这本书让我越看越起劲的原因之一则是，作者在顺着历史发展进程娓娓道来某个时代的艺术家和作品风格时，遇到有同母题的情况，总不忘提醒我们翻到前面，再次详看先前的其他艺术家对同一主题的创作，从而在对比中更好的领略艺术创作之美之多样。
诚如我们所知，西方的艺术史在很长的一段时期里，多是围绕着《圣经》内容来创作的。所以就着这个常被艺术家拿出来创作的 “圣母、圣婴和圣徒” 的母题，来看看四个不同时期的艺术家的创作风格吧~
先是这个威尔顿双联画，约创作于 1395年。作者贡布里希推测应该是一个法国艺匠给英国国王理查德二世画的，国王在画中跪着做祈祷。这里体现了一个 “供养人donor” 肖像出现在画中的习俗，大抵是觉得能因此而得到祝福或祈祷能有所效验吧~
威尔顿双联画
接下来的这三个图，从左到右的顺序：
艺术的故事
图 1、圣母和圣徒，1505年，祭坛画；这幅是乔瓦尼·贝利尼的作品，亮点在于用色的方法大不相同。画面并不是特别明亮或光芒四射，但色彩却很柔和富丽，本书作者认为即便是图片都能把充满壁龛内部的温暖而富丽的气氛传达出几分……
图 2、圣母、圣徒和佩萨罗家族成员，1519-1526年，祭坛画；这幅是威尼斯最负盛名的画家提香的作品，前所未闻的他将圣母移出画面的中央部位，而画里的圣徒也并不像图 1 那样对称地站在两边，有着钥匙标记的圣彼得，被描画成场面中的积极参与者……祭坛画是为感恩祈祷而作，所以提香在画里也不得不加上供养人的肖像（右下脚跪着的男子）……提香这幅画颠覆了传统的构图规则，却因其用光、空气和色彩的独到，使得整个场面也很统一，用一面旗帜来平衡圣母的形象……
图 3、加冕的圣母与圣婴和圣徒，1627-1628，为一幅大祭坛画作的速写；这幅鲁本斯的作品，有种大气磅礴的动势，而鲁本斯恰恰就是利用这种动势将所有的人物都结合在一起，整个画面呈现一种欢乐节日的隆重气氛…….（更具体的场面描述就不再这里详写了）
在这本书里，类似这样的同主题的不同创作之间的对比，比比皆是，可以感受到本书作者对这些艺术家和作品的熟悉度。一如作者所言：艺术创作，总是反映着艺术家本人的内心、嗜好和乐趣，从而反映了他的心境。题材是次要的，关键在于艺术家通过他的创作画面，想让观者欣赏到他的想象力。
忽然想起陈丹青先生在《局部》里曾说过的，“不要妄自下结论，先要多看。”
是的，只有看的足够多了，才能慢慢形成自己的品味。
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