与文字相同，摄影是一种包罗万象的艺术方式。人文、旅行、社会、自然，统统可以用在一张平面上得到充分而深刻的表达。文字可以锁在书斋中，但摄影必须放逐于天地之间。一沙一世界，一叶一如来的境界在此处可以得到最充分的展现，而且这种展现是如此的亲民以至于寻常百姓都可以接触。摄影，就是一道禅，或是一场修炼，它背后牵扯着人情冷暖众生百态。
这话大抵是不错的——世界上的每个人都在赶路，在节奏越来越快的当下，想让步履匆匆的行人停驻在某一个画面之内安然地欣赏周围的风景，实在是一件颇为奢侈的事情。然后，正是源于这种奢侈，定格在生活中的瞬间就比古老的铁器时代更加珍贵。安静的小渔村和灯塔，连绵的群山和云海，湖中的倒影与波纹，还有日本的小酒馆，法国的餐厅。意大利的咖啡店——形形色色的风土人情与自然风景值得我们花足够的时间环绕地球一一造访。偌大的世界，如果不能将沿途的光与影记录下来，在这个奇缺生活质感的经济社会，未必就有些太寂寞了。
在的青年早已经习惯了这种生活与行走的方式，卡片机或像素清晰的手机人手一部。然而，有了相机并不等于有了好风景。纪录本身并不会无条件与美衔接。生活中常常听到这样的感慨——朋友从外地旅行回来，长叹一声：地方是好看的，可惜拍照技术太差，现场比照片好看多了！
这种遗憾驱使着我们强化摄影技术，把美保存下来——对美的记录，再用心也不为过。
相对于其它艺术，摄影只要轻轻按下快门就可以制造出作品，似乎不必经过任何训练。按下快门太容易，于是多数人甚至直接跳过了对美学的琢磨，这样的快餐式拍照生产出的流水线作品往往效果不好。其实，在诸多艺术的比较中，极低的进入门坎往往暗示着升级之路必须经历更多的困难，越容易入门，就越是难以精通。
许多人只是拍照，而非摄影。当你什么都记录的时候，就等于什么都没有记录。艺术必须有取舍，有主次，有轻重。拍了之后就没再看过的照片，等于没有拍过。将生活照单全收，缺乏焦点的乏味往往反而会使回忆黯然失色。摄影并非生活的原样再现，它本身是一个复杂的创作过程，包含了对美的发现与经营。同样一个地方所摄下的影像往往大不一样，有时几分钟的风云变化就可能在镜头中转化成另一个世界。而这一切，都将用摄影者的“摄影之眼”，通过照片这种平面的媒介展现出来。
当然有人提出疑虑：单反穷三代，这种艺术不是每个人都玩得起的。确实，摄影是光与影的艺术，良好的器材意味着良好的转化空间，一台卡片机与单反机拍出来的效果是不可同日而语的。然而这并不意味着卡片机的艺术之路缺乏求索的空间。借用《易经》的一句话：形而上者谓之道，形而下者谓之器，一套优质的器材并不是通向摄影之美的充分条件，摄影中最珍贵也是最能打动人心还是照片中所体现的内心对景致的悟性与思想。摄影的基础不是技术而是美学。摄影者必须先有基本的美学观念，有自己的想法、观点，然后再通过构图、采光、色彩将之一一呈现。技术是挖掘内心画面的手段，一个好的构思往往比精良的器材有着更强的冲击效果，将相机的差距压缩到可以忽略不计。
所以说，摄影并非贵族的游戏，尤其是数字化时代的降临，让每一个人都有机会通过与光影的沟通追求平面世界的美，这也是摄影的活力之所在。
对美的追求没不需要解释，但是追求美的方法却千差万别。如何记录并且与观赏者达到共鸣就成了一件需要花心思的事情。好的作品难于先天成熟，妙手偶得的背后往往有着辛苦的练习与尝试。于是在几百年的摄影史中，摄影师们在历史的长河中累积下来了无数的摄影技巧，对于初学者来说，这些技巧的运用与熟悉是通向摄影之美的捷径。
1∶0.618——这个由毕达哥拉斯最先研究的黄金律在摄影中得到了充分的挖掘。黄金矩形、黄金三角、黄金螺旋，与黄金相关的比例往往是练习摄影构图的第一步。当然，随手而摄的爱好往往不可能如同费波那契数列一样无限接近这样的冗长的比例，于是简化成井字构图就成了初学者最好的选择。现在很多卡片机上都会有透明的两横两纵的直线，四个交叉点就是黄金分割大致的位置。将拍摄的焦点位于其中，往往会收到不差的效果。
对于没有能力购买单反的摄影者来说，构图几乎是唯一可以有所斩获的技术领域。然后这并不代表构图浅显——事实上，构图往往是一幅好的作品最重要的因素。摄影与绘画在草种程度上的相通的，都是平面二维上创造纵深的艺术，而由点到线由线到面的叠加，就成为这种平面艺术最重要的练习客体。树木、行人、云朵，那是“点”；小路、河流、高楼，那是“线”；天空、海洋、大地，那是“面”。地线线预示着稳定，对角线打造着运动，放射状表现出跃动，曲线描绘出纵深。对不同的元素做出不同的安排，其组合本身就隐藏了一种难以言喻的美。前景，背景。构图中隐藏着想像力，摄影者因此会为想像中的画面诞生而花大量时间等待。一个行人或一只飞鸟偶然闯入了黄金分割点，将会给摄影者莫大的惊喜。
