自学摄影理论——笔记（11）
《摄影的精神》第四章 在路上（下）
在将要完成第四章的笔记开头，先总结一下摄影发展在20世纪70年代前后的几个重要趋势：
1、从黑白到彩色；
2、发掘平凡事物的美学潜质；
3、从富于表现力到低调、中立的风格；
4、与艺术界的连接。
作为本篇笔记的线索，它们是相互交织的，摄影的发展已经逐渐变得复杂，再难整理出一条清晰的路径。为了方便记忆，我用这个时期两个最重要的展览来组织起这些线索。
MoMA 埃格尔斯顿个展（William Eggleston） 1976
在20世纪70年代初，还有不少人对彩色摄影有偏见，认为它是广告、是庸俗、是“严肃”的对立面。直到1976年，萨考夫斯基为名不见经传的威廉·埃格尔斯顿（William Eggleston）在MoMA举办个展，那些就像是随手拍的彩色照片在引发评论界广泛争议的同时，彩色快照的美学从此一锤定音。
随展览发表的“指南”《Guide》，也成为了当时最有影响力的著作，色彩在严肃摄影的领域破壁而入，摄影也通过这些照片再次证明，庸常之物自有其美。
新地形（New Topographics）1975
虽然在时间线上，1975年的「新地形」摄影展早于Eggleston 1976年在MoMA的个展，但本书却将其放在后面去论述，我觉得作者是有其考量的。因为如果要论对后来摄影发展的影响，也许「新地形」确实要比Eggleston要更深更远。
美学源流：埃德·鲁沙（Ed Ruscha）的“劣质”摄影集和贝歇夫妇的新类型学
1962年，波普艺术家鲁沙开始制作小型且劣质的影集，标题如《26间加油站》、《34家停车场》等，且内容如标题一样，就是26张加油站的照片和34张停车场的干巴巴的照片。
60年代中期，德国画家伯恩·贝歇和他的妻子希拉·贝歇开始拍摄西欧的工业遗产，把水塔、矿井、高炉等建筑用一种类型化的、平淡的、毫无表现力的手法拍摄下来。这是20世纪20年代后期德国新客观主义和类型学的回响（参见笔记04“欧洲新视野支流3”）
展览：新地形：人为改变的景观（New Topographics：Photographs of a Man-Altered Landscape）
两项基本主张：
1、新一代的风光摄影师要关心的是城乡之交，是人与自然的杂处；
2、与上一代富于表现力的摄影师相比（如安塞尔·亚当斯的优山美地或者威廉·克莱因的纽约街头）这一群摄影师采用的是低调的、中立的、无表情的风格。
影响：20世纪后1/4时期最重要的一次展览
策展人威廉·詹金斯认为艺术家鲁沙对“新地形”风格有主要影响，且展览把像贝歇夫妇这样的欧洲艺术家摄影作品囊括进来，是第一次把“摄影师”和“艺术家”的作品同时展出，展览把艺术和摄影连接起来；
新地形摄影展览后10年间，引起欧洲艺术机构对摄影媒介迟来的兴趣，使得在60年代落后于美国的欧洲摄影逐渐赶上，曾一度受美国影响的欧洲人，开始反过来影响美国。
尾声
本章结束于20世纪80年代的两位摄影师的两个摄影项目：约翰·戈西奇的《Berlin in the Time of the Wall》和马丁·帕尔的《The Last Resort》，一个黑白而沉重一个彩色而戏谑，用一段原文抄录来结束本篇笔记
戈西奇和帕尔是千万摄影者中的两位，他们非常认真地促进了20世纪最后25年间的「地方摄影」（Photographs of Place）。他们把握住了摄影所能做到的最佳基本部分——把我们带到那里——他俩都找到了一条路，去凝视我们的现在与过去。
下一篇笔记进入第五章 面对面，相机面对人的身体。
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