剧本大纲的创作要求

电影剧本大纲是创作剧本前的重要一环，他包含了剧本所有的架构，故事发展，人物组成等。

1. 计算节奏

何谓节奏？概括来说，就是精心布置“起、承、转、合”的时间点（情节点）。我原以为这是件很屌的事，后来发现，这是新人最容易上手并做好的事。

方法很简单——找一部你想要模仿的经典电影进行拉片，把每一个情节点用一句话记下来。譬如，《杀手不太冷》的开场情节点是“里昂出场杀人（身份介绍）；里昂初遇小女孩；小女孩全家遭灭口，里昂救下小女孩……”

你会发现，一部电影大致就是十几二十句话可以概括。而你，则可以先用十句话列出你故事的关键情节点，也许总计不到三百字，但你会对故事有一个全局的想象。

在此基础上，可尝试明确每一段情节点所需要达到的戏剧需求，譬如“男女主角要在这里产生误会、在那里重归于好……”

2. 扬长避短

大纲不是剧本，字数有限，总要有所取舍。标准很简单——在不影响故事流畅性的前提下，扬长避短。

何谓长？就是那些其他电影里没见过的、你已经想好的、十分有看点的内容。

何谓短？其他电影里常见的、你自己都没想清楚的内容。

譬如，你写的是催眠题材，那么对于催眠细节的新奇展示，就是大纲要突出的亮点。而在梦境里的打斗场面，若非视觉革命（《盗梦空间》），只是惯常拳脚，你就可以略写成“经过一番激烈搏斗”。

如此一来，大纲的详略程度和电影详略可能不完全匹配。譬如某一场戏，可能拍出来只有5分钟，却占了大纲十分之一字数，实属正常。

3. 突出主线

剧本的使命是指导拍摄，而大纲的使命则是吸引导演、投资方等一票读者。所以，大纲不求“全”，而求“精彩”。

完整的电影剧本，很可能有主线副线之分，且同时发生。但倘若双线互动性不高，拿掉副线对于主线故事的影响不大，则可考虑删去，避免在有限的字数里，干扰主线叙事。

对配角的处理，同样遵循上述原则。

4. 画面化

电影是通过声画来讲述故事的，所以优秀的剧本几乎全部是台词和画面，这和夹叙夹议甚至还有心理描写的小说有巨大区别。

新手在写大纲时，最常犯的错误就是，不能用画面展示内容。当故事讲到一半时，硬生生地开始解释——

详细介绍某种概念、技术原理；

某个机构的职能；

某个角色的前史/性格/信仰（他谈过三次恋爱/一向是沉默寡言/信仰佛祖的人）

某个幕后真相（以“原来”“其实”等字眼为标志）

……

这种写法，除了画面难以表现之外，它还打断了阅读节奏，很容易让观众出戏。究其原因，是你所插叙的内容，都不是在“当下发生”，逼迫观众去切换对于时空的想象，甚至切换左右脑的感性/理性思维。

经验表明，如果你需要大段阐释，很有可能你没有把这个问题想清楚。一般来说，复杂的问题也可以用一句简单的话表达个大概意思。如果你想不到这句言简意赅的话，那就……再好好想想。

5. 发生两次

已有之事，势必再有，这是客观规律。因此，想要让观众相信人物的举动，减少刻意的“编造感”，不妨提前铺垫细——这是我个人非常喜欢的手法。

举个最老旧的例子，某一个反复出现的铁质酒壶（打火机或者ipod），在前半段以信物的身份担当了推进角色情感的功能，到最后则有可能拯救了主角的性命——在胸口的衣兜里默默挡下一颗子弹。

适当的铺垫，会让观众有一种前后呼应的快感。也让故事有一种完整感。

6. 惜字如金

大纲字数有限，所以容不得半点浪费。但我们在创作过程中，却很容易展开来写，让场景的百般细节清晰地呈现在眼前，有时候甚至会细化到譬如A和B谁先上的计程车，主角当时在餐厅吃的是龙虾还是扇贝……在发散思考的过程中，这些细节会有助于我们去具象化每一个画面，激发更多的灵感，但当我们回头检视时，会发现很多细节对于主线故事是没有帮助的，甚至因为过于详细冗杂，干扰阅读。

大师傅说，细节是我们“过河”的工具，当我们跨过了河，就应该狠心“拆桥”。

另外，角色的名字尽可能简单好记，若是三个字的名字——譬如陆焉识——则不妨用“陆”字代替，以减轻读者阅读负担。若角色姓名出现一百次，你就省下了200字，而大纲有时候甚至只有2000字。

7. 逻辑关系

在剧本和电影中，一些不相关的场景可以通过剪辑生生地拼在一起，平行叙事，强制观众去接受，但在大纲阶段，读者很少有这种耐心，对于“一气呵成”的要求远甚于剧本。

这使得，要加强每一场戏、每一个段落之间的关联性。

最好的关联性，就是紧扣时间先后顺序，以及因果关系。次之，就是空间和声、光效应上的呼应。譬如从喧闹的演唱会现场切至夜店现场。在段落与段落之间，要加强文字上的呼应，譬如“自那之后”。

以上写的都是纯粹的写作技巧，并不完全是故事创作技巧。关于“主题”“人物”等永恒问题的讨论，以后再撰文细谈。

剧本大纲的创作要求