古今文人画刍论
刘阳
文人画的提出是宋代苏轼、米芾等人倡导的，把绘画定格为文化修养与高雅鉴赏，将诗、书、画融而为一，尤其强调笔墨、水墨的趣味。殊不知，中国画千年历史，一直是士大夫与文人的“历史”。汉代六朝以前，中国的绘画大都是民间画工、画匠，沿续着中国各个角落的艺术，从汉末起，一些士大夫中的画家开始左右画坛。至六朝时期士大夫专业画家已一发不可收，在“唯才是举”的用人观念中，绘画开始日渐成独立的学科，并成为晋身的途径。同时，士大夫的一些画论画评的系统化，对中国画的欣赏与发展也起到了推动作用。至隋、唐、五代士大夫画家更是身居高位，俨然王公贵族，而文人画（水墨画）反而成了“野逸”以徐熙等人为代表。宋、元、明、清的画家，也大致以士大夫与文人为主，但元代以后，士大夫、知识分子画家现出了两种情况：由于种种历史原因一部分隐退山林，或在城市里卖画度日，成为在野的民间画家；另一部分则效力于宫廷，成为所谓正流派画家，这其中文人画以倪云林为代表，但在绘画上的着眼点都是以追求形式探索为主旨。
元、明之际，市民阶层随着商业经济的发展壮大起来，所以原本“文化的”艺术，开始向通俗的市场靠拢，加之印刷术的完善，作品、书籍刊印已成为风习。
至明、清，文人画日渐颓落，要么师法古人成为“八股”，要么为生活而鬻，然而徐渭等人的水墨写意画，却极有力地支撑着没落中的文人画。有的转向狂、怪，直至出现“扬州八怪”，但最终分成了“仕人画”与“小品画”。
从历史的角度看，文人画的愿望是好的，文化起点是高的，可从作品的内涵与质量上讲，又存在“诗化”文学化的无耐与过于随性、随意的粗制滥造，甚至走进牵强附会的图解之中。历代“仕女画”注重写生与“究理”，而文入画由于从“意”的角度入手，导致了摹仿风与抄袭风的病态沿续，那种只表现“折枝”“角落”的狭隘，阻碍了中国画的发展。
新中国成立后，以徐悲鸿、齐白石为代表的一代大家，借鉴西方与苏联艺术观念与教育体系，通过建立倡导科学专业的美术高等教育与艺术实践，强调艺术源于生活、注重科学的写生创作，扭转了文人画的颓废，从题材到技法大刀阔斧，大块笔墨，淋漓酣畅。这期间，学院派日渐成为艺术主导主流，学院派注重构成、结构、造型、写生、透视、变形、线条、体、面与色彩的全方位科学化与超前意识，而民间画家依然在走着临摹与笔墨情趣的老路。自八五年以后，出现“新文人画”。其实，这些由学院派画家倡导的新文人画，已不再是以往意义上的文人画了，而是笔墨小品与戏作。
在文化日渐普及的高科技网络信息时代，信息、知识层面与结构层次，发生了极大变化，文入画今后应如何发展？再只表现以前的小桥流水、庭院小脚女人、神话传说，估计是不行了。新时代文人画应更突出新时代文化与时代面貌。
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