《美的历程》系列2：龙飞凤舞——原始人眼中的美
文/杜豆豆
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问你个小问题：中国人最喜欢什么颜色？
当然是红色了，地球人都知道啊。要不怎么有中国红这个词儿呢。
再问你个小问题：这么多颜色，中国人为什么独独喜欢红色呢？
过年了，挂上红灯笼，放串红鞭炮；办喜事了，穿上红衣服，贴对红双囍；生日那天，吃个红鸡蛋；本命年，还要穿条红内裤。
额......你得挠头想想了吧？
葛优：没头发，不用挠......
中国人喜欢红色，因为红色象征着吉祥和喜庆。这种寓意是由来已久的，要从远古说起。
越是神秘难解的东西，越可能被赋予无限的想象。
咱们的老祖宗敬畏太阳，因为它能生长万物；崇拜火种，因为它能吓走野兽；珍视鲜血，因为它能滋养生命。巧的是，这几样都是红色的。于是，对自然和生命的崇拜，就全聚焦到了红色上。
他们从田野中采来红花茜草，从山石中获取朱砂赤铁，或涂在身上，或装扮穿戴，或画在岩壁。
心理学里有个说法，如果你喜欢谁，你就会无意识地模仿谁。
对红色的崇拜，恰恰影射出了原始人内心的想法。那就是对神的崇拜，狂热中杂着说不清的迷醉。于是，红色就变成了图腾元素的一种。
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图腾这个说法，来源于印第安语"totem"，意思为“它的亲属”，“它的标记”。这个“它”，指的是原始人的祖先神。
某景点印第安图腾柱
最美的，要献给自己最珍重的人。中国古典美，就是从这种图腾崇拜开始的。
仰韶文化里会出现人首蛇身壶，山顶洞人会用贝壳兽骨做项链，甚至给亡灵的尸体撒上红粉，这些无疑都不仅仅是对美感的追求，更多地包含着原始宗教哲学，表现出来就是一种巫术礼仪，也就是远古图腾活动。
在《山海经》中，我们读到，中国神话传说中的伏羲和女娲，被想象成了人面蛇身的龙蛇神人。这种形象，因为部落的融合，逐渐变成了先祖们的共同图腾。后来，才演变成为龙的形象，在甲骨文、金文、青铜器中不断出现。最终，龙蛇图腾成了中国西方炎帝部落联盟的标志，而凤鸟则演化成了东方部落联盟的标志。
龙飞凤舞，就形成了中国远古文明的主流图腾。原始艺术审美，在此时，正式进入了萌芽阶段。
龙飞凤舞不仅仅是以文字或者图案的形式出现在古文献或者器物上，以静态的形式流传下来。它还用了一种更为动态的巫术礼仪活动方式，代代传承。
这种活动，往往是包含了歌舞、音乐、戏剧、绘画、咒语和神话传说等等元素的狂热活动。
我们在博物馆中看到的彩陶舞蹈纹盆，盆沿上面的小人手拉着手，载歌载舞的绘画，线条明快，画面简洁。就不单单是装饰，也是巫术礼仪活动的表现。
彩陶舞蹈纹盆
“作法”、“祭天”、“祭河神”......巫师们又唱又跳，还要配上特殊的装扮和音乐来营造神秘感。不要小看这种巫术礼仪，这些原始歌舞。到了后世，它们分化出来的，就是中国的礼乐：
巫术礼仪成为“礼”——政刑典章，原始歌舞便是“乐”——文学艺术。
图腾歌舞的分化，成就了诗、歌、舞、乐和神话传说。龙凤图腾神话发展到后来，变成了英雄崇拜和祖先崇拜，最终，随着神被人化和人们认知发展的理性化，巫术礼仪、原始图腾才渐渐让位给政治和历史。
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新石器时代的母系氏族社会，大概是神话中的神农时期。那时候，天下相对安定太平，出土的彩陶文物图案，有各种形态的鱼，奔驰的狗，爬行的蜥蜴，拙朴的鸟和蛙，显然都有着图腾的性质，但具体是什么含义呢？虽然不得而知，但我们却能清晰地感受到生气勃勃的人类童年气派。
仰韶半坡彩陶图案的特点，是动物纹多，尤其是鱼纹。这是因为鱼代表着对子孙繁衍昌盛的祝福？还是因为鱼是另一种图腾变化？和龙凤有什么关系？这些都是耐人寻味的疑惑。
