现代抽象艺术与古典艺术的一大区别，在于它把绘画由具象演变为了高度概括的抽象，借以表达主观意志。
在《论艺术中的精神》这本书中，康定斯基第一次完整阐述了抽象艺术理论。到了晚年，他更是宣称：“艺术的目的和内容是浪漫主义，而我的作品中一直大量用圆。”
与康定斯基的“圆”不同，另一位抽象画家，彼埃·蒙德里安，他最常使用的是直线和方块。那些“红黄蓝灰格子”，开拓了他的一片艺术天地，追求的是“纯粹抽象”。蒙德里安独创的“格子元素”，历经百年，至今仍然被广泛使用。
职业画家的理想
蒙德里安一开始，并不是抽象的蒙德里安。1872年出生于荷兰阿麦斯福特的他，成长在清教徒的家庭，有一个姐姐和三个弟弟。他的父亲是一位小学校长，业余时间热爱美术，蒙德里安从小就在艺术的熏陶下长大。
8岁那年，他立志要当一名画家，遭到家人的强烈反对。父母认为，艺术家是一项很不稳定的工作。蒙德里安做出了妥协，承诺去考美术教师。然而，在他20岁拥有中学教师资格之后，并没有进入教育界。
蒙德里安的叔叔弗里茨，是一位荷兰传统风景画家。在取得教师资格之前，蒙德里安一直跟着叔叔学习，得到了海牙画派的真传。
受到叔叔的影响，蒙德里安早期的作品，以写实风景画为主。那时，他经常到河边写生，勤奋的描绘着自然风光，家乡的河流、原野和风车，浪漫而安谧，填满了他的每一幅画面。
1892年，蒙德里安告别家乡，进入阿姆斯特丹的国立艺术学院学习，开始了他迈向职业画家的第一步。学院派的正规训练，进一步强化了他的写实能力。
起初，他深受老师的荷兰印象派手法影响，逐渐脱离了海牙画派。直到1903年，他去比利时探望朋友，比利时风景画的干净线条和冷淡色调，一下子击中了他。
蒙德里安第一次尝试着改变画风，减少了传统绘画中的光影表现，更多采用线条和形状的组合式构图。《静物》是这一年的代表作品，获得了艺术家协会的肯定。作品中严谨的构图和豪放的笔触，兼具古典与现代的特征，初次展露出蒙德里安的锋芒。
旅途结束以后，1905年，回到阿姆斯特丹的蒙德里安，被朋友带去参观了荷兰光色派的大型展览，并由此接触到了法国的后印象派风格。于是，蒙德里安有了第二次转变，开始减少用色和使用原始色。
1908年的作品《受难之花》，使用了点彩法，属于后印象派里的一个分支。女孩身上的背心，由白、灰、红混合而成，大的冷色调中透出了一股暖意。
进一步唤醒蒙德里安的，是荷兰同胞梵高炙热明艳的笔触。蒙德里安终于发现，真实并不局限于写实的物体，大自然需要通过人的感受与思考，做出二次诠释。就此，他的抽象意识觉醒。
走向抽象
1909年，蒙德里安加入了“荷兰通神论者协会”，这个协会的核心思想是创造一个超越种族、性别、信仰的人类大家庭。蒙德里安借此接触到了新柏拉图主义和多神论思想，开始探索更为深刻的人类真理。
蒙德里安成长最关键的一年，发生在39岁的时候。1911年10月，他在巴黎参加了一场展览，看见了毕加索和布拉克的立体派作品，受到了极大的震撼。第二年，他就毅然解除婚约，将名字“Mondriaan”中的一个“a”去掉，然后奔赴巴黎，研究起了立体派绘画，这是他的第三次转变。
这个阶段的早些时候，他的作品是平面化的，充斥着基本线条和几何形状，由大面积的色块填充，并且开始为画面留白。
但是很显然，立体主义不是他的最终目的，没过多久，蒙德里安就揉入了个人观念。那些单刀直入的线条，试图彻底摆脱立体派的常规束缚。因为蒙德里安认为，立体派仍然是自然主义的，而艺术应该揭示自然的最真实本质，那就是：平面、色彩、节奏与韵律。
浪漫至极的巴黎，创作之外的生活中，蒙德里安迷上了瑞典舞者让·博林的舞蹈。很快，他就掌握了西迷舞、狐步舞和一步舞。可惜由于贫穷，他始终没能遇上合适的女性。
《裸体》创作于1912年，这是杜尚《下楼梯的裸女》的姊妹作品。蒙德里安越来越注重整体结构，运用横竖相交的线条，来表达眼前的景观。同时借助线条、色彩和区域分布，来达到某种和谐。
在1913年，蒙德里安得出了一个结论：自然形体要简化成抽象符号，上升为“纯粹实在”。
可是理想太丰满，现实很骨感。蒙德里安并没有卖出去自己的作品，他不得不靠友人的资助度日。那些人买回去这些画作，当成对他的鼓励。而房东也为他开出了相当良心的租金价格，可是缺钱这件事情，始终困扰着这个穷画家。
新造型主义
1914年的夏天，蒙德里安的父亲病危，他只能回到了荷兰。随后，第一次世界大战爆发，完全浇灭了他重返巴黎的希望。在这段躲避战乱的日子里，蒙德里安开始了他的第四次转变。
