日本近代西化的绘画技法篇章分析-美术史
《看日本美术的眼睛》
这本书本来没觉得能看下去 结果至少前半部 关于美术方法的内容是比较明确的 是值得逐字细读的
如开篇对日本建筑的新旧之分不在于建造时间而在于其中寓意的年代 如涉及日本人和西方人对于灵肉一体和灵肉分离的区别
最有共鸣的部分还在于绘画的三维视角 即透视观 即日本古代绘画擅长由高处俯视的大视角 但涉及到街市的每个细节人物都是采取的平面的细小描摹 体现出来的事移动性的多视角效果
同为东方国家的我们这一代人的美术教育 从小学起学的基础素描就是透视法 近大远小 明暗光源 这样反倒对日本的多视角移动的作画手段不好理解了 而明治近代的江户绘画工匠对西洋的画家单一绝对视角产生的绘图效果 也是震惊而难以消化的
作者以安井曾太郎的“金蓉”一画为楔子 细致讨论了即使留法多年 师从巴黎学院派的日本近代画家 所表现出的油画人物肖像 也难以摆脱日式的平面感 这种平面感从坐姿模特远端的肩膀没有以近大远小和弱化色彩明暗来表现 反而刻意勾勒出来 一方面人物的坐姿显得别扭不自然 但另一方面也可能是画家根深蒂固的概念 or刻意为之
另外也提到了马奈和塞尚在欧洲学院派绘画风格渐渐走向印象主义的先驱性作用 而对于风景画 塞尚的作品也提现了强烈的空间感 这里提到了塞尚的用圆球 圆柱和圆锥来体现物体的理论 也进一步强调了 欧洲绘画对于物体任何时间都是弧面都是立体的三维的概念 而日本的绘画 有如立方体的截面 会产生有一个截面确乎是平面的 二维的事实 这样 日本绘画的空间感就不是以透视为基础建立起来的 而是某种意义上的留白 比如即使前景已是西洋风格的画作 背景却无风景衬托 而留白 或为单一金色
其次是关于构图的思考 即画外有物 而画中却只是部分 这种以局部反映整体的构图思维 比如频频在日本画作如梵高喜欢的歌川广重的绘图 前景出现的树干树枝 以及垂枝的展现 这种构图 在之前欧洲学院派的整体性画作中是不存在的 但后来也被莫奈运用到他对睡莲的构图中
还有对行旅图画卷展现出的是主角一段旅程中和自然的关系和人们的见闻关系体验等 作者指出 西方也不乏具有宗教意义的旅行主题的绘画 但和日本的行旅图不同的是 西方宗教绘画重人物重一幅画表达的故事的完整性而轻自然 重结果（旅行）而轻过程 这是这些绘画的本质区别
关于装饰意义 其实西方也有 但日本的装饰艺术也算比较古老 盛与安土桃山文化 就是我们熟知的日本战国时期 这里提到了织田信长的安土城 提起了在这个时代的装饰工匠（那时画家不是艺术家 而是工匠）狩野永德和长谷川等伯二人 同时也拿安土桃山文化里装饰艺术意味深厚的画作与中国的绘画进行了比较 引用了宋徽宗对日本金碧辉煌的装饰画的不屑
想起这个觉得有些意思 日本古代重色彩重豪华 中国古代重水墨重写意 可到了现代如今 似乎中国的日常服饰 装帧 舞台各方面都是色彩比较浓重的 而日本相对则趋向于单一和冷淡质朴
这种变化 也许根基还在用民族的多样性 中国以汉为主导的文化艺术在满清时期则转变成凸显高调又多色的帝国气派 疆域的扩张带来民族的融合 少数民族的色彩融入和影响主流文化 从此宋朝那种写意单一轻松飘渺的素轻感似乎被五十六个民族开满各色的花 布满眼花缭乱春晚的舞台所取代了
而反观日本也是 安土桃山是群雄争霸 各地域大名争夺政治权势的时代 实力强劲的大名为彰显自身的豪气 也自然会青睐金碧辉煌 充满装饰意义的屏风 卷轴。服饰等来提现自身的气派和野心
当然以上与此书无关 是我个人延伸出来的一点拙见
后篇关于学院派 前卫派及历史的演化 四季美学 文字和传统 感觉看起来有些游离 对主线和观点的阐述 有些松散和不明确
但总体而言 这本书的思想 观点和所包容的知识量 超出我的预期
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