动物纹之后，发展出了几何纹。这些抽象的曲线、直线、水纹都是怎么来的？至今仍然是世界艺术之谜。
几何纹
能得到认可的大概是这样的猜测：这些几何纹，是由动物纹演化而来的。正象象形文字一样，从动物形象的写实逐渐抽象化、符号化，最后呈现出了一种“有意味的形式”：美。
换句话说，在后世看来是“装饰”的抽象图案，在当时是蕴含了极为丰厚的图腾礼仪文化内涵。可见，“抽象几何纹饰并非某种形式美，而是：抽象形式中有内容，感官感受中有观念”。
这正是审美过程的特点，这个特点就是：积淀。内容积淀为形式，观念积淀为感受。
李泽厚先生说，人的审美感受之所以不同于动物性的感官愉快，正在于其中包含有观念、想象的成份在内。美之所以不是一般的形式，而是所谓“有意味的形式”，正在于它是积淀了社会内容的自然形式。所以，美在形式而不即是形式。离开形式固然没有美，而只有形式也不成其为美。这就是“审美积淀说”。
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美是“有意味的形式”。
这一观点是克乃夫-贝尔（Clive Bell）提出的。他强调纯形式，为后期印象派绘画提供了理论依据。但他的理论有缺陷：有意味的形式引起审美感情，而审美感情来源于有意味的形式。这显然是循环论证。
如果和审美积淀说相结合，就完整了。正是因为几何纹是由动物形象演化来的，其意义已积淀在其中，所以才不同于一般的线条，而成为“有意味的形式”。同时，它又积淀了当时人们对图腾崇拜的感情，所以成为一种“特定的审美感情”。
这种社会情感是强烈炽热而含混多义的，包含了大量的观念和想象，演化和积淀为感官感受时，就会变成一种不可言说的深层情绪反应。
但随着岁月流逝、时光变迁，这种“意味”逐渐失去，变成了规范化的一般形式美，于是，几何纹也就成了“装饰”了。
比如，一面波浪纹的旗子，古人看到可能下跪，因为想到了蛇鸟之类的图腾；而现代人看来，不过是波浪纹而已。这就是“审美积淀”和“有意味的形式”对不同时代的人，因为“审美积淀””的不同，而产生的不同审美情感反应。
说到陶器，除了线条的变化，色彩、造型也是饶有趣味的话题。比如，山顶洞人对红色的喜爱；大汶口陶猪的造型，说明在远古时代人们就开始驯养猪；三足器形象，不是来源于模拟，而是因为稳定的三角结构带来的生活便利，并最终发展成了后世主要礼器的“鼎”。
三足食器
早期的图案，都比较天真质朴，生动活泼。但到了晚期，则开始往神秘恐怖发展。从形式上看，直线压倒曲线，封闭重于联续，整体更为严峻怪异。这意味着，母系氏族开始衰落，父系家长制上位，并日益向早期奴隶制行进。
比如，山东龙山文化晚期的日照石锛纹样，已经和殷商青铜器的特征接近，呈现出了狞厉之美。
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美是“有意味的形式”，审美是积淀了内容和意义的感受过程。这是我读这部分最大的收获。
美不美，你说了不算，要懂“意味”和“积淀”才行。懂了这两点，你就掌握了欣赏古代艺术的法门。
由此，我联想到了更多。比如，写作。
平实的文字，因为有了思考才有了灵魂。
一个佛像被赋予了禅意，一块石头被涂鸦了意境，皆因观的人心中有戚戚焉，而不是这些没有生命的物体本身。
任何物件，被赋予了意味，也就有了灵魂，而能穿越时空长存。
我想起昨天的问题：欣赏古代艺术，理解为何他们会被标出天价，不仅仅是因为历史悠久，还因为他们被赋予了狂热的当时意味。形式是外在表现，内容和意义的积淀不容忽视。
当一个现代人，在面对原始人的艺术时，是很难产生和原始人同样的审美情感的。这也是我们普通人为什么欣赏不了古代艺术的重要原因。
要理解一个人，你要站在他家的屋檐下。
要理解一件艺术品，你要穿越到它的时空。
要理解一件艺术品，你要穿越到它的时空
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