新柏拉图主义哲学家舍恩迈克斯提出：水平和垂直是世界构成的两大基础，红黄蓝是三种基本颜色。他的这一哲学理念，给了蒙德里安决定性的冲击。
也是在这段时间里，蒙德里安结识了两位抽象艺术家：巴特范德莱克、杜斯堡。1916年，蒙德里安与彩色玻璃艺术家巴特范德莱克相遇，后者的作品只使用三原色，蒙德里安被这种风格深深吸引，从中受益匪浅。
杜斯堡是蒙德里安在一个展览上认识的，1917年，他们合伙创办了美术期刊《风格》。蒙德里安在上面发表文章，阐述他的艺术思想。最基本的元素：直线、三原色（红黄蓝）与三非色（黑、白、灰），成为了他们议论的主角。
创作于1918年的《46岁自画像》，是这一时期具有典型意义的作品。肖像的头部四周，排列着若干个抽象的方形，似乎寓意着这些几何图形，已经时时刻刻充斥着作者的脑袋。
蒙德里安主张“从抽象的角度理解整个自然，几何与颜色则是最有效表达出这种精神意义上的抽象式真理”。后来，他将其称为“新造型主义”。
创造格子画
1918年，西班牙爆发大流感，蒙德里安逃过一劫，幸存了下来。战争已经结束了，他终于重返巴黎。此时，法国不同艺术流派的交流、碰撞，产生了奇妙的化学反应。高度自由的创作环境，让蒙德里安感觉十分的舒适。到了1919年，他发现了新的表现形式，尝试着创作网格型的作品。
线条与色块，通过精心的分割重组，抽象成了具有韵律感的简洁画面。起初，蒙德里安使用的是灰色的线条，格子较小，数量众多。1919年的作品《网格构成5》，就属于这一类。
1920年后期，蒙德里安的作品变得更加大胆，他创作出了抽象绘画《构成A》。这时的格子明显增大，数量有所减少，并且出现了白色的格子。
1922年的《红、蓝、黄、黑构图》，更是将蒙德里安推向了绘画生涯的第一次巅峰。这幅作品虽然没有采用常见的平衡构图方式，却体现了他在不规则中寻找平衡的艺术思想。
遗憾的是，后来杜斯堡坚持在风格派绘画中使用对角线，蒙德里安则强烈反对。这两位合作伙伴的分歧越来越大，杜斯堡甚至在《风格》上发表文章，讽刺蒙德里安的“新造型主义”。最终导致两人不欢而散，蒙德里安彻底退出了风格派。
离开以后，蒙德里安变得越来越“孤僻”了，他总是独来独往，沉浸于自我的艺术世界中。1930年，他的几何抽象风格代表作诞生了，那就是《红、黄、蓝的构成》。
画面由七个大小不同的矩形构成，只采用三原色，除了垂直线就是水平线，除了直角就是方块，科学的分割与组合，使整个作品产生了一种和谐的平衡感。
结合当时的世界局势，蒙德里安其实是想借助自己的创作，来表达对于战争的反抗。
现代主义的灵感之源
第二次世界大战以后，纳粹盯上了蒙德里安的作品。1940年秋天，他被迫离开欧洲，在朋友们的帮助下，搬到了美国纽约居住。远离战事纷扰，蒙德里安加入了美国抽象艺术家协会。到了晚上，则会和友人去纽约黑人住宅区，欣赏爵士乐演奏会。
曼哈顿五光十色的生活，激发了蒙德里安新的创作灵感。他像换了一个人，完全放弃了使用黑线，打散了大方块，只留下红黄蓝小色块，并列排成一条，就像音符在画布上舞蹈，画作变得轻松起来。
纽约时期的经典代表，是1943年所做的《百老汇爵士乐》。这也是蒙德里安一生中最后一件完成的作品。
这幅一米多宽的正方形作品，由红黄蓝灰四种色块构成，刻画出了蒙德里安眼中的百老汇繁华。透过那些大小不一的格子，仿佛能嗅到车水马龙的大都市气息。密织的垂直和水平线条，像极了城市道路。而点点的色块，似爵士乐一般跳跃变化，又如同霓虹灯光在闪烁。
这是蒙德里安艺术生涯的最后一次巅峰，寄托着艺术家对和平与美好的无限向往。然而，他还是没能熬到战争结束，1944年2月1日，蒙德里安在纽约溘然长逝，享年72岁。
蒙德里安终身未婚，执着而淡泊，他将自己完全献给了艺术。终极一生，这位特立独行的画家，都在追求心中那个纯粹的精神世界。希望通过最简洁的方式，表现最宏大的宇宙，建立起理性秩序的平衡。
之后的岁月，他强烈的个人风格，成为了艺术领域的灵感之源。1965年，法国时尚设计师伊夫·圣罗兰，将蒙德里安《红黄蓝构图》的绘画作品，与秋季时装设计巧妙结合，创造了“蒙德里安裙”。这些由基础色块和黑线组成的裙子，成为了一代经典，进入了时装史的殿堂。
蒙德里安的艺术风格，对现代设计产生了革命性的影响。一直到今天，人们追随蒙德里安的脚步始终没有停止，大到建筑、工业，小到服装、家居，一代又一代的设计师们，从他那里汲取着养分。某种程度上说，蒙德里安超越了和他同时代的那些画家。
有人说，“蒙德里安意味着现代主义，他就是现代主义起源时期的图腾。”有他的地方，就有前沿艺术，就有对世界本源的探索，也许这就是蒙德里安的意义所在。
网友评论