冬 日 观 画（十九）
——静物绘画
我们知道，这个世界很复杂，但是画家不是想要还原那一个复杂的世界，而是想通过静物画来创作出自己心灵的简单的世界。画家就是希望通过这些简单的静物，使人们能明白，静物画的创作并不重要，重要的是静物画是否能给人以想法。画家集中精力来绘画这些静止的东西，并不断修改结构，追逐色彩，就是想通过捕捉这些简单物体的精髓，来流溢出一种温暖的，令人感到亲近的真诚。其实，早先的静物画，曾一度被人们认为是低下的绘画，而纵观整个绘画的发展史，静物绘画也确实是少之又少。但是随着一代又代画家的努力，再加上人们审美心态的变化，便逐渐开始体会到了这一种静物画美的象征意义。
记得有一位法国的评论家说过，在夏尔丹之前，法国只有静物，直到有了他，才开始有了“静物的生命”。例如，法国夏尔丹的这一幅静物《铜水箱》，画家真实地画出了水箱表面油漆剥落的块块疤痕。他是以朴实的色调，忠实的造型，绘画出了普通人所用的水箱。这只水箱实在是太普通了，就像是他的碟子，水果，面包，酒瓶，刀叉那样普通到人们天天在使用，司空见惯的，却谁都不会在意它们的存在。但正是这种如海德格尔所说的器具的“上手状态”一样，即在用途中，人们对它们想得越少，对它们的意识越模糊，它们的存在就越真实，就越能揭示出人们的实际生活世界。因此，就能理解夏尔丹的画，所构成的那一个“世界”，而那个世界便是一种家的感觉。
我以为，作为法国第一个赋予静物“生命”的画家，夏尔丹的静物绘画显现出特有的静态生命。在这一件绘画中，为了表达出静止物象的“生命”，抹去富贵的气息，以无限深厚的感情去绘画出那些平凡而无声的物体。在绘画中尽量不用浓艳的色彩和闪光的器皿摆设，使静物展现出其自身本来的真实面貌。
荷兰画家梵高的这一幅静物《鸢尾花》的画，被人们称之为是在“圣雷米时期最伟大的静物绘画之一”。它远远地放置在那儿，就能深深地吸引住无数前来观赏的人们目光。该画色彩丰富，线条细致而又多变，使得整幅画面充满了律动，以及和谐之美，并洋溢着清新的气氛和活力。当然该画的构图，呈现出倒品字形的构图，三个紫鸢尾花群形成有分有合的群落，似连非连。而在三丛紫鸢尾花中，只有一朵白色的鸢尾花，白色的鸢尾花很少见。因此，有学者对这幅画的构图有一种猜测说：这，也许，是梵高自己对人生的感受吧。因为，杰出者永远是孤独的，他只要求自己自立，但他无意蔑视其他的群体。他愿意和群体合立在一起，不是吗？它那的皎白的美，是天意的使然，一朵白，和一群紫，互为映衬，相得益彰。
我以为，这位学者说得不无道理，鸢尾花和向日葵一样，原本都是很平凡的植物，但梵高却赋予了它们精彩的形象与色彩以及永恒的生命力。是这位一生都在痛苦与挣扎中度过的画家对大自然的赞美，对美好生活的向往，仿佛是一位黑暗中孤独的画者内心之中无语的一种倾诉。
当我们走进意大利画家丹妮的静物绘画的世界里，首先映入眼帘的或许是一幅描绘着桌上水果的作品。在那不大的画布上，摆放着几个色泽鲜艳的苹果，它们像是刚刚从果园里采摘而来，表皮泛着自然而健康的光泽。她巧妙地运用光线，让从一侧窗户透进来的光洒落在苹果上，一半沐浴在明亮的光辉中，那部分的色泽更加鲜亮，红彤彤的仿佛能滴出水来。而另一半则隐没在柔和的阴影里，却也因此更凸显出了立体感，明暗的过渡是如此自然，让人似乎能感受到那光影在苹果表面轻轻游走的动态。苹果旁边的陶瓷盘子，有着细腻的花纹，在光的映照下，花纹的细节清晰可见，那些浅浅的凹凸之处也因光而有了层次感，反射出的微光让盘子显得越发精致。再看那幅以花瓶和鲜花为主题的油画，花瓶被放置在窗前的小几上，阳光斜斜地射进来，在花瓶的玻璃表面折射出五彩的光晕。花瓶里插满了盛开的鲜花，有娇艳的玫瑰，粉嫩的花瓣层层叠叠，在光的拥抱下，像是被赋予了生命，那花瓣上的绒毛都似乎在闪闪发光，每一朵都散发着迷人的芬芳，尽管这芬芳无法透过画布传来。但观赏者却能从那生动的画面中真切地感受到，旁边的几支小雏菊，白色的花瓣透着纯洁，它们在光影的交织下，与玫瑰相互映衬，展现出一种别样的和谐之美。
我以为，她的绘画能让人们明白，静物画并非只是毫无生气的存在。当它们与光之相遇，当画家用细腻的心思去绘画，它们就能变成一个充满生命力的，饱含情感的绘画精灵，并引领着人们走进了一个静谧又美好的绘画天地，让人们在欣赏绘画的同时，也不禁地感叹光与绘画结合所产生的神奇魔力，并沉浸在这一场由光所打造的视觉盛宴之中，久久难以忘怀。
我也以为，通过这些静物绘画，以及这温柔的色彩，细腻的笔触和深邃的情感表达，让人们从画面中能感受到一种超越视觉的精神力量。画中的静物不仅仅是一个形象，更是对人类内心世界的一种隐喻。它们仿佛在告诉人们，即使在纷扰的生活中，也要保持内心的宁静与思索。正是这种深入人心的情感表达，才使得的历经百年的静物画，仍然具有打动人心的力量。
我喜欢这些静物绘画……
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