最近又迷上了一首歌——
女歌手Lianne La Havas为《至爱梵高·星夜之谜》（以下简称《至爱梵高》）演唱的主题曲，《Starry Starry Night》。
它是根据美国民谣歌手Don McLean的名作《Vincent》改编而来的。
据说Don McLean在梵高博物馆看见梵高的名作《星空》（Starry Night）时灵感乍现，回住处一挥而就，也就有了这首赞美梵高的名作。
在歌里，Don McLean这样唱道：
Now I understand
我终于读懂了，
What you tried to say to me
你当时的肺腑之言。
How you suffered for your sanity
独醒于众人间的你是那么痛苦，
How you tried to set them free
你多想解开被禁锢着的系绊。
They would not listen
可他们却充耳不闻，
They did not know how
对你视若不见。
Perhaps they'll listen now
也许，现在听还为时不晚……
这几句，唱尽了梵高身为天才的孤独之苦，以及他饱受了怎样的凄凉。
这孤独和凄凉，就像世界首部油画电影《至爱梵高》里所展示的：
即便在他去世后，甚至已经声名鹊起时，那些曾把他看成疯子和神经病的人，依旧觉得梵高是不可理喻的。
这部正在院线热映的电影，在豆瓣电影广受好评：
以前也有不少导演拍过梵高传记。
但用梵高画作解读梵高本人的，这还是第一部。
所以当时放出第一支预告片，就造成了全球轰动。电影不仅在法国安纳西国际动画电影节荣获了观众选择奖，还斩获了上海电影节金爵奖最佳动画片。
电影以梵高生前写给提奥的最后一封信为契机，把镜头聚焦在梵高去世前的六周。
电影开场，就是老邮差希望儿子阿曼德·卢兰，能把这封信送给提奥。阿曼德不情不愿的态度，其实代表了很大一部分观众的心理：
人都已经死了，把信送出去又有什么意义？
但他架不住老爹威逼利诱，所以踏上了送信的旅程。
也正是在这个过程里，阿曼德接触到梵高生前的一些朋友，通过他们从自己立场对梵高的描述，他逐渐走进梵高的内心，意识到一个天才的孤独与凄苦，亲朋好友对他去世的惋惜和愤怒，以及世俗之人对天才的残害和虐待。
比如阿曼德的老爹，就对梵高去世感到心痛不已，并痛恨小镇居民联手签署“驱逐令”，才让梵高这个可怜虫，遭受相当大的精神摧残，否则他也不会选择自杀。
对父亲的愤怒稍有体谅的阿曼德，带着信去找“唐吉老爹”。
他是当地著名的颜料供应商，见证了梵高从28岁拿起画笔，前往巴黎寻求艺术追求，再到开创自己的风格，并最终悲惨离世的过程。
在阅画家无数的他看来，梵高是个天才，本应该有个好的结局：声名鹊起、功成名就——但这个天才却没能坚持住，而是选择了自杀。
他对梵高的突然去世，既震惊又扼腕。
顺着唐吉老爹的指引，阿曼德前往巴黎北部的瓦兹河畔欧韦——就是在这里，梵高接受加歇医生的治疗，并在这度过了人生中的最后六个星期。但他先见到了加歇医生家的女仆。
在这个虔诚的基督徒眼里，梵高就是个精神失常的疯子，他做的全是亵渎上帝的勾当：眼神里透着疯狂，随意糟蹋粮食和颜料，身上的衣服总是邋里邋遢……
随后，阿曼德住到了梵高去世的“来福酒馆”，在那里遇见了酒店老板艾德琳。
在她眼里，梵高本可以开开心心地过一辈子，却被加歇医生和警察等别有目的的人耽误了——谈及梵高去世当晚的情形，她身为亲历者，内心涌动着悲伤和哀婉。
等待加歇医生时，阿曼德在河边见到了青年船夫。
他还记得梵高面对姑娘时的木讷和绅士作风。
但也正是这一点，让他被镇上的富二代羞辱了一次又一次，毕竟梵高没钱亲近任何姑娘。船夫是个明哲保身的生意人，他见惯了富二代在镇上横行霸道，也就没想过去帮梵高一把。
