe Taine）是 19 世纪法国一博闻强识的哲学家， 1864 年应巴黎美术学校之聘，担任美术史讲座。《艺术哲学》便是其课程讲稿，他从自己研究艺术史的方法出发，论述了意大利、尼德兰、古希腊的艺术。其从种族、环境、时代出发的研究方法也启发了许多后来者。
以下便是本书的一点笔记：
艺术品的本质
丹纳的一个总出发点便是：艺术品决不能孤立地来看待，首先一件艺术品属于其创作者的全部作品；而某一个艺术家则属于同时同地的艺术宗派或艺术家家族；最后，这一派的艺术家这属于趣味一致的社会，欣赏艺术品的人和艺术家都收到风俗习惯和时代精神的影响。
所以研究艺术品，其实是要研究其背后的社会环境。
首先，得给艺术品下个定义。不出意料，丹纳选择从艺术家创作的角度来进行论述。
像绘画、雕塑这样的艺术作品早期通常是一种「模仿」的创作。画人、动物、风景，雕刻一个人体，都是尽量模仿现实中存在的东西。由此延伸出一条创作之路，就是越逼真越厉害。文艺复兴时期，画家和雕塑家们对人体解剖学如此了解，就是为了再造逼真的人体。
但艺术的目的仅在于模仿吗？非也。这个自然世界，我们自己每日都能见到，何必再人工创造一个同样的世界呢？作者举了德国画家丹纳（Balthasar Denner）的例子。他借助放大镜作画，将表皮底下细小的淡蓝静脉血管都还原了出来。但这样耐心的作品，却不如凡·代克（Anthony van Dyck）的一张速写肖像来得豪放有力。
而艺术的发展也证明了这一点。从具象到抽象，从客观事物的描述到内心世界的展现，都指明了另一条道路。
其实艺术家的创作，很多时候是遵循逻辑的，这种逻辑便是理顺事物之间和内部结构的关系，找到其主要特征（本质），用创作将其凸现出来。可以理解为一种高级的「模仿」，将现实做一个抽象变形，让观看者感受到复杂而又模糊的现实之下的本质。
艺术的目的就是要把这个特征表现得彰明较著；而艺术所以要担负这个任务，是因为现实不能胜任。在现实界，特征不过居于主要地位；艺术却要使特征支配一切。特征在现实生活中固然把实物加工，但是不充分。特征的行动受着牵制，受着别的因素阻碍，不能深入事物之内留下一个充分深刻充分显明的印记。人感觉到这个缺陷，才发明艺术加以弥补。
这就对艺术家提出了一个很高的要求，他（她）必须能敏锐地捕捉到事物的本质，意味着其感受力要比普通人更强，能感受到寻常事物的冲击。因此大多数艺术家都情感丰富、敏感细腻。
在此基础上，丹纳给出了一个定义：
艺术品的目的是表现某个主要的或凸出的特征，也就是某个重要的观念，比实际事物表现得更清楚更完全；为了做到这一点，艺术品必须是由许多互相联系的部分组成的一个总体，而各个部分的关系是经过有计划的改变的。在雕塑，绘画，诗歌三种模仿的艺术中，那些总体是与实物相符的。
可以看到，这个定义强调的是目的。
除此之外，建筑和音乐不从自然界中的实物出发，从开始就不是走的模仿路线，而是用某种数学关系来表现特征（如建筑组件的形状、大小、间隔，音乐中的节奏、音高等）。
但不论建筑，音乐，雕塑，绘画，诗歌，作品的目的都在于表现某个主要特征，所用的方法总是一个由许多部分组成的总体，而部分之间的关系总是由艺术家配合或改动过的。
最后，丹纳回归到艺术的重要性上。为什么要有艺术呢？我觉得他这个回答很好：
到了这个阶段（生存无忧的阶段），人类才开始一种高级的生活，静观默想的生活，关心人所依赖的永久与基本的原因，关心那些控制万物，连最小的地方都留有痕迹的，控制一切的主要特征。要达到这个目的，一共有两条路：第一条路是科学，靠着科学找出基本原因和基本规律，用正确的公式和抽象的字句表达出来；第二条路是艺术，人在艺术上表现基本原因与基本规律的时候，不用大众无法了解而只有专家懂得的枯燥的定义，而是用易于感受的方式，不但诉之于理智，而且诉之于最普通的人的感官与感情。艺术就有这一个特点，艺术是「又高级又通俗」的东西，把最高级的内容传达给大众。
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