在常人眼里,从事艺术相关行业的人,外表言行各方面似乎都有些怪,也就是与众不同。怪,也许是因为不熟悉而产生的误解,但也不失为了解艺术和艺术家的契机。
古山淳子正是从“怪”入手,组织策划了“变态美术馆”活动,邀请美术评论家山田五郎进行一系列访谈活动,以轻松幽默的方式讲解西方美术知识。于是就有了这本风格奇特的《美术馆里聊怪咖》。
在《美术馆里聊怪咖》中,山田五郎馆长与见习研究员古山淳子以聊天的形式,讨论了文艺复兴、巴洛克、新古典主义、印象派的艺术特点,并犀利点评了12位代表性的艺术家。在接地气的吐槽之间,把相关美术知识的要点梳理一番,特点突出,观点新颖,让人印象深刻。对美术小白来说,是很好的入门读物。
为了加深印象,每一个时期选取三位代表性的艺术家,对他们进行“变态”比拼。所谓“变态”,其实只是一种夸张的说法,所指代的是他们作品和行为的特殊性。通过互相参照,突出他们各自的特点。比起平铺直叙,这样的对比更容易让人记住。
说起文艺复兴,门外汉也知道三杰的大名。但小白未必了解,被称为西方古典绘画代名词的拉斐尔,招收了大批学徒,完成了大量作品,因为画过很多圣母子像,还被称为“圣母子像画家”,堪称职业画家的典范。
名气最大的达芬奇,是完美主义者+三分钟热度的合体,常常标新立异,尝试新画法,失败了也不管补偿,没完工就可能撂挑子走人,简直可以说是不靠谱。
两相对比,就把拉斐尔和达芬奇都记住了。
当然,达芬奇也并非浪得虚名。画作虽少,成就却高。
《蒙娜丽莎》为何这样出名?在这幅画中,达芬奇把晕涂法发挥到了极致,并且完美融合了线性透视和色彩透视两种古典绘画的透视方法,被誉为“文艺复兴时期确立的西方古典绘画的重要技法的集大成之作”。
这样一幅完美的作品,达芬奇生前并没有卖掉,而是随身携带,得空就添上几笔,一直处于“未完成”状态,达芬奇的完美主义也是发挥到了极致。据科学证明,《蒙娜丽莎》至少涂了20层颜色。
另一幅出名的壁画《最后的晚餐》,达芬奇不用常规稳妥的湿壁法,却尝试不适于墙壁的丹培拉画法,后果是画作难以保存,达芬奇在世时就开始脱落了,需要不断地修复。美则美矣,维护却头大。
相对于拉斐尔画作的优美典雅,米开朗基罗的雕塑则雄浑健美。米开朗基罗也非常敬业,作品很多。当时艺术家以接到梵蒂冈的订单为荣。拉斐尔和米开朗基罗都有作品在梵蒂冈,独独达芬奇没有。由此可见拉斐尔和米开朗基罗的实力,当然,傲娇的达芬奇并不在乎这些。
三杰比拼,“最变态”的桂冠,达芬奇是当仁不让了。
文艺复兴时期多描绘静止、平衡的状态,而巴洛克绘画则喜欢捕捉动态的场景。巴洛克艺术夸张的特点,在三位画家身上同样有所体现。
卡拉瓦乔过于暗色调,也过于亡命,总是打架惹事落跑,一生漂泊。
鲁本斯过于功利,过于追求丰腴肥硕的胖萝莉形象,比如《三美神》。
伦勃朗则是过于自负,他不局限于题材,总是用画笔倾诉心声,因而也成为通过作品表现自我的先驱。在名画中的名画《夜巡》中,抢眼的小女孩乱入,反而成了整幅画的焦点。
新古典主义时期,宗教画、历史画渐渐失去热度,风景画、肖像画却大受欢迎。
安格尔可谓非常固执,迷恋权杖和长长的后背,时人评点他的《大宫女》“后背太长了”,他也始终故我。他的新古典主义,“描绘的是现实中不存在的理想美”。
相对于安格尔画作的僵硬、缺乏生气,德拉克洛瓦的浪漫主义画作有一种跃动感,注重直觉、想象力和感觉,代表作《自由引导人民》深入人心。
确立了绘画领域写实主义的库尔贝,相当自恋,各种自画像,其惊世骇俗的作品《世界之源》把写实发挥到极致。他是历史上第一个以个人名义办画展的画家,自恋的底气十足。
作为印象派奠基人的马奈,喜欢将古典元素活用到现代题材,也是最早借鉴日本元素的西方画家。他在《草地上的晚餐》中把凡人画成裸女引起轩然大波,而这幅正儿八经的古典主义作品,实际上正诚意是向古典主义杰作威尼斯画派提香的《田园合奏》致敬。
莫奈提倡在自然界的光线下画画,并确立了新画法——色彩分割法。印象派以他的画作《日出・印象》而得名。莫奈执着于捕捉光色的瞬间变化,后期醉心于创作《干草垛》、《睡莲》等连作,《睡莲》竟画了200多幅。
最不印象派的印象派德加,却偏爱室内光线。他着迷于捕捉肢体的瞬间动作,两大心头好——整理鞋带、调整肩带,都是动态过程的瞬间。他创作的“舞女”系列,后背、动态瞬间、衣衫凌乱和秃顶老头是必备要素。也正因青春的芭蕾舞女与秃顶老头的强烈对比,德加被授予了这本书“最变态”的总冠军头衔。
在这种轻松调侃的过程中,发现这12位艺术大咖真是各具特色。笑料十足的谈话中,西方美术知识和独到的观点一点都不少。作为艺术小白,以这种方式来了解“怪咖”的另一面,真的是乐趣多多。
2017.12.21雾凇
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