不过船夫亲眼见过梵高和加歇医生的女儿玛格丽特约会。
只是玛格丽特一再否认，因为她很后悔，后悔自己给过梵高不一样的感觉，否则梵高还能跟父亲做好朋友，那样他就会得到更好的治疗，而不是最终选择自杀……
但她父亲加歇可不这么看。
这位自诩是梵高生前好友的医生，觉得梵高患有严重的抑郁症，他不仅活在深深的恐惧里，更觉得自己是弟弟提奥的累赘——加歇医生很痛惜，自己没能治好梵高的精神病，甚至眼睁睁看着他在自己面前去世。
电影就用这些旁观者枝桠丛生、且偶尔截然相反的回忆和评价，勾勒出梵高的画像。
它的形式是“罗生门”的，但它要说的东西却清晰而明了：即天才的悲剧性。
在这些人眼里，梵高是个可怜虫，是饱尝精神病折磨的天才，活在不被认可的恐惧和孤独里，内心却是对生命和艺术的炙热情感，即便躺在床上快要死去，也谈论的是生命和绘画。
这就像梵高的最后一封书信里说的：“只有画画才能表达我心中之所念。”
正是梵高这种以绘画做生命的态度，让导演多洛塔·科别拉有了这样的想法：
“我希望能如他所愿，他的内心，发生在他身上的故事，就由他的画来讲述吧。”
于是她找到同样是梵高粉丝，且凭借《彼得与狼》斩获第80届奥斯卡最佳动画短片奖的休·韦尔什曼，邀请他一道来制作这部为纪念梵高诞辰125周年的油画电影。
也正是因为都对梵高有种疯狂的爱，多洛塔和韦尔什曼在电影制作中互生好感，最终成为了夫妻。
这对夫妻花3年时间，考据梵高与弟弟的书信来往，并根据梵高生前周边人群采访留下的记录，才完成《至爱梵高》的剧本。
剧本完成后，导演又从全世界找来了15个国家的125位画家，接受为期3周的课程训练——为追求完美的梵高风格，剧组获得梵高博物馆授权，借助梵高的许多幅真迹作为参考。
在随后的4年多时间里，油画师把静态画面转变为动态来适应电影，这才有了这部每秒钟12幅油画，共有超过65000幅作品组成的世界首部油画电影。
也就是说，在《至爱梵高》里，我们看到的每一帧，都是一幅美到炸裂的“梵高式”油画。
比如梵高笔下的《马车与远处的火车》（1890）、《阿尼埃尔塞纳河大桥》（1887）、《蒙特玛居街道上的铁轨》（1888）和《罗纳河上的星夜》（1888）等作品，像是从梵高笔下活了起来，慢慢地在观众眼前铺开。
更难得一见的，是梵高最知名的《星空》，也在银幕上流动起来，那种梦境的华美与繁盛，足以让我们窥见梵高灵魂深处的高贵与炽烈。
那一刻，我们不仅看到了梵高作画的瞬间，更深切地感受到他内心的孤独与混乱、不安和疯狂、对生命的绝望和热爱。
这让人想起知乎上询问“梵高《星空》好在哪里”的问题下，有个相当感人的回复：
世界上形形色色的人当中总有一些孤独的灵魂，而孤独的灵魂也可以有强烈的共鸣，虽然我们不是一个时代的人。
这是《至爱梵高》在让观众领悟“天才的悲剧性”之外的又一个主题：即让每一个孤独的灵魂，感受梵高跨越时代的生命激情。
这就是梵高通过画作，带给我们的生命体验。仔细看梵高笔下的作品，其实压根看不到颓废与失望，它们反而充满了生命的张力，彰显着梵高努力在痛苦中挣扎和奋斗的激情。
也就是说，这部以油画、梵高色彩及形式向梵高致敬的作品，重点不再搞清楚梵高为什么死。而是要用绚烂的色彩和浓郁的笔触，为一个被全世界拒之门外的天才叫一声悲恸。
这就注定了《至爱梵高》的色彩会像梵高的作品一样饱含激情，而它的内容则会像梵高本人，激情被压抑、情感被困囿、身心被局限……这种观影带来的局促感，尽管会把很大一部分习惯了娱乐电影的观众拒之门外，但它能提供的养料却是其它电影的十倍不止。
它让我们有机会，以电影的方式走进一个天才的内心，并让我们知道：
每个孤独的人，内心都有一片星空。
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