构图当然不仅仅是点线面的组合，颜色的深浅、距离的远近、线条的粗细、数量的多寡，这些元素孕育着更多的乐趣。另外，选择直幅还是横横也不需要精良的器材，这简单的镜头姿势之中包含着并不简单的话语。通常来说，直幅构图：崇高、庄严、深远；横幅构图宁静、安稳、开阔。直幅显得瘦长，尤其在拍摄人像时与仰视搭配可以显出模特曼妙的身材。横幅偏于绵延，适合拍摄景物而不利于单人人像拍摄，因为其难于保持画面单纯化。一定要用，则需要纳入背景用于作为照片故事的情节；而团体人像则常常需要横幅来容纳。
技术练到了这里，也便可以买一款入门级的单反玩一玩了。对于不想“单反穷三代”的爱好者来说，省钱是关键，无需太大的阵势：一个标准镜头，一个广角镜头，一个望远镜头，一个微距镜头也便足够了。摄影界有所谓的“大三元”镜头之谓，均以16~35、24~70、70~200焦距组成，这些足以涵盖大多数摄影场合。如果没有经济能力负担价格高昂的镜头，只要焦距能涵盖到也是可以的。
单反是一个门槛。一旦踏入，就开始与专业术语打起了交道，从前身边摄影者对技术的炫耀也渐渐失去了其光环。对焦、测光、ISO、镜头、景深、滤镜、光圈、快门……精致的画面被分解成单纯而繁琐的零件，一个又一个图将从中诞生。同时，单反还将对风景进行人类肉眼所不能及的审视。车灯在夜间划出的光迹、天空在长时间曝光下显现出的蓝色——感光器材强化了人类品味自然光影的能力，而这些能力又将影响着摄影者的生活情趣。一个喜欢摄影并有所造诣的人往往对周边的世界有着更为敏感的味蕾，不需要行走到景区，摩天大楼的玻璃墙、汽车的外壳、公园的水池……这些平凡的景致都是捕捉对称与平衡的好地方。用照片述说一个故事、创造一种形式、营造一种氛围，风景背后是摄影者对美的炙热追逐。
没有单反的摄影爱好者局限相对较大，但除了构图之外，还有一种方式可以弥补器材的不足，那就是后期加工。当然，不少摄影发烧友对后期加工不屑一顾，甚至将其上纲上线到真与假的程度。其实如果说后期加工所需要的电脑与软件无法登上大雅之堂，那相机又何尝不是一台纯粹的机器？风景对于再顶级的单反也只是其毛玻璃或传感器上的图像，这与电脑的屏幕又有什么本质上的区别呢？
后期加工，早在暗房时期就已经出现，不同的编修技术赋予了相同的作品不一样的价值。数码影像时代的来临让摄影者可以精确地控制影像的每一个环节，拍照、编修与输出融为一体，在这里，科技的进步带来了更强的艺术能力，这并非画蛇添足，而是人类智慧所凝结的福音书。
其实，用真与假的标准评价摄影多多少少有些不公。一张照片含有多少真实元素才能称为艺术？再写实的摄影作品也不可能完全真实，完美一定是被制造出来的，正如完人一样。伟大背后隐藏着平凡，唯美背后掩埋着索然。而这其中的蜕变，才是摄影的精髓之所在。摄影不是为了取悦他人，而是为了表现自我，“美”本身就涵盖了人类的终极目标，而对美的追求——无论通过什么方式——总是可以净化人的心灵。
摄影是方式，重要的是方式背景的领悟与美好。快门冻结的微观世界、耶稣光或是丁达尔照射下的平凡生活、瑞利散射营造出来的蓝色时刻，这些无法被视网膜解读的景致得以在镜头中显现其风采。与其说它们是艺术创造，不如说它们仅仅为了满足人类对美的好奇心而有意无意被创造出来的诗意概念。画图背后总是有着故事，色彩与光线各自保留着自己的隐喻，有时镜头中出现的具有不明显的地方特色的风景可以让观赏猜出拍摄地点，形成一个超越时空的互动。现代化的街道大同小异，特有的景观与人文显得更加珍贵，对美的热爱刺激着我们收拾行囊出发；一个让自己心动的景致会让自己的漂泊暂时告一段落。用减法纯化场景，用浅景深单纯化背景，排除视觉干扰，靠近主体，再运用长焦距排除周边杂物——这样的走走停停，这样的专注与欢喜。
在追求美的过程中，摄影又磨练着我们的心态。好作品永远是少数，失败的多数我们不会看到。有时为了构图也会想请人当临时工，甚至用photoshop合成，但终究少了一份自然之趣。摄影需要耐心、运气和技术。心中期望已久的某个画图不会时时出现，所以摄影需要时时作好准备。摄影教会了摄影者如何对待缘份——动心的机率总是少之又少，一方面要学会珍惜，一方面又要懂得放弃。美好的事物往往不是处心积虑得到的，它需要缘分，但缘分背后，总有一颗等待已久的内心。
其实领悟到了这一点，那些林林总总的技巧，倒也不重要了。什么黄金分割，什么井字构图，但凡在历史中出现的最终会在历史上消亡，就连我们千辛万苦拍下的照片也是一样，摄影的尽头是无限的消亡。仅仅具有审美能力而没有创造出美的技术，这样的人生是令人遗憾的。然而一味遵循技术而不知变通前人的游戏公式，所谓的“美”也将千篇一律。这里，可以用Ansel Adams的那句被后人引用无数遍的名言作为收尾——那些所谓的会对摄影构图的规则都是虚假的、无关紧要的、不值一提的。对于摄影而言，不存在好的规则，只存在好的作品。
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