现场音乐跟录制成品相比，有什么差别？
什么？要买门票？
好吧（黑线），从经济上来说，的确如此。
但是，从艺术欣赏的角度，现场音乐更有它独特的魅力和意义。
今天，我就来列举3个理由，让你摘下耳机，走进现场。
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如果说音乐是艺术与科学的共生体的话，那么毫无疑问，录制品更偏科学、严谨、理性；而现场音乐则更偏向于艺术、随性和富于感情。
借助于录音设备与技术的科学化，录制品在音乐的演绎上已经有足够的能力去追求愈发完美的效果，这首先体现在对音乐演奏差错的零容忍上。
譬如对于一个乐团来说，各声部之间的对位已经到了近乎严丝合缝的地步。甚至会有戴耳麦，听着节拍演奏的方式，用以追求各音频之间精准的匹配。
其次，完美更体现在演奏效果的最优化上。得益于录音技术的先进性，对于任何一段旋律，都可以反复多次录制演奏，甚至可以将不同段落最满意的部分拼接起来，以达到完美的效果。所以，录制成品一定是在既有演奏能力下的最优解。
然而，现场音乐则完全不同。
首先，现场音乐每一次演奏的细节都不可能做到完全一样，所以也就意味着即便是同一个指挥、同一个乐队演奏的同一首曲目，你如果多次听，也可能听到多个版本。这就是现场音乐每一次演奏的独一无二和不可复制的特点。
其次，现场音乐更可能出现缺憾。这看似是个弊端，其实不然。
这里有必要先界定一下，缺憾并不是差错。差错是指没有按照谱面的要求演奏，而缺憾更多的是一种情感上的意犹未尽。
在我看来，留余缺憾在很多时候是艺术表现力的一种体现。就如同维纳斯因为断臂而成为了经典，《茶花女》以玛格丽特悲剧的结局方能生动地描绘出上流社会糜烂的生活，而我们的古诗词中，但凡提及月亮，也总是爱“缺”多于“圆”的。
所以说，缺憾在音乐的表现上更像是一种留白。曲虽已结束，但仍然绕梁三日，不绝于耳。
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第二个理由，是现场音乐更震撼的艺术感染力和表现力。这里强调的不是技术层面，而更多的是演奏者的肢体语言、甚至是面部表情所流露出的信息。
试想一下，假如你坐在台下，看到台上的表演者正襟危坐，完全机械地演奏，会怎样？我猜，没一会儿你就会感觉到乏味了。
所以说，能赏心、能悦目是现场音乐区别于录音的重大优势，也意味着演奏者需要有更高的艺术感染力和表现力，才能做到让你目不转睛。
假如你看不懂这里在说什么，可以参见下面这张朗朗的音乐会现场照片，看看他那眨巴眨巴，生动又传神的大眼睛，便能理解个大概了。
如果说古典音乐的现场表演还相对受限于传统礼数的话，那么很多流行音乐则已经发展到无所不用其极的地步了。
为了吸引观众的眼球，拿着吉他的不甩甩头发、蹦一蹦、跪一跪，都觉得不尽兴；打鼓的更是各种耍花活儿，鼓槌儿都快转上天了；就连键盘这种相对正襟危坐的也要对面摆两排键盘，气势恢宏地一手一边，边弹边晃晃脑袋。
要是唱歌的就更不得了了，跳舞已经是标配，都不算事儿了，恨不得杂技都已经上场，就差拿大顶了。
总而言之，就是在现场做足了戏，想要给观众带来难忘的演出观感。
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第三个理由，是现场的互动。
其实这一点与第二个理由有异曲同工之妙，但是不同的是，互动需要观众的参与。
2000年的时候，我随学校乐团附德国演出。那时候看当地音乐会的录像，就发现连古典音乐会也已经开始有与观众互动的意识了。
譬如有一场音乐会中，比才的《卡门》一开始，从观众席后面就进来一头牛（当然是人扮的），还有斗牛士拿着红布在前面绕着观众席溜达，各种招摇，好不热闹。
以我自身的演出经历来说，我们的很多演出在近年来也是愈发重视与观众的互动了。
譬如我们在北京音乐厅举办的云南风情专场音乐会，特地邀请了《五朵金花》中的几位老师来跳民族舞，从台下一直跳到台上来。现场的所有观众都跟着拍手，更有一些人也跟着站起来跳，场面着实很精彩。
还有返场曲目演奏射雕英雄传的插曲时，指挥转身面向观众，带领大家一起配唱“吼、哈”，那阵势，还颇有一些弯弓射大雕的英雄气概。
总而言之，欣赏现场音乐虽然需要支付一定的经济成本，有时价格甚至是昂贵的，但是现场表演因为以上所阐述的附加值，所能带来的感官体验也是在家戴耳机远远无法比拟的。
虽然我尝试列举了3个理由，但我依然觉得，音乐现场欣赏的体验很多时候是无法言传的。声音和画面会有一种交相辉映的通感，它们轻而易举就渲染出了一种氛围，让你陷入其中、让你无法自拔。
于是乎，哪怕过去很久很久了，每当听到这段旋律，你的眼前还是会浮现出那些人、那天音乐会的场景，让你久久沉思、念念不忘。
我是芊芊，一枚立志用接地气儿的语言说音乐的女纸。我举手保证，所有内容皆取材自真实生活经历，绝不百度。
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