素描学习中经常出现的一个误区，即忽视观念，单纯迷恋技术。我们今天来举个例子，说明一种观念是如何引导技术的，而技术又是如何体现观念的。文艺复兴和巴洛克时期的艺术，比较强调塑造的造型风格；我们就先请出达芬奇老爷子吧。
寥寥几笔，跃然纸上，为何？只因为画的全是关键地方，造型已经塑造起来了。画写实素描或油画，最关键的一步就是塑造，即创造立体感。立体感如何体现呢？方法很多种，各种画法的分歧也就在这里。达芬奇的做法是将所有物体都看作一个基本的几何体，比如人脸，那就是个球嘛，球遇到光会呈现什么样的效果呢？
答：会非常明显地体现出黑白灰三大调子。来看这张画，尤其注意脸和头发那片大面积的调子，是不是对应球的暗面呢？颧骨和鼻头，鼻梁之类的呢就对应球的亮面，别的地方呢？统统归到灰面里去，比如这个额头，在粗略的划分中，它就是个灰面，不必多费笔墨去抠细节了，至于原因下面会提。
鼻子也是同理，就一圆柱嘛，圆柱怎么画？大伙都会吧？但是！人脸并不是一个完全的球，上面还有许多起伏呢，鼻子，嘴，眼睛在人脸这个球上的突出程度就完全不同，这种情况下关系该如何协调呢？答曰：找高点。越高越突出的地方，它在强弱关系中的地位就越弱，处理就应越简洁。比如这幅画腿的：
整个马腿可以看做是一个圆柱，然后大腿上还有很多肌肉块——我们把它们看做『小圆柱』；我们可以发现这个规律：处于越高点的肌肉块，它的对比（刻画程度）就越是弱，处于大圆柱体最高点的小肌肉块干脆就不咋画了，但是基本关系依然存在，并紧紧依附在大圆柱体的关系内，这样一来主次分明，作为更大整体的马腿的体积感得到了保证。同理如果是人头，那么位于比较高点的五官，其刻画程度就不宜太过。为了区分开三大面，我们有必要在三大面的交界处多下功夫，这就是老师经常说的『强调明暗交界线』的原因。还拿这张马腿习作举例，达芬奇的主要笔触都集中在了形体的转折处，也就是明暗交界的地方，至于亮灰交界则直接留白了——这样一来留出来的那些明显可辨的区域，就是亮灰的交界处。可以看看这个鼻子是如何分三大面的，试着体会强调明暗交界线以及白粉笔明确提亮所体现出来的『紧实感』。
更好的例子是第一张头像，脸颊的亮面很好地留了出来。但是要特别注意，亮面也是有明度变化的，因此他只留亮了最高的点，其余亮面则弱了下去。假如我们不加思索地四处提亮高光，比如提亮了额头——那就表示额头是最高点，这很明显与事实不符，这样一来会破坏人脸作为球体的明暗规律，不仅减弱了大型体的立体感，还导致画面混乱无主次。
来看反例，这还是某素描教学书的封面呢……这很明显是亮面画乱了，体积也没了。所以说啊，要画光影类型的素描，还是要好好找个合适的、容易体现体积的光源。
此外还要额外注意达芬奇对于边缘的刻画。欧洲的写实绘画一直强调画面形象的突出，要易于『分辨』。文艺复兴时期的绘画更是如此，十分强调剪影的轮廓美，因此轮廓的描绘力度是非常大的。大家还可以回头去看看那张马的素描，轮廓刻画有多么清晰，在画面中所占重量有多么大。
但和更早期的凡艾克还不同，达芬奇描绘轮廓时会强调分量感比较重的地方，比如下巴，脖子，大的肌肉块等等。以上提到的轮廓，其实是从二维的角度来说的；在真实世界中，轮廓是什么呢？它其实是物体向第三维空间转折的面，只不过在二维的纸上体现为一条线而已。因此注意啦，在追求写实、追求体积感的画法里，轮廓线绝不能被仅仅当做一条二维的线来处理，正相反它应该是『体现向后的转折关系最终融于物体边缘的』，一条三维的线。所以请看这张肖像的脖子，轮廓线不仅仅是规定了外形，还与形体的转折有着密切联系；达芬奇画了很多顺着物体转折方向的线条，最后都消失在了边缘线。如果画的更细致一些，就应当是这样的，边缘线完全消失，与物体融为一体。
按理说这个不值得大讲特讲，然而某些画法里对造型的理解是照相机般的『焦点法』，即中间实，边缘虚。我想说，这是按照照片的逻辑去认识物体，不是从现实世界的角度去认识的，我们要忠于自己的眼睛。好了回过头整理一下，说白了也就是：强调边缘，三大面区分开，交界处紧实，面与面之间的强弱关系处理好，形体塑造起来就算达标，想不想深入刻画随意。知道了该画什么，那我们就明白了单纯的刻画能力在这里并不是关键，在达芬奇这里，准确的造型，明确的三大面，微妙的边缘才是重点。你说描绘细节能力爆棚，抹擦技术无敌，那也很好啊，只要你用对地方就行。油画同理，还可以在此基础上延伸出去。这种素描，我们只是抛砖引玉，提供一种思路。如果你想通过阅读这篇文章立地成佛秒变大神，那么好吧，以上这个总结的有效性，仅建立在『你对达芬奇这类绘画比较认同』这个基础上，否则真不能帮你太多，还容易把你原来的路子带偏。所以尤其是高考生们，千万别不看大前提就随便试。总结的也只是个人观摩所得到的结果，并不代表达芬奇本人，他也许在实际操作的时候有另外一套理论，那就不得而知了。
图文来源：互联网
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